RESEÑA: Casa Valentina, Teatro Samuel J Friedman ✭✭✭✭

Casa Valentina - Nick Westrate (de izquierda a derecha), John Cullum, Gabriel Ebert y Tom McGowan. Foto: Matthew Murphy Casa Valentina

Samuel J Friedman Theatre

13 de abril de 2014

4 estrellas

Es 1962 y el recuerdo de las cazas de brujas del macartismo sigue candente y malsano. En una pequeña pensión en las montañas Catskill, un grupo de hombres se reúne para pasar un fin de semana de diversión elegante. Cada uno está casado, pero todos esconden una pasión por vestirse con ropa femenina, con maquillaje, pelucas y tacones incluidos. Son “mujeres” felices, elegantes y hechas a sí mismas. Algunas se conocen desde hace años y todas son amigas. La esposa de uno de ellos —el dueño de la pensión— está allí con el grupo, animándolas, alentando esa liberación personal tan particular.

En este grupo irrumpen dos desconocidos. Uno es un recién llegado, dando sus primeros pasos titubeantes en el mundo del travestismo. El otro es un veterano, un travestista de larga trayectoria con una agenda política: elevar el perfil y la aceptación social de hombres como él.

Este es el punto de partida de Casa Valentina, la nueva obra de Harvey Fierstein, que se estrena ahora en el Samuel J Friedman Theatre de Broadway, en una producción dirigida por Joe Mantello. Entre ambos, Mantello y Fierstein han estado implicados en —o han sido responsables de— prácticamente todas las obras teatrales importantes de temática gay de los últimos cincuenta años del teatro estadounidense.

Sin embargo, Casa Valentina no es una de esas obras.

Ni mucho menos.

Es una obra sobre un mundo completamente distinto y, curiosamente, uno que parece chocar con el mantra de la aceptación que impregna —o parece impregnar— la cultura gay. Pero conviene recordar que la acción se sitúa en 1962 y que los personajes expresan opiniones anteriores, en su mayoría, a los libres años 60, Stonewall, la crisis del sida y las campañas por la aceptación del matrimonio igualitario.

Es esa rara bestia teatral: una obra cálida y divertida, a veces desternillante, llena de personajes interesantes, que de pronto gira sobre sí misma y se precipita hacia un lugar oscuro e inhóspito de angustia, desesperación y traición.

Mantello dirige todo con mucho amor y cuidado. El precioso decorado de Scott Pask incluye varios tocadores y espejos y, ante ellos, en distintos grados de desnudez, los hombres se transforman en sus alter egos femeninos al abrirse la obra. Es un comienzo deliberadamente hermoso y envuelve lo que viene en una sensación de gentileza de otro tiempo que reconforta, tanto por los recuerdos que evoca (todo el mundo tenía una madre con un tocador así) como por la distancia que crea entre el presente y la obra.

La obra está magníficamente escrita en su mayor parte, aunque sí parece un pelín larga. Abundan las frases ingeniosas, pero también hay un aire de camaradería que lo impregna todo y que es crucial para que funcione.

En el primer acto, las “chicas” ya establecidas se unen para darle un cambio de imagen muy femenino a la nueva recluta, Miranda, y esa escena es uno de los momentos más gozosos y entrañables que pueden verse ahora mismo en un escenario de Broadway. Brilla por su generosidad y por un deseo común y compartido de feminidad.

Pero la escritura de Fierstein no destaca solo en la felicidad. También entiende el dolor, y eso se muestra con claridad. Y escribe muy bien las discusiones difíciles, con nitidez y un detalle feroz. Así, las sorpresas del texto tienen verdadera amenaza y auténtico impacto.

El reparto, en su mayoría muy acertado, ayuda enormemente.

John Cullum, un veterano de Broadway (apareció originalmente en la producción original de Camelot), está sencillamente maravilloso como la mayor y maternal Terry. Remata cada línea cómica que le dan, pero también brilla cuando le toca el foco dramático. Su discurso sobre por qué nunca traicionaría a la comunidad homosexual, que le brindó amistad y consuelo en tiempos de desesperada soledad, es una lección magistral de interpretación dramática soberbia y contenida.

El versátil Nick Westrate está magnífico como la fogosa pelirroja Gloria, toda falda amplia, cintura ceñida y tacones altos. Firme e implacable, Westrate convierte a Gloria en una auténtica fuerza de la naturaleza. Su enfrentamiento con el anfitrión es uno de los grandes momentos de la noche, y tardaré en olvidar el escalofrío que me recorrió la espalda cuando él habló de “saquear los cuerpos” de las chicas que tuvo en la universidad. Es una interpretación verdadera, vigorosa y plenamente completa. Maravillosa en todos los sentidos.

Tom McGowan, como la amable y regordeta Bessie, la de corazón de oro y afición por citar a Oscar Wilde —la que en su vida masculina es soldado profesional—, es un estallido de gasa, pintalabios y una jovialidad a flor de piel. Pero puede girar sobre sí misma como una falda envolvente, y lo hace, con efecto tanto cómico como dramático. Otra interpretación deliciosa que nunca cae en la parodia.

El papel más difícil —el del respetado juez de día, Amy los fines de semana; el hombre con esposa e hija que detestan su lado femenino; el hombre que puede romperse por un momento de debilidad— recae en Larry Pine, que está francamente estupendo como Juez/Amy. Su afilada mente jurídica se percibe con claridad cuando no lleva la peluca rizada castaña, pero en cuanto Amy aparece, toma terreno y no lo suelta. Ofrece un retrato luminoso de sensibilidad atrapada, deseo encapsulado y una confianza ingenua en los demás.

Pero la interpretación de virtuosismo de la noche la entrega Reed Birney, que interpreta a Charlotte, la política de carrera con vestido; la que lleva un traje de oficina naranja, fuma sin parar, bebe martinis de ginebra… la que podría haber sido tu profesora de piano o de historia, o la enfermera de la consulta del médico del barrio. Encarnación total de la eficiencia femenina, Charlotte es tan vil y taimada —y tan totalmente, con indignación autojustificada— como cabe imaginar, y Birney desgrana todo eso con aparente facilidad. Está especialmente helador y extraordinario en un largo discurso, impecablemente calibrado, en el que destroza la vida de otra de las “chicas”. Es una interpretación sutilmente poco sutil; puede sonar contradictorio, pero en realidad es la clave del asombroso trabajo que hace aquí. Actuación de las que no se ven mejor.

El personaje de Birney es quien pone sobre la mesa algunas de las cuestiones centrales de la obra: la diferencia entre homosexualidad y vestirse; la incapacidad del público para ver matices en la actividad de género, para diferenciar entre hombre, mujer y hombres que quieren vestirse como mujeres; para tolerar lo diferente. Tiene un parlamento magnífico en el que su personaje opina que dentro de 40 años (o sea, más o menos ahora) los homosexuales seguirán moviéndose a hurtadillas en las sombras, mientras que los hombres vestidos de mujer serán tan omnipresentes y aceptados como fumar. Resulta interesante imaginar cómo habría sido el mundo si su personaje se hubiera salido con la suya (en los hechos reales sobre los que la obra juega y se inspira).

Como la recién llegada, Miranda, Gabriel Ebert también está excelente. Su sensación de aprensión y miedo puro es palpable, y se transforma en auténtica emoción y felicidad desatada tras el cambio de imagen. Ese tránsito resulta de verdad conmovedor, y lo que sucede en el segundo acto es aún más poderoso gracias a la alegría que aporta en el primero. Su escena final, increíblemente triste y emotiva, es brutal, desgarradora y absolutamente justa.

Pero no todo son buenas noticias. Los dueños de la pensión donde ocurre todo, los cónyuges Rita y George, interpretados por Mare Winningham y Patrick Page respectivamente, no funcionan ni por separado ni como pareja. Winningham está demasiado ligera, demasiado imprecisa para ser eficaz como Rita, una mujer que, se mire como se mire, ha tomado decisiones deliberadas y ha elegido caminos claros. No es, en absoluto, una persona indecisa.

Page no parece real, sobre todo en contraste con las otras “hermanas” de la sororidad. No da la sensación de estar a gusto con su yo femenino, lo cual es un problema considerable, ya que todo el clímax de la obra depende de su necesidad de aferrarse a su persona femenina.

La obra sería una auténtica caja de pólvora de posibilidades dramáticas si estos dos personajes estuvieran interpretados por actores con mayor disposición a perderse en las personas concretas que son estos papeles —del mismo modo, exactamente, que lo hace el resto del reparto.

Fue especialmente revelador que Page siempre pareciera incómodo y muy masculino como Valentina, el alter ego de George. Necesita ser tan implacablemente femenino como los demás y, del mismo modo, también lo necesita la Rita de Winningham. Ella interpreta a una de las dos únicas mujeres, y su personaje está vivo, es reflexivo y sensible, un contraste total con la otra (Lisa Emery como una criatura fría, incendiaria y muerta por dentro, hija del juez). Winningham, sin embargo, opta por una vaciedad insípida y despreocupada cuando, en realidad, interpreta al único personaje que ha tomado decisiones y se ha mantenido fiel a ellas de forma constante: no solo los fines de semana, sino toda su vida.

Rita Ryack firma un vestuario estupendo, y el diseño de peluquería, pelucas y maquillaje de Jason P Hayes es fantástico. La época queda clara, los colores son vibrantes y el sentido de una feminidad inclusiva es de lo más delicioso. Justin Townsend ilumina todo con gran delicadeza, con belleza: induce a la reflexión punzante o a una felicidad serena con un simple toque. Es una iluminación cuidada, profundamente perspicaz, que suma muchísimo a la fuerza de la producción.

Puede que esta sea la mejor obra que Fierstein haya escrito nunca.

Desde luego, invita a pensar y pone el foco en una subcultura que rara vez lo recibe. Es reflexiva e ingeniosa, ocurrente y incisiva. Necesita un reparto uniformemente ejemplar y, en ese aspecto, la producción de Mantello no le hace justicia.