ANMELDELSE: Casa Valentina, Samuel J Friedman Theatre ✭✭✭✭

Casa Valentina – Nick Westrate (fra venstre), John Cullum, Gabriel Ebert og Tom McGowan. Foto: Matthew Murphy Casa Valentina

Samuel J Friedman Theatre

13. april 2014

4 stjerner

Vi er i 1962, og minnene fra McCarthys heksejakter er fremdeles ferske og bitre. I et lite pensjonat i Catskill-fjellene samles en gruppe menn for en helg med elegant moro. Hver mann er gift, men alle bærer på en lidenskap for å kle seg i kvinneklær, komplett med sminke, parykker og høye hæler. Dette er lykkelige, elegante, selvskapte «kvinner». Noen av dem har kjent hverandre i årevis, og alle er venner. Kona til verten er også der; hun muntrer dem opp og oppmuntrer deres personlige frigjøring.

To fremmede ankommer gruppen. Den ene er en nybegynner som tar sine første nølende skritt inn i transvestismens verden. Den andre er en gammel traver, en profesjonell transvestit med en politisk agenda om å øke profilen og den generelle aksepten i samfunnet for menn som ham selv.

Dette er bakteppet for Casa Valentina, et nytt stykke av Harvey Fierstein, som nå har premiere på Samuel J Friedman Theatre på Broadway i en oppsetning regissert av Joe Mantello. Mellom seg har Mantello og Fierstein vært involvert i eller ansvarlige for nesten alle viktige skeive teaterstykker i løpet av de siste femti årene i amerikansk teater.

Casa Valentina er imidlertid ikke et slikt stykke.

Langt derifra.

Det er et stykke om en helt annen verden, og en verden som merkelig nok virker å være i strid med mantraet om aksept som gjennomsyrer den skeive kulturen. Men det er viktig å huske at stykket utspiller seg i 1962, og at karakterene uttrykker holdninger som i hovedsak stammer fra tiden før det frigjorte 60-tallet, Stonewall, AIDS-krisen og kampanjene for likekjønnet ekteskap.

Det er en sjelden teateropplevelse: et varmt og morsomt, til tider hylende morsomt stykke, fylt med interessante karakterer, som plutselig snur på femøringen og stuper ned i et mørkt, skremmende dyp av angst, fortvilelse og svik.

Mantello regisserer det hele med stor kjærlighet og omsorg. Scott Pasks vakre scenografi inneholder flere sminkebord og speil, og her forvandler mennene seg til sine kvinnelige alter egoer idet stykket åpner. Det er en bevisst vakker begynnelse som hyller handlingen inn i en følelse av gammeldags dannelse – noe som er beroligende både på grunn av minnene det vekker (alle hadde en mor med et slikt sminkebord) og avstanden det skaper mellom nåtiden og stykket.

Stykket er for det meste nydelig skrevet, selv om det kan virke en smule langt. Det er mange glimrende replikker, men det er også en følelse av kameratskap som gjennomsyrer manuset, noe som er avgjørende for stykkets suksess.

I første akt går de etablerte «jentene» sammen om å gi nybegynneren Miranda en feminin makeover, og den scenen er et av de mest gledelige og hjertevarme øyeblikkene man finner på en Broadway-scene for tiden. Det glitrer av raushet og et felles ønske om femininitet.

Men det er ikke bare i de lykkelige stundene Fiersteins skrivekunst utmerker seg. Han forstår også smerten, og den er tydelig skildret. Han skriver gode argumenter med klarhet og presise detaljer. Dermed har overraskelsene i manuset en genuin tyngde og effekt.

En usedvanlig treffsikker casting hjelper betraktelig.

John Cullum, en veteran på Broadway, er rett og slett fantastisk som den eldre matronen Terry. Han treffer hver eneste komiske poeng, men stråler også når det dramatiske søkelyset rettes mot ham. Hans tale om hvorfor han aldri ville svikte det homofile miljøet – som ga ham vennskap og trøst i tider med desperat ensomhet – er en mesterklasse i lavmælt og gripende dramatisk formidling.

Den allsidige Nick Westrate er praktfull som den fyrige rødheten Gloria, med vide skjørt, smal midje og høye hæler. Westrate gjør Gloria til en naturkraft, beinhard og ubøyelig. Hennes basketak med verten er et av kveldens høydepunkter, og jeg vil lenge huske frysningene nedover ryggen da han snakket om å «plyndre kroppene» til jentene han hadde på universitetet. Det er en kraftfull og helstøpt prestasjon. Strålende på alle måter.

Tom McGowan, som den vennlige og frodige Bessie – hun med hjertet av gull og en forkjærlighet for å sitere Oscar Wilde, hun som er yrkessoldat i sitt mannlige liv – er et fyrverkeri av sjiffong, leppestift og åpenhjertig glede. Men han kan snu like raskt som et omslagsskjørt, og det gjør han, med både komisk og dramatisk effekt. Enda en herlig prestasjon som aldri tipper over i parodi.

Den vanskeligste rollen, den respekterte dommeren om dagen og Amy i helgene – mannen med kone og datter som avskyr hans feminine side, mannen som kan knekkes på grunn av et øyeblikks svakhet – spilles av Larry Pine, som er helt strålende som Dommeren/Amy. Hans skarpe juridiske sinn er tydelig når den krøllete brune parykken er av, men når den er på, tar Amy kontrollen og slipper den ikke. Han gir oss en lysende studie i innelåst følsomhet, undertrykt begjær og tåpelig tillit til andre.

Men kveldens virkelige bravurnummer leveres av Reed Birney i rollen som Charlotte, en dreven politiker i kjole. Hun bærer en oransje drakta, kjederøyker og drikker gin martinis – en type som kunne vært pianolæreren din eller en streng sykepleier. Charlotte er selve legemliggjøringen av kvinnelig effektivitet, men hun er også så ussel, falsk og selvrettferdig som det går an å bli, og Birney får frem alt dette helt uanstrengt. Han er spesielt skremmende og ekstraordinær i en lang, perfekt dosert tale der han ødelegger livet til en av de andre «jentene». Det er en subtil-usubtil prestasjon, noe som kanskje høres ut som en selvmotsigelse, men som er nøkkelen til det forbløffende arbeidet han gjør her. Skuespill på sitt aller beste.

Birneys karakter er den som belyser stykkets sentrale spørsmål: forskjellen mellom homofili og det å kle seg ut; publikums manglende evne til å se nyanser i kjønn og identitet; å skille mellom mann, kvinne og menn som ønsker å fremstå som kvinner. Han har en fantastisk tale der karakteren mener at om 40 år (altså omtrent nå) vil homofile fortsatt gjemme seg i skyggene, mens menn i kvinneklær vil være like aksepterte som røyking. Det er interessant å filosofere over hvordan verden kunne vært annerledes om hans karakter hadde fått viljen sin.

Som nybegynneren Miranda er Gabriel Ebert også utmerket. Følelsen av bange anelser og ren frykt er til å ta og føle på, før det transformeres til ekte begeistring og ren lykke etter hans makeover. Overgangen er genuint rørende, og det som skjer i andre akt blir desto kraftigere på grunn av gleden han bringer til første akt. Hans siste, utrolig triste og bevegende scene er brutal, hjerteknusende og helt riktig.

Men alt er ikke rosenrødt. Eierne av pensjonatet der alt skjer, ekteparet Rita og George (Mare Winningham og Patrick Page), fungerer ikke optimalt, hverken individuelt eller som par. Winningham er for lettvint og upresis til å være effektiv som Rita – en kvinne som tross alt har tatt bevisste valg og fulgt en tydelig vei. Hun er ingen grå mus.

Page virker ikke ekte, spesielt i kontrast til de andre «søstrene». Han virker ikke komfortabel med sitt feminine id, noe som er et betydelig problem siden stykkets klimaks avhenger av hans behov for å holde fast ved sin kvinnelige persona.

Stykket ville hatt langt mer dramatisk sprengkraft om disse to rollene ble spilt av skuespillere med større vilje til å tape seg selv i disse spesielle menneskene – nøyaktig slik resten av ensemblet gjør.

Det var talende at Page alltid så ukomfortabel og maskulin ut som Valentina, Georges alter ego. Han må være like kompromissløst feminin som de andre, og det samme gjelder Winninghams Rita. Hun spiller en av kun to biologiske kvinner i stykket, og karakteren hennes er levende, tenkende og følsom – en total kontrast til den andre (Lisa Emery som dommerens kalde og bitre datter). Winningham velger imidlertid en tam og likegyldig tilnærming til en karakter som faktisk har tatt tøffe valg og stått i dem hele livet, ikke bare i helgene.

Rita Ryack står for fantastiske kostymer, og hår-, parykk- og sminkedesign av Jason P Hayes er fenomenal. Tidsepoken er tydelig, fargene er livlige og følelsen av inkluderende femininitet er herlig. Justin Townsend lyssetter alt ømfintlig og vakkert – og fremkaller både ettertanke og glede med et tastetrykk. Det er en nøyaktig og dypt innsiktsfull lyssetting som tilfører produksjonen uvurderlig styrke.

Dette er kanskje det beste stykket Fierstein noensinne har skrevet.

Det er definitivt tankevekkende og kaster lys over en subkultur som sjelden får oppmerksomhet. Det er klokt, vittig og sviende. Det krever et gjennomgående eksemplarisk ensemble, og på akkurat det punktet yter ikke Mantellos produksjon manuset full rettferdighet.