RECENSIE: Casa Valentina, Samuel J. Friedman Theatre ✭✭✭✭

Casa Valentina - Nick Westrate (v.l.n.r.), John Cullum, Gabriel Ebert en Tom McGowan. Foto: Matthew Murphy Casa Valentina

Samuel J Friedman Theatre

13 april 2014

4 Sterren

Het is 1962 en de herinnering aan de McCarthy-heksenjachten is nog even levendig als beklemmend. In een klein pension in de Catskill Mountains verzamelt een groep mannen zich voor een weekend vol elegant plezier. Elke man is getrouwd, maar koestert een passie voor het dragen van dameskleding, compleet met make-up, pruiken en hakken. Dit zijn gelukkige, elegante zelfgemaakte "vrouwen". Sommigen kennen elkaar al jaren en ze zijn allemaal bevriend. De vrouw van een van de mannen, de eigenaar van het pension, is er ook bij; ze moedigt hen aan en helpt hen hun ware zelf te uiten.

Twee vreemdelingen voegen zich bij de groep. De een is een nieuwkomer die zijn eerste voorzichtige stappen zet in de wereld van het travestisme. De ander is een ervaren rot, een beroepstravestiet met een politieke agenda om de bekendheid en acceptatie van mannen zoals hijzelf in de samenleving te vergroten.

Dit is de opzet van Casa Valentina, een nieuw toneelstuk van Harvey Fierstein, dat nu in première gaat in het Samuel J Friedman Theatre op Broadway in een regie van Joe Mantello. Samen zijn Mantello en Fierstein betrokken geweest bij of verantwoordelijk voor zo'n beetje elk belangrijk gay toneelstuk in de afgelopen vijftig jaar van het Amerikaanse theater.

Casa Valentina is echter niet zo'n stuk.

Verre van dat.

Het is een stuk over een totaal andere wereld; een wereld die merkwaardig genoeg op gespannen voet lijkt te staan met het mantra van acceptatie dat door de huidige homogemeenschap stroomt. Het is echter belangrijk te onthouden dat het stuk zich afspeelt in 1962 en dat de personages opvattingen uiten die grotendeels voorafgaan aan de 'free love' van de jaren zestig, de Stonewall-rellen, de aidscrisis en de strijd voor het homohuwelijk.

Het is dat zeldzame theatrale beest: een warm en grappig, soms hilarisch stuk vol interessante personages, dat plotseling omslaat en afdaalt naar een duistere, beklemmende plek vol angst, wanhoop en verraad.

Mantello regisseert het geheel met veel liefde en oog voor detail. Het prachtige decor van Scott Pask bevat verschillende kaptafels en spiegels waaraan de mannen zichzelf, in verschillende stadia van ontkleding, bij aanvang van het stuk transformeren naar hun vrouwelijke alter ego's. Het is een bewust prachtig begin dat de voorstelling omhult met een gevoel van ouderwetse hoffelijkheid. Dit werkt geruststellend, zowel door de herinneringen die het oproept (iedereen had wel een moeder met zo'n kaptafel) als door de afstand die het creëert tussen het heden en het toneelstuk.

Het stuk is voor het grootste deel prachtig geschreven, al voelt het een tikkeltje lang aan. Er zitten veel uitstekende oneliners in, maar er is ook een gevoel van kameraadschap dat door de tekst schemert en die essentieel is voor het succes van de voorstelling.

In de eerste akte slaan de gevestigde "meiden" de handen ineen om de nieuwkomer Miranda een make-over te geven. Die scène is een van de meest vreugdevolle en hartverwarmende momenten die momenteel op Broadway te zien zijn. Het schittert van vrijgevigheid en een gedeeld verlangen naar vrouwelijkheid.

Maar Fierstein Blinkt niet alleen uit in de vrolijke momenten. Hij begrijpt ook de pijn, en dat wordt duidelijk neergezet. Hij schrijft sterke dialogen over complexe kwesties, met helderheid en scherpe details. Hierdoor hebben de verrassingen in het script echte impact en dreiging.

De grotendeels uitstekende casting helpt hier aanzienlijk bij.

John Cullum, een oudgediende op Broadway (hij speelde oorspronkelijk in de eerste productie van Camelot), is simpelweg geweldig als de oudere matrone Terry. Hij krijgt elke lach op zijn hand, maar schittert ook wanneer de dramatische schijnwerpers op hem gericht staan. Zijn monoloog over waarom hij zich nooit zou keren tegen de homogemeenschap — die hem vriendschap en troost bood in tijden van wanhopige eenzaamheid — is een masterclass in ingetogen dramatisch acteerwerk.

De veelzijdige Nick Westrate is magnifiek als de vurige roodharige Gloria, compleet met wijde rok, slanke taille en hoge hakken. Westrate maakt van Gloria een onverzettelijke natuurkracht. Haar confrontatie met haar gastheer is een van de hoogtepunten van de avond, en de rillingen liepen me over de rug toen hij sprak over het "plunderen van de lichamen" van de meisjes op de universiteit. Het is een krachtige, volledige prestatie. In elk opzicht bewonderenswaardig.

Tom McGowan speelt de vriendelijke, gezette Bessie, het personage met een hart van goud en een voorliefde voor Oscar Wilde-citaten. In het dagelijks leven is hij een beroepsmilitair, maar op het toneel is hij een wervelwind van chiffon, lippenstift en uitbundige vrolijkheid. Maar hij kan ook in een handomdraai omslaan, wat hij zowel voor komisch als dramatisch effect inzet. Wederom een heerlijke vertolking die nooit doorslaat naar parodie.

De moeilijkste rol, die van de overdag gerespecteerde rechter en in het weekend Amy — een man met een vrouw en dochter die zijn vrouwelijke kant verafschuwen, en die gebroken kan worden door één moment van zwakte — is voor Larry Pine. Hij is voortreffelijk als Rechter/Amy. Zijn scherpe juridische geest is voelbaar zonder pruik, maar zodra hij die opzet, neemt Amy het stokje over en laat ze niet meer los. Hij biedt een schitterende studie van gevangen gevoeligheid, ingesloten verlangen en naïef vertrouwen in anderen.

Maar de glansrol van de avond is voor Reed Birney als Charlotte, de doorgewinterde politica in jurk. Ze draagt een oranje mantelpakje, rookt aan de lopende band en drinkt gin-martini's — het type dat je pianoleraar, geschiedenisdocent of de assistente bij de huisarts had kunnen zijn. Charlotte is de belichaming van vrouwelijke efficiëntie, maar ook zo vals en sluw als het maar kan. Birney brengt dit moeiteloos naar boven. Vooral in een lange, perfect opgebouwde monoloog waarin hij het leven van een van de andere "meiden" verwoest, is hij ijzingwekkend sterk. Het is een subtiel-onbehouwen prestatie, wat klinkt als een tegenstrijdigheid, maar het is de sleutel tot het fenomenale werk dat hij hier levert. Acteerwerk van het allerhoogste niveau.

Birneys personage brengt enkele van de centrale thema's van het stuk naar boven: het verschil tussen homoseksualiteit en 'verkleden'; het onvermogen van het publiek om nuances in genderpatronen te zien, om onderscheid te maken tussen man, vrouw en mannen die zich als vrouw willen kleden, en om te tolereren wat afwijkt. Hij heeft een prachtige monoloog waarin zijn personage voorspelt dat over 40 jaar (dus nu) homoseksuelen nog steeds in de schaduw zullen leven, terwijl mannen in vrouwenkleren even geaccepteerd zullen zijn als roken. Het is interessant om na te denken over hoe de wereld eruit had gezien als zijn personage zijn zin had gekregen (gebaseerd op de waargebeurde feiten waarop dit stuk is gestoeld).

Als nieuwkomer Miranda is Gabriel Ebert eveneens uitstekend. Zijn schroom en pure angst zijn tastbaar en veranderen na zijn make-over in oprechte opwinding en onversneden geluk. De transformatie is ontroerend om te zien, en wat er in de tweede akte gebeurt, komt des te harder aan door de vrolijkheid die hij in de eerste akte uitstraalt. Zijn laatste, ontzettend droevige en ontroerende scène is brutaal, hartverscheurend en precies goed.

Toch is het niet allemaal rozengeur en maneschijn. De eigenaren van het pension waar alles zich afspeelt, het echtpaar Rita en George (gespeeld door respectievelijk Mare Winningham en Patrick Page), overtuigen niet, noch individueel noch als stel. Winningham is te oppervlakkig en te onnauwkeurig om effectief te zijn als Rita, een vrouw die duidelijk bewuste keuzes heeft gemaakt. Een fletse indruk maken past haar niet.

Page komt niet geloofwaardig over, zeker in contrast met de andere 'zusters'. Hij lijkt zich niet thuis te voelen in zijn vrouwelijke Id, wat een groot probleem is aangezien de hele climax van het stuk draait om zijn behoefte om vast te houden aan zijn vrouwelijke persona.

Het stuk zou veel meer dramatische kracht hebben gehad als deze twee personages waren gespeeld door acteurs die bereid waren zichzelf volledig te verliezen in hun rol, zoals de rest van de cast dat doet.

Het was veelzeggend dat Page er als Valentina, het alter ego van George, altijd ongemakkelijk en mannelijk uitzag. Hij moet net zo onvermoeibaar vrouwelijk zijn als de anderen, en hetzelfde geldt voor Winninghams Rita. Zij speelt een van de weinige echte vrouwen, en haar personage is levendig, bedachtzaam en gevoelig — een compleet contrast met het andere vrouwelijke personage (Lisa Emery als de kille, verbitterde dochter van de rechter). Winningham kiest echter voor een matte leegte, terwijl ze een personage speelt dat juist keuzes heeft gemaakt en daar haar hele leven trouw aan is gebleven, niet alleen in het weekend.

Rita Ryack zorgde voor prachtige kostuums, en de haarstijl, pruiken en make-up van Jason P Hayes zijn fantastisch. Het tijdperk is duidelijk herkenbaar, de kleuren zijn levendig en het gevoel van inclusieve vrouwelijkheid is heerlijk. Justin Townsend belicht alles zeer delicaat en prachtig — hij roept met één druk op de knop weemoed of wijs geluk op. De belichting is zorgvuldig en getuigt van diep inzicht, wat enorm bijdraagt aan de kracht van de productie.

Dit is misschien wel het beste stuk dat Fierstein ooit heeft geschreven.

Het zet zeker aan tot nadenken en werpt een licht op een subcultuur die zelden de aandacht krijgt die ze verdient. Het is intelligent, gevat en aangrijpend. Het vraagt om een cast waarin iedereen uitblinkt, en in dat opzicht doet de productie van Mantello het stuk niet volledig recht.