RESENHA: Casa Valentina, Teatro Samuel J Friedman ✭✭✭✭

Casa Valentina - Nick Westrate (da esquerda para a direita), John Cullum, Gabriel Ebert e Tom McGowan. Foto: Matthew Murphy Casa Valentina

Samuel J Friedman Theatre

13 de abril de 2014

4 estrelas

Estamos em 1962 e a memória das caças às bruxas do macartismo continua viva, quente e nauseabunda. Numa pequena pensão nas montanhas Catskill, um grupo de homens reúne-se para um fim de semana de diversão elegante. Todos são casados, mas cada um guarda uma paixão por se vestir com roupa feminina, completa com maquilhagem, perucas e saltos altos. São "mulheres" felizes, elegantes e feitas por si próprias. Alguns conhecem-se há anos e todos são amigos. A mulher de um deles — o homem que é dono da pensão — está lá com eles, a animá-los e a incentivá-los nessa libertação pessoal tão particular.

A este grupo juntam-se dois desconhecidos. Um é um recém-chegado, a dar os primeiros passos hesitantes no mundo do travestismo. O outro é um veterano: um travesti de carreira, com uma agenda política para aumentar a visibilidade e a aceitação social de homens como ele.

É este o ponto de partida de Casa Valentina, a nova peça de Harvey Fierstein, agora em estreia no Samuel J Friedman Theatre, na Broadway, numa produção encenada por Joe Mantello. Entre ambos, Mantello e Fierstein estiveram envolvidos, ou foram responsáveis, por praticamente todas as peças gay importantes dos últimos cinquenta anos do teatro americano.

Casa Valentina, contudo, não é esse tipo de peça.

Muito longe disso.

É uma peça sobre um mundo totalmente diferente e que, curiosamente, parece em desacordo com o mantra da aceitação que permeia — ou parece permear — a cultura gay. Mas é importante lembrar que a ação se passa em 1962 e que as personagens exprimem opiniões anteriores, em grande medida, aos anos 60 de amor livre, a Stonewall, a crise da SIDA e as campanhas pela aceitação do casamento entre pessoas do mesmo sexo.

É aquela rara criatura teatral: uma peça calorosa e divertida, por vezes hilariante, cheia de personagens interessantes, que num instante muda de rumo e mergulha num lugar escuro e ameaçador de angústia, desespero e traição.

Mantello conduz tudo com enorme carinho e atenção. O belíssimo cenário de Scott Pask inclui várias mesas de toucador e espelhos e, diante delas, em diferentes estados de despir, os homens transformam-se nos seus alter egos femininos quando a peça começa. É um início deliberadamente bonito, que envolve o espetáculo numa sensação de gentileza de outros tempos — reconfortante tanto pelas memórias que evoca (toda a gente teve uma mãe com um toucador assim) como pela distância que cria entre o presente e a peça.

A peça é, na sua maioria, muito bem escrita, embora pareça um pouco longa. Há muitas tiradas excelentes, mas há também um espírito de camaradagem que atravessa o texto e que é crucial para o sucesso da obra.

No primeiro ato, as "raparigas" veteranas unem-se para dar um makeover bem feminino ao novo recruta, Miranda — e essa cena é um dos momentos mais alegres e ternos que se podem ver atualmente em qualquer palco da Broadway. Brilha com generosidade e com um desejo comum e partilhado de feminilidade.

Mas não é apenas na felicidade que a escrita de Fierstein se destaca. Ele compreende também a dor, e isso está claramente retratado. E escreve bem discussões difíceis, com clareza e pormenor mordaz. Assim, as surpresas do texto têm verdadeira ameaça e impacto.

A escolha do elenco, quase sempre certeira, ajuda imenso.

John Cullum, um veterano da Broadway (tendo participado originalmente na produção original de Camelot), é simplesmente maravilhoso como a matrona mais velha, Terry. Acerta em cada deixa cómica que lhe é dada, mas também brilha quando o foco dramático recai sobre ele. O seu discurso sobre porque nunca viraria costas à comunidade homossexual que lhe deu amizade e conforto em tempos de solidão desesperada é uma aula magistral de interpretação dramática soberba e contida.

O versátil Nick Westrate é magnífico como a ruiva fogosa, Gloria — toda saia rodada, cintura marcada e saltos altos. Firme e implacável, Westrate faz de Gloria uma verdadeira força da natureza. O confronto com o anfitrião é um dos pontos altos da noite, e vou lembrar-me por muito tempo do arrepio que me percorreu a espinha quando ele falou de "saquear os corpos" das raparigas que teve na universidade. É uma interpretação verdadeira, vigorosa e absolutamente completa. Maravilhosa em todos os sentidos.

Tom McGowan, como a simpática e roliça Bessie — a de coração de ouro e queda para citar Oscar Wilde, a que na vida masculina é soldado de carreira — é um clarão de chiffon, batom e alegria de coração ao peito. Mas consegue virar como uma saia de trespasse, e vira mesmo, com efeito tanto cómico como dramático. Outra interpretação deliciosa que nunca resvala para a paródia.

O papel mais difícil — o do respeitado Juiz durante a semana, Amy aos fins de semana; o homem com mulher e filha que detestam o seu lado feminino; o homem que pode ser quebrado por um momento de fraqueza — cabe a Larry Pine, que é absolutamente maravilhoso como Juiz/Amy. A sua mente jurídica afiada é evidente quando não está com a peruca castanha e encaracolada; mas, quando a coloca, Amy toma conta do terreno e não o larga. Oferece um retrato luminoso de sensibilidade aprisionada, desejo enclausurado e confiança ingénua nos outros.

Mas a exibição de bravura da noite pertence a Reed Birney, que interpreta Charlotte — a política de carreira de vestido; aquela que usa um fato executivo cor de laranja, fuma compulsivamente, bebe martíni de gin — aquela que podia ter sido a sua professora de piano, ou de História, ou a enfermeira do consultório local. A personificação completa da eficiência feminina, Charlotte é tão vil e dúplice — e tão completamente, autojustificadamente indignada — quanto é possível, e Birney revela tudo isso sem esforço. É especialmente arrepiante e extraordinário num longo discurso, impecavelmente calibrado, em que destrói a vida de uma das outras "raparigas" presentes. É uma interpretação subtilmente nada subtil — o que pode soar contraditório, mas é precisamente a chave para o trabalho impressionante que ele faz aqui. Interpretação ao mais alto nível.

A personagem de Birney é a que faz emergir algumas das questões centrais da peça: a diferença entre homossexualidade e vestir-se; a incapacidade do público de ver nuances na expressão de género, de diferenciar entre homem, mulher e homens que querem vestir-se como mulheres, de tolerar o que é diferente. Há um discurso notável em que a personagem opina que, em 40 anos (ou seja, mais ou menos agora), os homossexuais ainda andarão a esgueirar-se nas sombras, enquanto homens vestidos de mulher serão tão omnipresentes e aceites como fumar. É interessante imaginar como o mundo poderia ter sido diferente se a personagem tivesse vencido (nos acontecimentos reais que a peça evoca).

Como a recém-chegada Miranda, Gabriel Ebert também é excelente. A sua apreensão e medo declarado são palpáveis, transformando-se em entusiasmo genuíno e felicidade sem travões após o makeover. A transição é realmente comovente de acompanhar, e o que acontece no Ato Dois torna-se ainda mais poderoso graças à alegria que ele traz ao Ato Um. A sua cena final, incrivelmente triste e tocante, é brutal, parte o coração e é absolutamente certeira.

Mas nem tudo são rosas. Os proprietários da pensão onde tudo acontece — o casal Rita e George, interpretados por Mare Winningham e Patrick Page, respetivamente — não funcionam, nem individualmente nem como par. Winningham é demasiado ligeira, demasiado imprecisa para ser eficaz como Rita, uma mulher que, em qualquer leitura, fez escolhas deliberadas e seguiu caminhos claros. Indecisa ela não é.

Page não parece verdadeiro, sobretudo quando contrastado com as outras "irmãs" da confraria. Não parece à vontade com o seu id feminino, o que é uma dificuldade considerável, já que todo o clímax da peça depende da sua necessidade de se agarrar à persona feminina.

A peça seria muito mais um barril de pólvora de possibilidades dramáticas se estas duas personagens fossem interpretadas por atores mais dispostos a perderem-se nas pessoas específicas que estas partes são — exatamente da mesma forma que o resto do elenco faz.

Foi particularmente revelador que Page parecesse sempre desconfortável e masculino como Valentina, o alter ego de George. Ele precisa de ser tão implacavelmente feminino como os outros e, de igual modo, Rita de Winningham também. Ela interpreta uma das apenas duas mulheres, e a sua personagem é viva, ponderada e sensível — um contraste completo com a outra (Lisa Emery, como uma filha do Juiz fria, incendiária, morta por dentro). Winningham, porém, opta por uma vacuidade insípida e desligada quando, na verdade, interpreta a única personagem que fez escolhas e lhes foi fiel de forma constante, não apenas aos fins de semana, mas durante toda a vida.

Rita Ryack assina figurinos excelentes, e o desenho de cabelo, perucas e maquilhagem de Jason P Hayes é formidável. A época está bem marcada, as cores são vibrantes e o sentido de feminilidade inclusiva é deliciosamente presente. Justin Townsend ilumina tudo com uma delicadeza belíssima — provocando reflexão pungente ou uma felicidade serena com um simples gesto. É uma luz cuidada e profundamente perspicaz, que acrescenta imensuravelmente à força da produção.

Esta pode ser a melhor peça que Fierstein alguma vez escreveu.

É certamente instigante e lança luz sobre uma subcultura que raramente tem destaque. É ponderada e inteligente, espirituosa e incisiva. Precisa de um elenco uniformemente exemplar e, nesse aspeto, a produção de Mantello não lhe faz inteira justiça.