РЕЦЕНЗІЯ: Casa Valentina, Театр Семюеля Дж. Фрідмана ✭✭✭✭

«Каса Валентина» — Нік Вестрейт (зліва направо), Джон Каллам, Гебріел Еберт і Том Макговен. Фото: Меттью Мерфі Casa Valentina

Театр Семюеля Дж. Фрідмана

13 квітня 2014

4 зірки

На дворі 1962 рік, і спогади про полювання на відьом епохи Маккарті все ще свіжі та задушливі. У невеликому гостьовому будинку в горах Катскілл група чоловіків збирається на вихідні, щоб елегантно розважитися. Кожен із них одружений, але кожен має пристрасть до переодягання в жіноче вбрання — з макіяжем, перуками та підборами. Це щасливі, витончені «жінки», що створили себе самі. Дехто знайомий роками, і всі вони — друзі. Дружина власника пансіону також з ними: вона підбадьорює їх і заохочує цей особливий прояв особистої свободи.

До цієї компанії потрапляють двоє незнайомців. Один — новачок, який робить перші несміливі кроки у світі трансвестизму. Інший — досвідчений гравець, ідейний трансвестит, який має політичну мету: підвищити статус і суспільне визнання таких чоловіків, як він сам.

Така зав’язка «Каса Валентина», нової п’єси Гарві Фірштейна, прем’єра якої зараз триває в Театрі Семюеля Дж. Фрідмана на Бродвеї у постановці Джо Мантелло. Мантелло та Фірштейн разом причетні чи не до кожного значущого «гей-спектаклю» в американському театрі за останні пів століття.

Проте «Каса Валентина» — це не така п’єса.

Зовсім не така.

Це вистава про геть інший світ, який, як не дивно, подекуди суперечить ідеї толерантності, що пронизує сучасну гей-культуру. Але важливо пам’ятати, що дія відбувається у 1962 році, і герої висловлюють погляди, які здебільшого передували вільнодумним 60-м, Стоунволлу, кризі СНІДу та кампаніям за легалізацію одностатевих шлюбів.

Це рідкісний театральний звір: тепла, дотепна, подекуди надзвичайно смішна п’єса з цікавими персонажами, яка миттєво змінює тон і занурюється у темну безодню туги, розпачу та зради.

Мантелло керує дійством з величезною любов’ю та увагою до деталей. Прекрасні декорації Скотта Паска з кількома туалетними столиками та дзеркалами стають місцем, де на початку вистави чоловіки на різних стадіях перевтілення створюють свої жіночі альтер его. Це навмисно естетичний початок, що огортає все відчуттям старосвітської шляхетності, яка заспокоює і завдяки спогадам (у кожного була мама з таким столиком), і завдяки дистанції, яку вона створює між сьогоденням і світом п’єси.

П’єса написана чудово, хоча місцями здається дещо затягнутою. Тут багато блискучих дотепів, а також панує атмосфера доброзичливості, що є ключем до успіху постановки.

У першій дії «дівчата зі стажем» гуртуються, щоб зробити жіночний макіяж новобранцеві Міранді — і ця сцена є одним із найрадісніших і найтепліших моментів, які зараз можна побачити на Бродвеї. Вона сяє щедрістю та спільним, розділеним бажанням жіночності.

Але драматургія Фірштейна сильна не лише в радості. Він розуміє біль, і це чітко простежується. Він майстерно виписує складні суперечки — з ясністю та нещадними деталями. Тож несподівані повороти сюжету мають справжню вагу та ефект загрози.

Цьому неабияк сприяє майже бездоганний акторський склад.

Джон Каллам, ветеран Бродвею (який грав ще в оригінальній постановці «Камелота»), просто неперевершений у ролі старшої матрони Террі. Він влучає в кожну гумористичну репліку, але також виблискує в драматичні моменти. Його монолог про те, чому він ніколи не відвернеться від гомосексуальної спільноти, яка дала йому дружбу та розраду в часи відчайдушної самотності — це справжній майстер-клас стриманої драматичної гри.

Багатогранний Нік Вестрейт чудовий у ролі вогняної рудої Глорії — у пишній спідниці, з тонкою талією та на високих підборах. Стійка та непохитна Глорія у виконанні Вестрейта — це справжня стихія. Її суперечка з господарем дому стала одним із найяскравіших моментів вечора, а слова про те, як він «плюндрував тіла» дівчат в університеті, викликали справжній мороз по шкірі. Це чесна, енергійна та цілісна робота. Чудово в усіх відношеннях.

Том Макговен у ролі добродушної товстушки Бессі — з золотим серцем і схильністю цитувати Оскара Вайльда, яка у чоловічому житті є кадровим військовим — справжній вихор шифону, помади та щирої веселості. Але він вміє миттєво змінювати настрій, досягаючи як комічного, так і драматичного ефекту. Ще одна вишукана роль, яка ніде не скочується в пародію.

Найскладніша роль — поважного судді вдень та Емі у вихідні, чоловіка, чиї дружина та донька зневажають його жіночу сторону, людини, яку можна зламати через момент слабкості — дісталася Ларрі Пайну, який зіграв Суддю/Емі просто блискуче. Його гострий юридичний розум очевидний, поки на ньому немає кучерявої брюнетистої перуки, але варто її вдягнути — Емі захоплює простір і вже не відпускає. Це тонке дослідження заблокованої чутливості, прихованих бажань та наївної довіри до інших.

Але справжній бенефіс вечора влаштовує Рід Бірні, який грає Шарлотту — ідейну активістку у сукні. Ту, що носить помаранчевий діловий костюм, без упину палить і п'є джин-мартіні. Вона могла б бути вашою вчителькою музики, історії чи медсестрою в місцевій поліклініці. Втілення жіночої діловитості, Шарлотта водночас підла, підступна та сповнена фальшивого праведного гніву — і Бірні розкриває все це без зусиль. Він особливо вражає в довгому, ідеально вивіреному монолозі, де він вщент руйнує життя однієї з інших «дівчат». Це тонка гра на межі з відвертістю, що звучить як суперечність, але саме в цьому ключ до його приголомшливої роботи. Акторська майстерність найвищого ґатунку.

Персонаж Бірні саме той, хто піднімає центральні питання п’єси: різницю між гомосексуальністю та переодяганням; нездатність суспільства бачити відтінки в гендерних проявах, відрізняти чоловіка, жінку та чоловіків, які хочуть одягатися як жінки; здатність толерувати інакшість. У нього є чудовий монолог, де його персонаж роздумує, що за 40 років (тобто приблизно зараз) гомосексуали все ще ховатимуться в тіні, тоді як чоловіки в жіночому одязі будуть повсюдними та прийнятними, як паління. Цікаво думати, як змінився б світ, якби його персонаж домігся свого (у реальних подіях, на яких ґрунтується п’єса).

Габріел Еберт у ролі новачка Міранди також чудовий. Його почуття тривоги та відвертого страху майже відчутне фізично, але після перевтілення воно перетворюється на щире захоплення та безмежне блаженство. Ця метаморфоза справді зворушує, і те, що відбувається у другій дії, стає ще сильнішим завдяки радості, яку він приносить у першу. Його фінальна, неймовірно сумна та зворушлива сцена — жорстока, болісна і абсолютно доречна.

Але не обійшлося і без недоліків. Власники гостьового будинку, подружжя Ріта та Джордж (Мер Віннінгем та Патрік Пейдж), не переконують ні окремо, ні як пара. Віннінгем надто поверхова та нечітка, щоб бути переконливою в ролі Ріти — жінки, яка свідомо зробила свій вибір. Вона зовсім не «ні риба, ні м’ясо», якою її показують.

Пейдж не здається справжнім, особливо на тлі інших «сестер». Він ніби не у своїй тарілці зі своїм жіночим «Я», що є значною проблемою, адже кульмінація п’єси тримається саме на його потребі відстояти своє жіноче альтер его.

П’єса була б значно гострішою та вибуховішою, якби ці дві ролі виконали актори, готові повністю розчинитися у своїх персонажах — так само, як це зробили інші учасники трупи.

Показово, що Пейдж у ролі Валентини, альтер его Джорджа, завжди виглядав незграбно та по-чоловічому. Йому потрібно бути такою ж фанатичною «дівчинкою», як і решта, і те саме стосується Ріти у виконанні Віннінгем. Вона грає одну з двох справжніх жінок, і її героїня має бути живою, вдумливою та чутливою, на противагу іншій жіночій ролі (Ліза Емері у ролі холодної, колючої та спустошеної всередині доньки Судді). Проте Віннінгем обирає прісну байдужість, хоча насправді вона грає єдину людину, яка зробила вибір і дотримується його постійно, усе життя, а не лише на вихідних.

Ріта Ряк створила чудові костюми, а дизайн зачісок, перук і макіяжу від Джейсона П. Гейза просто терапевтичний. Епоха передана чітко, кольори яскраві, а відчуття жіночності — надзвичайно приємне. Джастін Таунсенд освітлює все делікатно та красиво, одним помахом вимикача викликаючи то щемливу рефлексію, то тиху радість. Це продумане, глибоке освітлення, яке неймовірно підсилює постановку.

Можливо, це найкраща п’єса, яку коли-небудь писав Фірштейн.

Вона точно спонукає до роздумів і висвітлює субкультуру, яка рідко потрапляє в центр уваги. Вона вдумлива, розумна, дотепна та гостра. Їй потрібен бездоганний ансамбль у всьому, і саме в цьому аспекті постановка Мантелло дещо не дотягує.