CRITIQUE : Casa Valentina, Théâtre Samuel J Friedman ✭✭✭✭

Casa Valentina - Nick Westrate (à partir de la gauche), John Cullum, Gabriel Ebert et Tom McGowan. Photo : Matthew Murphy Casa Valentina

Théâtre Samuel J Friedman

13 avril 2014

4 Étoiles

Nous sommes en 1962 et le souvenir des chasses aux sorcières de McCarthy est encore brûlant et fétide. Dans une petite maison d'hôtes dans les montagnes Catskill, un groupe d'hommes se réunit pour un week-end de plaisir élégant. Chaque homme est marié mais chacun nourrit une passion pour s'habiller en vêtements féminins, avec maquillage, perruques et talons. Ce sont des "femmes" heureuses et élégantes, autodidactes. Certains se connaissent depuis des années et tous sont amis. L'épouse d'un des hommes, celui qui possède la maison d'hôtes, est avec eux, les soutenant tous, encourageant leur libération personnelle particulière.

Dans ce groupe arrivent deux étrangers. L'un est un nouveau venu, faisant ses premiers pas timides dans le monde du travestissement. L'autre est un habitué, un travesti de carrière qui a un agenda politique pour élever le profil et l'acceptation générale dans la société des hommes comme lui.

Tel est le cadre de Casa Valentina, une nouvelle pièce de Harvey Fierstein, maintenant en première au Théâtre Samuel J Friedman à Broadway, dans une production dirigée par Joe Mantello. Entre eux, Mantello et Fierstein ont été impliqués dans ou responsables de presque toutes les pièces de théâtre importantes sur les homosexuels au cours des cinquante dernières années du théâtre américain.

Casa Valentina, cependant, n'est pas une telle pièce.

Loin de là.

C'est une pièce sur un monde totalement différent et, curieusement, qui semble en contradiction avec le mantra d'acceptation qui imprègne, ou semble imprégner, la culture gay. Mais il est important de se rappeler que la pièce se déroule en 1962 et que les personnages expriment des vues qui précèdent, pour la plupart, les années 60 pleines de liberté, Stonewall, la crise du SIDA et les campagnes pour l'acceptation du mariage gay.

C'est cette bête théâtrale rare : une pièce chaleureuse et drôle, parfois hilarante, pleine de personnages intéressants, qui tourne sur un centime et plonge dans un endroit sombre et interdit d'angoisse, de désespoir et de trahison.

Mantello dirige les événements avec beaucoup d'amour et de soin. Le magnifique décor de Scott Pask présente plusieurs coiffeuses et miroirs et là, dans diverses situations de déshabillage, les hommes se transforment en leurs alter egos féminins alors que la pièce s'ouvre. C'est un début délibérément magnifique qui enveloppe l'événement dans un sens de la gentillesse du vieux monde, réconfortant à la fois par les souvenirs qu'il évoque (tout le monde avait une mère avec une coiffeuse comme ça) et la distance qu'il crée entre le présent et la pièce.

La pièce est magnifiquement écrite pour la plupart, bien qu'elle semble un peu longue. Il y a beaucoup de répliques excellentes, mais il y a aussi un sens de bonhomie qui imprègne l'écriture et qui est crucial pour le succès de la pièce.

Dans le premier acte, les "filles" établies se rassemblent pour donner une transformation féminine à la nouvelle recrue, Miranda, et cette scène est l'un des moments les plus joyeux et réconfortants au théâtre actuellement sur une scène de Broadway. Il scintille de générosité et d'un désir commun et partagé de féminité.

Mais ce n'est pas seulement dans le bonheur que l'écriture de Fierstein excelle. Il comprend aussi la douleur et cela est clairement illustré. Et il écrit bien des argumentations difficiles, avec clarté et détails vicieux. Donc, les surprises du script ont une véritable menace et un effet.

Le casting principalement parfait aide considérablement.

John Cullum, un ancien de Broadway (ayant initialement fait ses débuts dans la production originale de Camelot), est tout simplement merveilleux en tant que matrone aînée Terry. Il réussit chaque ligne comique qu'on lui donne mais brille aussi lorsque le projecteur dramatique se pose sur lui. Son discours sur pourquoi il ne trahirait jamais la communauté homosexuelle qui lui a offert amitié et réconfort en période de solitude désespérée est un modèle de livraison dramatique superbe et discrète.

Le polyvalent Nick Westrate est magnifique en tant que rousse incendiaire, Gloria, tout jupe ample, taille fine et talons hauts. Impassible et inflexible, Westrate fait de Gloria une véritable force de la nature. Son altercation avec son hôte est l'un des points forts de la soirée et je me souviendrai longtemps du frisson qui a longé ma colonne vertébrale lorsqu'il a parlé de « piller les corps » des filles qu'il avait à l'université. C'est une véritable performance vigoureuse et complètement achevée. Merveilleux à tous égards.

Tom McGowan, en tant que Bessie amicale et grosse, celle avec un cœur en or et penchant pour citer Oscar Wilde, celle qui est un soldat de carrière dans sa vie masculine, est un feu de joie de chiffon, de rouge à lèvres et de gaieté. Mais il peut tourner comme une jupe portefeuille, et il le fait, à la fois pour un effet comique et dramatique. Une autre performance délicieuse qui ne tombe jamais dans la parodie.

Le rôle le plus difficile, celui du juge respecté de jour, Amy le week-end, l'homme avec une femme et une fille qui détestent son côté féminin, l'homme qui peut être brisé à cause d'un moment de faiblesse, est attribué à Larry Pine qui est tout à fait merveilleux en tant que Juge/Amy. Son esprit juridique tranchant est clair lorsque sa perruque brune bouclée n'est pas posée, mais une fois que c'est le cas, Amy est en terrain conquis et ne le lâche pas. Il propose une étude lumineuse de sensibilité piégée, de désir enfermé, de confiance insensée dans les autres.

Mais la performance de bravoure de la soirée est remise par Reed Birney qui joue Charlotte, la carrière politique en robe ; celle qui porte un costume d'affaires orange, fume des cigarettes en chaîne, boit des martinis au gin - celle qui aurait pu être votre professeur de piano ou d'histoire ou l'infirmière chez le médecin local. L'incarnation complète de l'efficacité féminine, Charlotte est aussi vile et sournoise - et totalement, hypocritement indignée - qu'elles viennent et Birney tire tout cela sans effort. Il est particulièrement effrayant et extraordinaire dans un long discours impeccablement calibré où il détruit la vie de l'une des autres "filles" présentes. C'est une performance subtilement brutale, qui peut sembler contradictoire en termes mais est vraiment la clé du travail étonnant qu'il fait ici. Du jeu d'acteur comme on n'en voit nulle part ailleurs.

Le personnage de Birney est celui qui élabore certains des enjeux centraux de la pièce : la différence entre l'homosexualité et le travestissement ; l'incapacité du public à voir les nuances dans l'activité de genre, à différencier entre homme, femme et hommes qui veulent s'habiller en femme, à tolérer ce qui est différent. Il a un discours merveilleux où son personnage exprime qu'en 40 ans (donc environ maintenant) les homosexuels seront toujours en train de se faufiler dans l'ombre, tandis que les hommes habillés en femme seront omniprésents et acceptés autant que fumer. Il est intéressant de contempler comment le monde aurait pu être différent si son personnage avait eu gain de cause (dans les événements réels auxquels cette pièce fait écho).

En tant que débutant, Miranda, Gabriel Ebert est également excellent. Son sentiment de trépidation et de peur totale est palpable, se transformant en excitation véritable et en bonheur sans entraves suite à sa transformation. La transition est véritablement émouvante à vivre et ce qui se passe à l'Acte Deux est d'autant plus puissant grâce au bonheur qu'il apporte à l'Acte Un. Sa scène finale, incroyablement triste et émouvante, est brutale, déchirante et absolument juste.

Mais ce n'est pas tout rose. Les propriétaires de la maison d'hôtes où tout se passe, les époux Rita et George, Mare Winningham et Patrick Page respectivement, ne fonctionnent ni individuellement ni en couple. Winningham est beaucoup trop désinvolte, trop imprécise pour être efficace en tant que Rita, une femme qui, de toute façon, a fait des choix délibérés et suivi des chemins clairs. Elle n'est pas indécise.

Page ne semble pas réel, surtout lorsqu'il est comparé aux autres sœurs de la Sororité. Il ne semble pas à l'aise avec son Id féminin, ce qui est une difficulté considérable puisque le dénouement de la pièce repose sur son besoin de s'accrocher à son personnage féminin.

La pièce serait beaucoup plus une poudrière de possibilités dramatiques si ces deux personnages étaient joués par des acteurs avec plus de volonté de se perdre dans les personnes particulières que ces rôles sont - de la même manière exactement que le reste du casting le fait.

Il était singulièrement révélateur que Page semblait toujours mal à l'aise et viril en tant que Valentina, l'alter ego de George. Il doit être aussi inlassablement girly que les autres et, également, il en va de même pour Rita de Winningham. Elle joue l'une des deux seules femmes, et son personnage est vivant, réfléchi et sensible, un contraste complet avec l'autre (Lisa Emery dans le rôle d'un enfant du Juge froid, incendiaire, mort à l'intérieur) - Winningham, cependant, opte pour une vacuité posée où vraiment, elle joue l'unique personnage qui a fait des choix et s'y est tenu constamment, pas seulement le week-end, toute sa vie.

Rita Ryack propose des costumes merveilleux, et le design coiffures, perruques et maquillage de Jason P Hayes est formidable. La période est claire, les couleurs vibrantes et le sens de la féminité inclusive tout à fait délicieux. Justin Townsend éclaire le tout assez délicatement, magnifiquement - induisant une réflexion poignante ou une sagesse joyeuse d'un coup de commutateur. C'est un éclairage soigné, profondément perspicace qui ajoute énormément à la puissance de la production.

Ceci pourrait être la meilleure pièce que Fierstein ait jamais écrite.

Elle est certainement propice à la réflexion et éclaire une sous-culture qui rarement occupe le devant de la scène. C'est réfléchi et astucieux, spirituel et cinglant. Elle nécessite un casting uniformément exemplaire et à cet égard, la production de Mantello ne lui rend pas justice.