RECENSIONE: Casa Valentina, Teatro Samuel J Friedman ✭✭✭✭

Casa Valentina - Nick Westrate (da sinistra), John Cullum, Gabriel Ebert e Tom McGowan. Foto: Matthew Murphy Casa Valentina

Samuel J Friedman Theatre

13 aprile 2014

4 stelle

Siamo nel 1962 e il ricordo della caccia alle streghe maccartista è ancora vivo, caldo e malsano. In una piccola pensione sui monti Catskill, un gruppo di uomini si riunisce per un weekend di divertimento raffinato. Ognuno è sposato, ma ciascuno coltiva la passione di vestirsi con abiti femminili, completi di trucco, parrucche e tacchi. Sono “donne” felici, eleganti, costruite da sé. Alcuni si conoscono da anni e sono tutti amici. Con loro c’è anche la moglie di uno di questi uomini, il proprietario della pensione: li sprona, li asseconda, incoraggiando quella particolare liberazione personale.

In questo gruppo arrivano due estranei. Uno è un novellino, che muove i primi passi timidi nel mondo del travestitismo. L’altro è un veterano, un travestito “di professione” con un’agenda politica: aumentare la visibilità e l’accettazione sociale di uomini come lui.

Questo è l’impianto di Casa Valentina, nuovo testo di Harvey Fierstein, ora in prima al Samuel J Friedman Theatre di Broadway, in una produzione diretta da Joe Mantello. Insieme, Mantello e Fierstein sono stati coinvolti in, o direttamente responsabili di, praticamente ogni opera teatrale gay davvero importante degli ultimi cinquant’anni del teatro americano.

Casa Valentina, però, non è quel tipo di spettacolo.

Tutt’altro.

È un testo che racconta un mondo completamente diverso e che, curiosamente, sembra in contrasto con il mantra dell’accettazione che permea (o sembra permeare) la cultura gay. Ma è importante ricordare che l’azione si svolge nel 1962 e che i personaggi esprimono idee anteriori, per lo più, ai libertini anni Sessanta, a Stonewall, alla crisi dell’AIDS e alle campagne per il riconoscimento del matrimonio tra persone dello stesso sesso.

È una di quelle rarità teatrali: uno spettacolo caldo e divertente, a tratti esilarante, pieno di personaggi interessanti, che cambia registro in un attimo e sprofonda in un luogo oscuro e minaccioso di angoscia, disperazione e tradimento.

Mantello dirige il tutto con grande amore e cura. La splendida scenografia di Scott Pask presenta vari tavolini da toeletta e specchi e, davanti a questi, in diversi stati di svestizione, gli uomini si trasformano nei loro alter ego femminili all’inizio dello spettacolo. È un avvio volutamente bellissimo e avvolge la vicenda in un senso di gentilezza d’altri tempi che conforta sia per i ricordi che evoca (tutti avevano una madre con un tavolino da toeletta così) sia per la distanza che crea fra il presente e la pièce.

Il testo è scritto magnificamente per la maggior parte, anche se risulta un filo lungo. Ci sono molte battute fulminanti, ma c’è anche un senso di bonomia che permea la scrittura e che è decisivo per la riuscita dello spettacolo.

Nel primo atto, le “ragazze” più navigate si stringono per fare un makeover super femminile alla nuova recluta, Miranda: una scena che è tra i momenti più gioiosi e scaldacuore che si possano vedere oggi su un palcoscenico di Broadway. Scintilla di generosità e di un desiderio condiviso di femminilità.

Ma non è solo nella felicità che la scrittura di Fierstein eccelle. Capisce anche il dolore, e lo mette in scena con chiarezza. E sa scrivere bene i conflitti più difficili, con lucidità e dettagli taglienti. Così le sorprese del copione hanno un vero senso di minaccia e un vero impatto.

Il casting, quasi sempre centrato, aiuta moltissimo.

John Cullum, veterano di Broadway (apparve originariamente nella produzione originale di Camelot), è semplicemente splendido come la matrona anziana Terry. Fa centro con ogni battuta comica che gli viene affidata, ma brilla anche quando su di lui si accende la luce drammatica. Il suo discorso sul perché non si rivolterebbe mai contro la comunità omosessuale che gli ha dato amicizia e conforto nei momenti di disperata solitudine è una masterclass di recitazione misurata e di altissimo livello.

Il versatile Nick Westrate è magnifico come la focosa rossa Gloria, tutta gonna ampia, vita stretta e tacchi alti. D’acciaio e implacabile, Westrate fa di Gloria una vera forza della natura. Il suo scontro con l’ospite è uno dei picchi della serata, e a lungo ricorderò il brivido lungo la schiena quando parla di “saccheggiare i corpi” delle ragazze che aveva all’università. È un’interpretazione vera, vigorosa e completamente compiuta. Meravigliosa sotto ogni aspetto.

Tom McGowan, nei panni della cordiale e rotondetta Bessie, quella dal cuore d’oro e con la passione di citare Oscar Wilde, che nella vita da uomo è un militare di carriera, è un’esplosione di chiffon, rossetto e allegria a cuore in mano. Ma sa voltarsi come una gonna a portafoglio, e lo fa, con effetto sia comico sia drammatico. Un’altra interpretazione deliziosa che non scivola mai nella parodia.

Il ruolo più difficile, quello del rispettato Giudice di giorno, Amy nei weekend, l’uomo con moglie e figlia che detestano il suo lato femminile, l’uomo che può spezzarsi per un attimo di debolezza, va a Larry Pine, davvero straordinario come Giudice/Amy. La sua mente legale, affilata, è evidente quando non indossa la parrucca riccia castana; ma una volta messa, Amy prende terreno e non lo molla. Offre uno studio luminoso di sensibilità intrappolata, desiderio incapsulato, fiducia ingenua negli altri.

Ma la prova di puro virtuosismo della serata è di Reed Birney, che interpreta Charlotte, il politico di professione in abito; quello che porta un completo business arancione, fuma a catena, beve gin martini — quello che potrebbe essere stato la vostra insegnante di pianoforte o di storia, o l’infermiera dello studio del medico di famiglia. Incarnazione perfetta dell’efficienza femminile, Charlotte è tanto vile e duplice — e totalmente indignata, con un’autogiustizia moralistica — quanto è possibile immaginare, e Birney tira fuori tutto questo con apparente facilità. È soprattutto inquietante e straordinario in un lungo monologo, impeccabilmente calibrato, in cui distrugge la vita di una delle altre “ragazze” presenti. È una prova sottilmente non sottile: sembra un ossimoro, ma è davvero la chiave del lavoro sorprendente che fa qui. Recitazione al massimo livello.

Il personaggio di Birney è quello che mette a fuoco alcune questioni centrali della pièce: la differenza tra omosessualità e travestimento; l’incapacità del pubblico di cogliere sfumature nelle espressioni di genere, di distinguere tra uomo, donna e uomini che vogliono vestirsi da donne, di tollerare ciò che è diverso. C’è un monologo magnifico in cui il suo personaggio sostiene che tra 40 anni (quindi più o meno oggi) gli omosessuali si muoveranno ancora nell’ombra, mentre gli uomini vestiti da donne saranno onnipresenti e accettati come il fumo. È interessante immaginare come sarebbe potuto andare diversamente il mondo se il suo personaggio avesse ottenuto ciò che voleva (negli eventi reali a cui questo spettacolo si ispira).

Anche Gabriel Ebert, nei panni della new entry Miranda, è eccellente. Il suo senso di trepidazione e paura vera e propria è palpabile, e si trasforma in autentica eccitazione e felicità senza freni dopo il makeover. La transizione è davvero commovente da vivere, e ciò che accade nel secondo atto risulta ancora più potente grazie alla gioia che porta nel primo. La sua scena finale, incredibilmente triste e toccante, è brutale, spezza il cuore ed è assolutamente giusta.

Ma non è tutto rose e fiori. I proprietari della pensione in cui accade tutto, i coniugi Rita e George, interpretati rispettivamente da Mare Winningham e Patrick Page, non funzionano né singolarmente né come coppia. Winningham è fin troppo svelta, troppo poco precisa per essere efficace come Rita, una donna che, comunque la si guardi, ha fatto scelte deliberate e seguito strade chiare. Indecisa e incoerente non lo è.

Page non sembra credibile, soprattutto in confronto alle altre “sorelle” del club. Non appare a suo agio con il proprio Es femminile, il che è un problema notevole visto che l’intero climax della pièce si regge sulla sua necessità di aggrapparsi alla propria persona femminile.

Lo spettacolo sarebbe una polveriera di possibilità drammatiche molto più esplosiva se questi due personaggi fossero interpretati da attori più disposti a perdersi nelle persone specifiche che questi ruoli sono — esattamente come fa il resto del cast.

È stato particolarmente indicativo che Page apparisse sempre a disagio e decisamente maschile come Valentina, l’alter ego di George. Deve essere femminilissimo con la stessa ostinazione degli altri e, allo stesso modo, dovrebbe esserlo anche la Rita di Winningham. Sta interpretando una delle sole due donne, e il suo personaggio è vivo, riflessivo e sensibile, in netto contrasto con l’altra (Lisa Emery nei panni della figlia del Giudice: gelida, incendiaria, morta dentro) — Winningham invece sceglie una vuotezza blanda e distratta, quando in realtà interpreta l’unico personaggio che ha fatto delle scelte e vi è rimasto fedele con costanza, non solo nei weekend: per tutta la vita.

Rita Ryack firma costumi splendidi, e il design di capelli, parrucche e trucco di Jason P Hayes è fantastico. L’epoca è chiarissima, i colori vibranti e il senso di femminilità inclusiva è davvero delizioso. Justin Townsend illumina tutto con grande delicatezza, con una bellezza che — con un semplice scatto — induce riflessione malinconica o serena felicità. Un lavoro di luci accurato e profondamente intelligente, che accresce in modo incommensurabile la forza della produzione.

Questo potrebbe essere il miglior testo che Fierstein abbia mai scritto.

È certamente stimolante e accende i riflettori su una sottocultura che raramente li riceve. È riflessivo e intelligente, arguto e tagliente. Richiede un cast impeccabile in ogni sua parte e, sotto questo aspetto, la produzione di Mantello non gli rende piena giustizia.