ANMELDELSE: Kirsebærhaven, Young Vic ✭✭✭✭

Kirsebærhaven på The Young Vic. Foto: Stephen Cumminskey Kirsebærhaven

Young Vic

23. oktober 2014

4 Stjerner

Jeg må tilstå, at jeg har et langt og broget forhold til Anton Tjekhovs Kirsebærhaven. Sammen med Hamlet, Macbeth og Hedda Gabler er Kirsebærhaven en af de klassikere, jeg har set oftest – ikke altid med lige stor fornøjelse. Det var også genstand for intense studier på universitetet, hvor en noget alternativ underviser tvang mine medstuderende og mig til at ligge på gulvet og forestille os, at vi var fældede kirsebærtræer, mens hun læste teksten højt for os...

Jeg har set tragiske versioner, komiske versioner, tragikomiske versioner og decideret tåbelige versioner af Kirsebærhaven, men jeg kan roligt sige, at jeg aldrig har set en version som den, der lige nu spiller på The Young Vic, bearbejdet af Simon Stephens og instrueret af Katie Mitchell.

Den er mørk, ligefrem brutal, uden skyggen af ironi til at lette de dystre omstændigheder, der kulminerer i ødelæggelsen af Gaev-familiens elskede Kirsebærhave. Handlingen er solidt plantet i nutiden, og denne version har intet tilovers for dvælende nostalgi over fortiden; den bruger ikke meget tid på karakterernes finesser, men foretrækker chok og rendyrket falde-på-halen-komik frem for subtile pointer. Der er intet fokus på det gamle kontra det nye Rusland eller foranderlige traditioner, og kompleksiteten er skåret helt ind til benet. Men resultatet er strålende trøstesløst, fyldt med bitre, forfærdelige mennesker, der lever dobbeltmoralske og løgnagtige liv. På den måde er det en fængslende nyfortolkning af Tjekhovs mesterværk.

Tjekhov insisterede på, at Kirsebærhaven var en komedie, men stykkets første instruktør, Stanislavskij, betragtede det som en tragedie og iscenesatte det derefter. Tjekhov var forfærdet, men Stanislavskijs blik har sidenhen præget alle efterfølgende opsætninger. Heriblandt denne.

Stephens har forkortet stykket betragteligt (denne version varer ca. 2 timer uden pause; jeg har set opsætninger på over fire timer) og har taget nogle meget drastiske valg omkring karaktererne. Yasha er en modbydelig, selvisk morder og forfører; Lopakhin er grundlæggende grådig og uærlig; Charlotte er en konfronterende, feministisk aktivist-tryllekunstner; Simeon er en klodset tåbe med prætentiøse undertoner; Ranevskaja fremstår mere som en kurtisane og en kælling end som falmet aristokrati.

Mitchell løber linen ud sammen med hele ensemblet, og resultatet er en tempofyldt, præcist komponeret symfoni af smerte, angst og tab. Selvom de, der kender Kirsebærhaven indgående, måske vil løfte et øjenbryn eller to, så hænger denne bearbejdelse sammen og fortæller en gribende historie om livets skrøbelighed og pengenes og bedragets mekanik. Det er lige så usædvanligt, som det er betagende.

Hvem skulle have troet, at stjernen i en opsætning af Kirsebærhaven ville være skuespilleren i rollen som Firs, den gamle tjener, der er urokkeligt loyal over for Gaev-familien? Ikke desto mindre er det tilfældet her.

Gawn Graingers smukt nuancerede og utroligt skrøbelige portræt af et liv givet i tjeneste er intet mindre end sensationelt – lige fra hans første foroverbøjede gang over scenen med Ranevskajas håndtaske til hans sammenbrud på gulvet, da det går op for ham, at familien har låst ham inde og overladt ham til døden, mens de selv er rejst mod nye græsgange. (I denne version er Firs' skæbne beseglet af Yashas bevidste handlinger frem for glemsomhed, hvilket naturligvis gør hans skæbne både værre og mere markant).

Grainger er ren perfektion, og hans tale om, hvad man før i tiden gjorde med bærrene fra haven, vil sidde i mig længe. Det samme gælder det smertefulde øjeblik, hvor han lægger sig på alle fire for at agere skammel for sin ligeglade frue. Hans afsluttende, tragiske erkendelse af sin undergang er knusende.

Tom Mothersdale er perfekt frastødende som Yasha, symbolet på den oprørske ungdom og den skødesløse fremtid. Hans exces er lige så tydelig som hans magnetisme. Den bizarre scene, hvor han og Simeon synger sammen i anden akt, er mærkeligt kraftfuld. Mothersdale minder lidt om den russiske udgave af en EastEnders-skurk – en trykkoger af vrede, seksuel magt og manipulation. Fornemmelsen af, at volden lurer lige om hjørnet, er intens. En ung skuespiller, man bør holde øje med.

Dominic Rowan, en fabelagtig skuespiller, er i topform som Lopakhin, selvom Stephens' bearbejdelse begrænser det følelsesmæssige register. Denne Lopakhin er ikke spor sympatisk og svælger i overtagelsen af Gaev-godset. Scenen, hvor han knuser Varja (to gange), er grum, men Rowan gør ham tålelig, forståelig og hel. Det er noget af en bedrift med dette nedskalede og lettere forskruede blik på karakteren.

Meget kan gå galt i portrætteringen af Leonid – den billiardelskende, snakkesalige og lettere distræte bror til Ranevskaja – men ikke her: Angus Wright etablerer på brillant vis denne tåbelige mand og hans særheder. Hans tale om det 100 år gamle skab var ren guld. Det samme var hans følelse af total fiasko, da han vendte tilbage til godset efter auktionen, hvor familiens hjem var tabt til Lopakhin.

Som Varja er Natalie Klamar dygtig til at formidle karakterens pragmatisme såvel som hendes romantik og isolation i en familie, der behandler hende mere som en betroet tjener end et elsket medlem. Hendes stemme, fyldt med rige nuancer, får fuldt råderum og formidler effektivt Varjas mange sindstilstande. Øjeblikket, hvor hun indser, at manden, hun både elsker og foragter, har givet forvalterposten til den enfoldige Simeon, er utroligt rørende og indhyllet i en hjerteskærende erkendelse.

Jeg fandt den evige studerende, Peter Trofimov (Paul Hilton), en smule for bister og "flower power" (på samme tid) til at fungere som den modpol, Tjekhov oprindeligt tiltænkte, og rollen som Anja virker noget reduceret i denne version, selvom Catrin Stewart var passende smuk og prinsesseagtig. Som Simeon optrådte Hugh Skinner, der lod til at have baseret sin præstation på Matt Smiths klodsede Doctor Who – han var charmerende ubehjælpsom, men meget af hans falde-på-halen-komik ramte ikke helt plet.

Charlotte (Sarah Malin) virkede mere som et Katie Mitchell-eksperiment med effekter end som en interessant karakter i egen ret. Hendes trylletrick i tredje akt var storslåede og flot udført, men det var svært at forstå et ord af, hvad hun sagde, da hendes diktion var elendig. Hendes korte, fjollede nøgenscene føltes lige så overflødig som hendes gumlen på en fallisk agurk – unødvendige chok-effekter, der mest af alt virkede pointløse.

Der er solidt arbejde fra resten af holdet (Stephen Kennedys Boris er særligt god), men der var ikke meget i Kate Duchênes portræt af Ljuba Ranevskaja, der føltes ægte. Snarere end fordums storhed og tåbelighed fremstod hun som en seksuelt afvigende karakter, mere trodsig og impulsiv end fortabt i en tåge af uforståelighed over sin situation; grov frem for stilfuld. Det var en meget anderledes fortolkning af denne store rolle. Jeg brød mig overhovedet ikke om det, men det kan ikke kun lægges Duchêne til last; hun leverer præcis det, Stephens og Mitchell har bedt om. Det er bare uklart for mig, hvorfor de ønskede netop det. Resultatet er desværre fladt og ret todimensionelt.

Vicki Mortimers scenografi er fremragende og giver en klar fornemmelse af den falmede pragt på det engang så livlige gods. James Farncombes lyssætning er meget stemningsfuld, selvom det indimellem bliver så dunkelt, at det går ud over klarheden.

Gareth Frys lydeffekter fungerer effektivt på den der karakteristiske og forvirrende Katie Mitchell-måde, selvom jeg personligt finder lyden af en enkelt økse, der hugger, langt mere hjemsøgende og tragisk end lyden af moderne maskiner, der kværner træerne ned i glemslen. Men den nærmest apokalyptiske lyd, der flerrer stilheden i anden akt, er ret imponerende, og den forstærkede lyd af et tog i fart fungerer som et rystende men effektivt ledemotiv til sceneskiftene.

Dette er et Tjekhov-eksperiment, der i det store og hele lykkes. Det er aldrig kedeligt, og intentionen bag både bearbejdelsen og instruktionen står klart og bliver loyalt indfriet af det dygtige ensemble. Men forestillingen har få højdepunkter (i hvert fald ingen glædelige eller ironiske) udover det mørke, den sorte humor og den dystre fordømmelse af dem, der ikke formår at følge med tiden. Mothersdale, Rowan og Wright stjæler rampelyset, men det er uden tvivl Gawn Graingers sublime Firs, der vil stå tilbage som det varige minde fra denne opsætning.