ANMELDELSE: Kirsebærhaven, Young Vic ✭✭✭✭

Kirsebærhagen ved The Young Vic. Foto: Stephen Cumminskey Kirsebærhagen

Young Vic

23. oktober 2014

4 Stjerner

Jeg må innrømme at jeg har et langt forhold til Anton Tsjekhovs Kirsebærhagen. Sammen med Hamlet, Macbeth og Hedda Gabler, er Kirsebærhagen en av klassikerne jeg har sett oftest, og ikke alltid med glede. Det var også et tema for seriøse studier på universitetet, hvor en noe eksentrisk lærer fikk medstudentene mine og meg til å ligge på gulvet og forestille oss at vi var nedsagde kirsebærtrær mens hun leste teksten for oss...

Jeg har sett tragiske versjoner, komiske versjoner, tragikomiske versjoner og direkte åndssvake versjoner av Kirsebærhagen, men kan trygt si at jeg aldri har sett en versjon som den som nå spilles på The Young Vic, bearbeidet av Simon Stephens og regissert av Katie Mitchell.

Den er mørk, nesten brutal, uten spor av ironi til å lette på de dystre omstendighetene som kulminerer i ødeleggelsen av Gaev-familiens elskede hage. Handlingen er lagt solid til nåtiden, og denne versjonen mangler nostalgiske forestillinger om fortiden; den dveler ikke ved karakterenes kompleksitet, men foretrekker heller sjokk og åpenlys slapstick fremfor mer subtile poenger. Det er lite fokus på det gamle mot det nye Russland, lite følelse av tradisjoner i endring, og mindre dybde generelt. Men den er strålende trøstesløs, fylt med sprø, grusomme mennesker som lever dobbeltliv og løgner. På den måten er det en fengslende nytolking av Tsjekhovs mesterverk.

Tsjekhov insisterte på at Kirsebærhagen var en komedie, men dens første regissør, Stanislavskij, mente det var en tragedie og regisserte den deretter. Tsjekhov var forferdet, men Stanislavskijs syn har virkelig preget alle versjonene som fulgte i hans fotspor. Inkludert denne.

Stephens har forkortet stykket betraktelig (denne varer i ca. 2 timer uten pause; jeg har sett oppsetninger som varer i over fire), og han har tatt noen svært drastiske valg for karakterene. Jasja er en ondskapsfull, opportunistisk morder og forfører; Lopakhin er grunnleggende grådig og uærlig; Sjarlotta er en konfronterende feministisk aktivist-magiker; Simeon er en klønete tulling med et pretensiøst preg; Ranevskaja er mer kurtisane og kjeftesmelle enn falmet aristokrati.

Mitchell tar alt dette og løper med det som en olympier, og resultatet er en kvikk, nøye komponert symfoni av smerte, angst og tap. Selv om de som kjenner Kirsebærhagen godt kanskje vil heve et bryn eller to, er faktum at denne adaptasjonen henger sammen og forteller en gripende historie om livets skjørhet og mekanismene bak penger og svik. Den er like uvanlig som den er fengslende.

Hvem skulle trodd at stjernen i en oppsetning av Kirsebærhagen ville være skuespilleren som spiller Firs, den gamle tjeneren som er urokkelig lojal mot Gaev-familien? Men slik er det her.

Gawn Graingers vakkert utformede og utrolig skjøre portrett av et liv gitt i tjeneste er intet mindre enn sensasjonelt, fra hans første krumbøyde subbing over scenen med Ranevskajas håndveske, til han kollapser på gulvet når han innser at familien har låst ham inne og overlatt ham til døden mens de har reist videre til nye jaktmarker. (I denne versjonen er Firs' skjebne beseglet av Jasjas bevisste handlinger snarere enn glemsomhet, noe som selvsagt gjør skjebnen både verre og mer slagkraftig).

Grainger er rett og slett perfeksjon, og talen hans om hva som pleide å skje med kirsebærene fra hagen vil sitte i meg lenge, det samme vil det smertefulle øyeblikket da han går ned på alle fire for å fungere som fotskammel for sin likegyldige matmor. Hans endelige, tragiske erkjennelse av sin egen undergang er knusende.

Tom Mothersdale er perfekt avskyelig som Jasja, symbolet på den rebelske ungdommen og den hensynsløse fremtiden. Hans utskeivelser er like tydelige som hans tiltrekningskraft. Den bisarre scenen hvor han og Simeon synger sammen i andre akt er merkelig kraftfull. Mothersdale minner om en russisk Nick Cotton – en bunt av sinne, seksuell makt, sjanse og manipulasjon; følelsen av at vold kun er et øyeblikk unna, er intens. En ung skuespiller det er verdt å følge med på.

Dominic Rowan, en virkelig strålende skuespiller, er i storform som Lopakhin, selv om måten Stephens har formet rollen på begrenser følelsesregisteret som kreves. Denne Lopakhin er ikke særlig hyggelig i det hele tatt og fryder seg over overtakelsen av Gaev-godset. Scenen der han knuser Varja (to ganger) er sannelig dyster, men Rowan gjør ham tålelig, forståelig og hel. Ganske så en bragd her, med dette nedskalerte og noe vridde synet på karakteren.

Mye kan gå galt med portretteringen av Leonid, den biljardelskende, langpustede og noe vimsete broren til Ranevskaja, men ikke her: Angus Wright etablerer denne tåpelige mannen og hans særheter på en briljant og konsis måte. Talen hans om det 100 år gamle skapet var rent gull. Det samme var hans følelse av total fiasko da han returnerte til godset etter at auksjonen hadde gitt familieeiendommen til Lopakhin.

Som Varja er Natalie Klamar dyktig til å formidle karakterens pragmatisme, så vel som hennes romantikk og isolasjon i en familie som behandler henne mer som en betrodd tjener enn et elsket medlem. Stemmen hennes, full av rike muligheter og en fortryllende klang, får fullt spillerom og formidler effektivt Varjas mange stemninger og tanker. Øyeblikket da hun innser at mannen hun elsker/forakter har gitt forvaltningen av eiendommen til den enfoldige Simeon, er utrolig rørende, badet i en verkende, hjerteknusende erkjennelse.

Jeg fant den evige studenten, Peter Trofimov (Paul Hilton), en smule for dyster og "flower power" (på samme tid) til å være den motpolen Tsjekhov opprinnelig så for seg, og rollen som Anja virker på en måte redusert i denne versjonen, selv om Catrin Stewart var passende vakker og prinsesseaktig. Som Simeon var Hugh Skinner, som så ut til å ha basert sin tolkning på Matt Smiths keitete Doctor Who, søtt klønete og malplassert, men ikke mye av hans komiske slapstick-numre traff helt blink.

Sjarlotta (Sarah Malin) virket mer som et påfunn fra Katie Mitchell for å vise teatertriks enn en interessant karakter i seg selv. Tryllekunस्तene hennes i tredje akt var storslåtte og vakkert utført, men det var vanskelig å forstå et ord av det hun sa, da Malins diksjon var skuffende. Hennes korte, tåpelige nakenscene var like overflødig som det å tygge på en fallisk agurk eller sikte til vaginaen sin som en "grevling" – distraksjoner med billig sjokkverdi. Ganske poengløst.

Det gjøres godt arbeid fra resten av ensemblet (Stephen Kennedys Boris er spesielt god), men ikke mye ved Kate Duchênes portrett av Ljubov Ranevskaja føltes ekte. Mer som en seksuell avviker enn som en symbolfigur for gammeldags, falmet storhet; mer grinete og impulsiv enn tapt i en tåke av manglende forståelse for situasjonen; mer grov og folkelig enn stilig og kultivert. Dette var en svært annerledes tolkning av denne store rollen. Jeg hadde ikke mye til overs for det, men det er ikke bare Duchênes skyld; hun leverer nøyaktig det Stephens og Mitchell ønsket. Det er imidlertid uklart for meg hvorfor det var dette de ønsket. Resultatet blir flatt og ganske todimensjonalt. Dessverre.

Vicki Mortimers scenografi er utmerket og gir en veldig tydelig følelse av den falmede storheten til det som en gang var et yrende, storslått gods. James Farncombes lysdesign er svært atmosfærisk, selv om det av og til er litt for skyggefullt til å gi full klarhet.

Gareth Frys lydeffekter er effektive på det varemerkebeskyttede, forvirrende Katie Mitchell-viset, selv om jeg personlig finner lyden av en enslig øks som hugger mer hjemsøkende, skremmende og dypt tragisk enn lyden av moderne maskiner som durer og pløyer trærne ned i glemselen. Men den nesten apokalyptiske lyden som knuser stillheten på godset i andre akt er virkelig noe for seg selv, og den forsterkede lyden av et tog i hurtig bevegelse (tidens og bevegelsens hjul som ruller) fungerer som et rystende, men effektivt ledemotiv for sceneskiftene.

Dette er et Tsjekhov-eksperiment som i stor grad fungerer. Det blir aldri kjedelig, og intensjonen til både bearbeider og regissør er tydelig og trofast gjennomført av det store, talentfulle ensemblet. Men det har få høydepunkter (ingen som er gledelige eller ironiske, i hvert fall) bortsett fra i sitt mørke, sine svarte komiske aspekter og sin dystre fordømmelse av dem som ikke vil følge med i tiden. Mothersdale, Rowan og Wright tar rampelyset, men det er definitivt Gawn Graingers praktfulle Firs som vil bli det varige minnet fra denne oppsetningen.