RECENSION: Körsbärsträdgården på Young Vic ✭✭✭✭

Körsbärsträdgården på Young Vic. Foto: Stephen Cumminskey Körsbärsträdgården

Young Vic

23 oktober 2014

4 stjärnor

Jag måste erkänna att jag har en lång historia med Anton Tjechovs Körsbärsträdgården. Tillsammans med Hamlet, Macbeth och Hedda Gabler är Körsbärsträdgården en av de klassiker jag sett flest gånger, även om det inte alltid varit en angenäm upplevelse. Den var också föremål för seriösa studier vid universitetet, där en aningen originell lärare tvingade mig och mina kurskamrater att ligga på golvet och föreställa oss att vi var fällda körsbärsträd medan hon läste texten för oss...

Jag har sett tragiska versioner, komiska versioner, tragikomiska versioner och direkt urusla versioner av Körsbärsträdgården, men jag kan med säkerhet säga att jag aldrig sett en version som liknar den som nu spelas på Young Vic, i bearbetning av Simon Stephens och regi av Katie Mitchell.

Den är mörk, rentav brutal, utan spår av ironi som kan lätta upp de dystra omständigheter som kulminerar i förstörelsen av familjen Gajevs älskade körsbärsträdgård. Pjäsen utspelar sig i nutid och saknar helt nostalgiskt vemod över svunna tider; den djuplodar inte i karaktärernas nyanser utan föredrar chockverkan och tydlig slapstick framför mer subtila sätt att framföra sina poänger. Det finns knappt någon känsla av det gamla mot det nya Ryssland, lite förståelse för skiftande traditioner och tider, och mindre komplexitet överlag. Men den är strålande tröstlös, fylld av bräckliga, hemska människor som lever dubbelbottnade och osanna liv. På så sätt är det en fängslande nytolkning av Tjechovs mästerverk.

Tjechov insisterade på att Körsbärsträdgården var en komedi, men dess första regissör, Stanislavskij, ansåg att det var en tragedi och regisserade den som en sådan. Tjechov blev förfärad, men Stanislavskijs synsätt har verkligen färgat alla versioner som följt sedan dess. Inklusive denna.

Stephens har kortat ner pjäsen avsevärt (denna klockar in på cirka 2 timmar utan paus; jag har sett uppsättningar som varat i över fyra timmar) och har fattat några mycket skarpa beslut kring karaktärerna. Jasja är en ondskefull och egoistisk mördare och förförare; Lopachin är fundamentalt girig och falsk; Charlotta är en konfrontativ feministisk aktivist/trollkarl; Jepikhodov en menlös drulle med ett sken av pretention; Ranevskaja framstår mer som en kurtisan och ragata än en falnad aristokrat.

Mitchell löper linan ut med allt detta, likt en olympier, och resultatet är en rapp, omsorgsfullt komponerad symfoni av smärta, ångest och förlust. Även om de som känner sin Tjechov kan komma att höja på ögonbrynen, så håller denna bearbetning ihop och berättar en gripande historia om livets skörhet och pengarnas och svekets mekanismer. Det är lika ovanligt som det är fängslande.

Vem hade anat att stjärnan i en uppsättning av Körsbärsträdgården skulle vara skådespelaren som spelar Firs, den gamle trotjänaren som är orubbligt lojal mot familjen Gajev? Men så är fallet här.

Gawn Graingers vackert utmejslade och otroligt sköra porträtt av ett liv i tjänst är helt sensationellt, från hans första krokryggiga hasande över scenen med Ranevskajas handväska, till hans sammanbrott på golvet när han inser att familjen har låst in honom och lämnat honom åt sitt öde när de dragit vidare mot nya marker. (I denna version beseglas Firs öde av Jasjas medvetna handlingar snarare än av glömska, vilket förstås gör hans öde både värre och tydligare).

Grainger är ren perfektion och hans monolog om vad man förr brukade göra med körsbären från trädgården kommer att dröja sig kvar länge hos mig, lika så det smärtsamma ögonblicket när han ställer sig på alla fyra för att agera fotpall åt sin likgiltiga matmor. Hans sista, tragiska insikt om sin undergång är förödande.

Tom Mothersdale är helt vedervärdig som Jasja, symbolen för den upproriska ungdomen och den hänsynslösa framtiden. Hans utsvävningar är lika tydliga som hans magnetism. Den bisarra scenen där han och Jepikhodov sjunger tillsammans i andra akten är märkligt kraftfull. Mothersdale framstår nästan som en rysk Nick Cotton – en knut av ilska, sexuell utstrålning, opportunism och manipulation; känslan av att våldet bara är ett ögonblick bort är genomträngande. En ung skådespelare att hålla ögonen på.

Dominic Rowan, en verkligt lysande skådespelare, är i toppform som Lopachin, även om Stephens manus sätter gränser för det emotionella registret. Denna Lopachin är inte alls trevlig och gottar sig i sitt förvärv av Gajevs gods. Scenen där han förgör Varja (två gånger om) är verkligen dyster, men Rowan gör honom uthärdlig, begriplig och mänsklig. Det är en bedrift i sig med denna avskalade och något skruvade tolkning av rollen.

Mycket kan gå fel i porträtteringen av Leonid, den biljardälskande, långrandige och aningen virrige brodern till Ranevskaja, men inte här: Angus Wright etablerar briljant och koncist denna dåraktiga man och hans egenheter. Hans tal till det hundraåriga skåpet var ren magi. Likaså hans känsla av totalt nederlag när han återvänder till gården efter att auktionen gett familjegodset till Lopachin.

Som Varja är Natalie Klamar skicklig på att förmedla karaktärens pragmatism, såväl som hennes romantiska ådra och isolering i en familj som behandlar henne mer som en betrodd tjänare än en älskad familjemedlem. Hennes röst, rik på nyanser och med en förtrollande klang, får fullt spelrum och förmedlar effektivt Varjas skiftande humör och tankar. Ögonblicket då hon inser att mannen hon älskar/föraktar har gett förvaltandet av godset till den enfaldige Jepikhodov är otroligt rörande, höljt i en smärtsam och hjärtskärande insikt.

Jag tyckte att den evige studenten, Pjotr Trofimov (Paul Hilton), var en smula för dyster och "flower power" (på samma gång) för att utgöra den motpol Tjechov ursprungligen tänkt sig, och rollen som Anja känns på något sätt förminskad i denna version, även om Catrin Stewart var passande vacker och prinsesslik. Som Jepikhodov var Hugh Skinner – som verkade ha baserat sin prestation på Matt Smiths fumliga Doctor Who – gulligt klumpig och malplacerad, men inte mycket av hans slapstick-komik landade riktigt som den borde.

Charlotta (Sarah Malin) kändes mer som ett verktyg för Katie Mitchells sceniska trolleri än som en intressant karaktär i egen hög person. Hennes trolleritrick i tredje akten var storslagna och vackert utförda, men det var svårt att förstå ett ord hon sade eftersom Malins diktion var under all kritik. Hennes korta, fåniga naken-scen var lika överflödig som när hon tuggade på en fallisk gurka eller refererade till sitt underliv som sin "badger" – distraktioner för chockverkan som kändes ganska poänglösa.

Det finns bra prestationer från resten av ensemblen (Stephen Kennedys Boris är särskilt fin), men inte mycket i Kate Duchênes porträtt av Ljubov Ranevskaja kändes äkta. Snarare en sexuell missdådare än en dårfink med falnad glans från den gamla världen; mer snarstucken och impulsiv än förlorad i en dimma av oförstående inför sin situation; mer grov och simpel än elegant och kultiverad – detta var en mycket annorlunda tolkning av denna bärande roll. Jag uppskattade den inte alls, men det beror inte enbart på Duchêne; hon levererar exakt vad Stephens och Mitchell begärt. Det är dock oklart för mig varför de ville ha just det. Resultatet blir tyvärr platt och ganska tvådimensionellt.

Vicki Mortimers scenografi är utmärkt och ger en mycket tydlig känsla av den falnade storheten hos det en gång så livfulla och storslagna godset. James Farncombes ljussättning är mycket stämningsfull, även om det ibland blir lite väl skumt för att man ska se ordentligt.

Gareth Frys ljudeffekter är, på det där typiska och desorienterande Katie Mitchell-viset, effektiva. Personligen tycker jag dock att ljudet av en ensam yxa som hugger är ett mer hemsökt, skrämmande och djupt tragiskt ljud än det som moderna maskiner ger ifrån sig när de plöjer ner träden i glömska. Men det nästan apokalyptiska ljud som splittrar tystnaden på godset i andra akten är verkligen något utöver det vanliga, och det förstärkta ljudet av ett tåg i hög fart (tidens och rörelsens hjul som snurrar) fungerar som ett omskakande men effektivt ledmotiv vid scenbytena.

Detta är ett Tjechov-experiment som till stor del fungerar. Det blir aldrig tråkigt och intentionen hos både bearbetare och regissör är tydlig och troget förverkligad av den stora och begåvade ensemblen. Men den har få höjdpunkter (i alla fall inga glädjefyllda eller ironiska) förutom i sitt mörker, sina svarta komiska aspekter och sitt karga dömande av dem som vägrar följa med sin tid. Mothersdale, Rowan och Wright tar rampljuset, men det är definitivt Gawn Graingers magnifika Firs som kommer att leva kvar i minnet från denna uppsättning.