CRÍTICA: O Pomar, Young Vic ✭✭✭✭

O Pomar das Cerejeiras no Young Vic. Foto: Stephen Cumminskey O Pomar das Cerejeiras

Young Vic

23 de outubro de 2014

4 estrelas

Devo confessar que tenho uma longa história com O Pomar das Cerejeiras, de Anton Tchékhov. A par de Hamlet, Macbeth e Hedda Gabler, O Pomar das Cerejeiras é um dos clássicos que mais vezes vi, nem sempre com prazer. Foi também tema de estudo sério na universidade, onde uma professora um tanto "fora da caixa" me fez a mim e aos meus colegas deitar no chão e imaginar que éramos cerejeiras abatidas enquanto ela nos lia o texto…

Já vi versões trágicas, versões cómicas, versões tragicómicas e versões simplesmente estúpidas de O Pomar das Cerejeiras, mas posso dizer com segurança que nunca tinha visto uma versão como a que está agora em cena no Young Vic, adaptada por Simon Stephens e encenada por Katie Mitchell.

É sombria, até brutal, sem qualquer vestígio de ironia a aliviar as circunstâncias terríveis que culminam na destruição do querido Pomar das Cerejeiras da família Gaev. Firmemente situada no presente, esta versão dispensa nostalgias sobre o passado, não se demora demasiado nas minúcias do carácter e prefere o choque e a palhaçada escancarada a formas mais suaves de fazer passar ideias. Há pouca noção da velha versus a nova Rússia, pouca sensação de tradições e tempos a mudar e menos complexidade em tudo. Mas é radiantemente lúgubre, cheia de gente frágil e horrível, a viver vidas dúplices e mentirosas. Nesse sentido, é uma reimaginação cativante da obra-prima de Tchékhov.

Tchékhov insistia que O Pomar das Cerejeiras era uma comédia, mas o seu primeiro encenador, Stanislavski, achou que era uma tragédia e encenou-a como tal. Tchékhov ficou horrorizado, mas a visão de Stanislavski acabou por marcar todas as versões que se seguiram. Incluindo esta.

Stephens encurtou consideravelmente a peça (esta tem cerca de 2 horas, sem intervalo; já vi produções com mais de quatro horas) e tomou algumas decisões muito contundentes sobre as personagens. Yasha é um assassino e sedutor cruel e interesseiro; Lopakhin, no essencial, ganancioso e insincero; Charlotte, uma activista feminista conflituosa e ilusionista; Simeon, um desastrado pateta com aura de pretensão; Ranevskaya, mais cortesã e peixeira do que aristocracia decadente.

Mitchell acompanha tudo isto, como uma olímpica, e o resultado é uma sinfonia rápida e cuidadosamente composta de dor, angústia e perda. Quem conhece O Pomar das Cerejeiras poderá erguer uma ou duas sobrancelhas, mas a verdade é que esta adaptação se sustenta e conta uma história arrebatadora sobre a fragilidade da vida e a mecânica do dinheiro e da duplicidade. É tão invulgar quanto impressionante.

Quem diria que a estrela de uma produção de O Pomar das Cerejeiras seria o actor que interpreta Firs, o velho criado, de lealdade inabalável à família Gaev? E, no entanto, é isso que acontece aqui.

A interpretação de Gawn Grainger, belissimamente trabalhada e de uma delicadeza quase impossível, de uma vida entregue ao serviço é verdadeiramente sensacional — desde o primeiro arrastar curvado pelo palco, com a mala de mão de Ranevskaya, até ao colapso no chão quando percebe que a família o trancou lá dentro, condenando-o à morte ao partir em busca de outros destinos. (Nesta versão, o destino de Firs fica selado por acções deliberadas de Yasha, e não por distração, o que, claro, torna esse destino ao mesmo tempo pior e melhor.)

Grainger é a própria perfeição, e o seu discurso sobre o que antigamente se fazia com as cerejas do pomar vai ficar comigo por muito tempo — tal como o momento doloroso em que se põe de gatas para assegurar um escabelo à sua senhora indiferente. A sua derradeira e trágica consciência do que o espera é devastadora.

Tom Mothersdale é perfeitamente abjecto como Yasha, símbolo da juventude rebelde, do futuro devasso. Os seus excessos são tão evidentes quanto o seu magnetismo. A cena bizarra em que ele e Simeon cantam juntos no Acto Dois é estranhamente poderosa. Mothersdale é um pouco como um Nick Cotton russo — um nó de raiva, poder sexual, acaso e manipulação; a sensação de que a violência está a um instante de distância é profunda. Um jovem actor a acompanhar.

Dominic Rowan, um actor realmente extraordinário, está em excelente forma como Lopakhin, embora a forma como Stephens concebeu o papel limite o leque de emoções exigidas. Este Lopakhin não é nada simpático e deleita-se com a aquisição da propriedade dos Gaev. A cena em que destrói Varya (duas vezes) é de facto lúgubre, mas Rowan torna-o tolerável, compreensível e inteiro. Um feito notável, neste retrato depurado e ligeiramente torcido da personagem.

Há muito que pode correr mal na construção de Leonid — o irmão de Ranevskaya, amante de bilhar, prolixo e algo aluado —, mas não aqui: Angus Wright estabelece de forma brilhante e sucinta este homem tolo e as suas manias. O discurso sobre o armário de 100 anos foi ouro puro. Tal como a sua sensação de fracasso miserável quando regressa à propriedade, depois de o leilão ter entregue a casa de família a Lopakhin.

Como Varya, Natalie Klamar é hábil a transmitir o pragmatismo da sua personagem, bem como o romantismo e o isolamento dentro de uma família que a trata mais como uma criada de confiança do que como um membro amado. A sua voz, cheia de possibilidades ricas e de timbre encantador, é explorada em toda a sua amplitude e comunica com eficácia os muitos humores e pensamentos de Varya. O momento em que percebe que o homem que ama/odeia entregou a administração da propriedade ao simplório Simeon é incrivelmente comovente, envolto numa consciência dolorosa e de partir o coração.

Achei o eterno estudante Peter Trofimov (Paul Hilton) um pouco demasiado soturno e “flower power” (ao mesmo tempo) para ser o contraponto originalmente imaginado por Tchékhov, e o papel de Anya parece de algum modo reduzido nesta versão, embora Catrin Stewart estivesse adequadamente bonita e com ar de princesa. Como Simeon, Hugh Skinner, que parecia ter baseado a sua interpretação no Doutor Who trapalhão de Matt Smith, foi graciosamente desajeitado e deslocado, mas pouca da sua palhaçada cómica realmente resultou como poderia.

Charlotte (Sarah Malin) pareceu mais um dispositivo de Katie Mitchell para truques do que uma personagem interessante por direito próprio. Os seus truques de magia no Acto Três foram grandiosos e belamente executados, mas foi difícil perceber uma palavra do que dizia, tal era a péssima dicção de Malin. A sua breve e parva cena nua foi tão redundante quanto ela trincar um pepino fálico ou a referência à sua vagina como “texugo” — distracções de choque. Bastante inútil.

Há bom trabalho do restante elenco (o Boris de Stephen Kennedy é particularmente bom), mas pouco na interpretação de Lyubov Ranevskaya por Kate Duchêne soou verdadeiro. Mais delinquente sexual do que grandeza antiga, tola e desvanecida; mais petulante e impulsiva do que perdida numa névoa de incompreensão sobre as suas circunstâncias; mais grosseira e vulgar do que elegante e culta — foi uma abordagem muito diferente deste grande papel. Não gostei minimamente, mas isso não se deve apenas a Duchêne; ela entrega exactamente o que Stephens e Mitchell quiseram. O que não me é claro é porque é que foi isso que se quis. O resultado é plano e bastante bidimensional. Infelizmente.

O cenário de Vicki Mortimer é excelente e dá uma noção muito clara da grandeza desvanecida da outrora movimentada e elaborada propriedade. A luz de James Farncombe é muito atmosférica, embora por vezes tudo seja demasiado sombrio para permitir nitidez.

Os efeitos sonoros de Gareth Fry são, naquele modo desorientador característico de Katie Mitchell, eficazes, embora pessoalmente eu ache que o som de um único machado a cortar é mais assombrador, aterrador e profundamente trágico do que o produzido por maquinaria moderna a roncar e a lavrar as árvores até à aniquilação. Mas o som quase apocalíptico que estilhaça o silêncio da propriedade no Acto Dois é realmente qualquer coisa, e o som amplificado de um comboio a avançar depressa (as rodas do tempo e do movimento a girar) funciona como um leitmotiv de mudança de cena, brusco mas eficaz.

Este é um experimento tchekhoviano que, em grande medida, resulta. Nunca é aborrecido e a intenção tanto do adaptador como da encenadora é clara e cumprida com fidelidade pelo grande elenco, cheio de talento. Mas tem poucos pontos altos (certamente nenhum alegre ou irónico), excepto na sua escuridão, nos seus aspectos de comédia negra e na sua condenação lúgubre daqueles que não acompanham os tempos. Mothersdale, Rowan e Wright roubam as atenções, mas é sem dúvida o magnífico Firs de Gawn Grainger que ficará como a memória duradoura desta produção.