KRITIK: Der Kirschgarten, Young Vic ✭✭✭✭

Der Kirschgarten am Young Vic. Foto: Stephen Cumminskey Der Kirschgarten

Young Vic

23. Oktober 2014

4 Sterne

Ich sollte gestehen, dass ich eine lange Vorgeschichte mit Anton Tschechows Der Kirschgarten habe. Neben Hamlet, Macbeth und Hedda Gabler gehört Der Kirschgarten zu den Klassikern, die ich am häufigsten gesehen habe – nicht immer mit Vergnügen. Außerdem war das Stück Gegenstand ernsthaften Studiums an der Uni, wo eine etwas „abgehobene“ Dozentin meine Kommiliton*innen und mich auf dem Boden liegen ließ und wir uns vorstellen sollten, wir seien gefällte Kirschbäume, während sie uns den Text vorlas…

Ich habe tragische Versionen gesehen, komische Versionen, tragikomische Versionen und regelrecht dumme Versionen von Der Kirschgarten – aber ich kann mit Sicherheit sagen, dass ich noch nie eine Version gesehen habe wie die, die jetzt am Young Vic läuft: bearbeitet von Simon Stephens und inszeniert von Katie Mitchell.

Sie ist düster, geradezu brutal, ohne jede Spur von Ironie, die die trostlosen Umstände aufhellen könnte, die in der Zerstörung des geliebten Kirschgartens der Familie Gaev gipfeln. Fest in der Gegenwart verankert, verzichtet diese Version auf wehmütige Vorstellungen von der Vergangenheit, verweilt nicht zu lange bei den Feinheiten der Figurenzeichnung und bevorzugt Schockeffekte und plumpen Slapstick gegenüber subtileren Mitteln. Es gibt kaum ein Gefühl von altem versus neuem Russland, kaum ein Gespür für den Wandel von Traditionen und Zeiten – und insgesamt weniger Komplexität. Aber sie ist strahlend trostlos, voller spröder, schrecklicher Menschen, die verlogene, doppelte Leben führen. In diesem Sinne ist es eine fesselnde Neuinterpretation von Tschechows Meisterwerk.

Tschechow bestand darauf, dass Der Kirschgarten eine Komödie sei – doch sein erster Regisseur, Stanislawski, hielt ihn für eine Tragödie und inszenierte ihn auch so. Tschechow war entsetzt, aber Stanislawskis Sicht hat tatsächlich alle nachfolgenden Versionen geprägt. Auch diese.

Stephens hat das Stück erheblich gekürzt (diese Fassung dauert etwa zwei Stunden, ohne Pause; ich habe Inszenierungen gesehen, die über vier Stunden gingen) und einige sehr harte Entscheidungen über die Figuren getroffen. Jascha ist ein bösartiger, selbstsüchtiger Mörder und Verführer; Lopachin im Kern gierig und unaufrichtig; Charlotte eine konfrontative, feministische Aktivistin und Zauberkünstlerin; Simeon ein begriffsstutziger Tollpatsch mit einer Aura von Überheblichkeit; Ranewskaja eher Kurtisane und Marktfrau als verblassende Aristokratin.

Mitchell zieht das alles durch – olympisch konsequent – und das Ergebnis ist eine rasante, sorgfältig komponierte Symphonie aus Schmerz, Qual und Verlust. Wer Der Kirschgarten gut kennt, wird vielleicht hier und da eine Augenbraue heben, doch diese Bearbeitung hält zusammen und erzählt eine packende Geschichte über die Zerbrechlichkeit des Lebens und die Mechanik von Geld und Verstellung. So ungewöhnlich wie eindringlich.

Wer hätte gedacht, dass der Star einer Kirschgarten-Produktion der Schauspieler sein würde, der Firs spielt – den alten Diener, der der Familie Gaev unerschütterlich loyal ist? Und doch ist es hier so.

Gawn Graingers wunderschön ausgearbeitete, unfassbar zarte Darstellung eines Lebens im Dienst ist schlicht sensationell – von seinem ersten, gebeugten Schlurfen über die Bühne, Ranewskajas Handtasche tragend, bis zu seinem Zusammenbruch, als er begreift, dass die Familie ihn eingeschlossen hat: zum Tod verurteilt, während sie in andere Gefilde aufbricht. (In dieser Version wird Firs’ Schicksal durch Jashas bewusstes Handeln besiegelt statt durch Schusseligkeit – was dieses Schicksal natürlich zugleich schlimmer und, auf paradoxe Weise, auch klarer macht.)

Grainger ist pure Perfektion, und seine Rede darüber, was früher mit den Kirschen aus dem Garten geschah, wird mir lange im Gedächtnis bleiben – ebenso wie der schmerzhafte Moment, in dem er auf alle Viere ging, um seiner gleichgültigen Herrin einen Fußschemel zurechtzurücken. Seine letzte, tragische Erkenntnis seines Untergangs ist vernichtend.

Tom Mothersdale ist als Jascha herrlich widerwärtig – Symbol der rebellischen Jugend, der zügellosen Zukunft. Seine Exzesse sind ebenso deutlich wie seine Anziehungskraft. Die bizarre Szene, in der er und Simeon im zweiten Akt gemeinsam singen, ist seltsam kraftvoll. Mothersdale ist ein bisschen wie ein russischer Nick Cotton: ein Ball aus Wut, sexueller Macht, Zufall und Manipulation; das Gefühl, dass Gewalt nur einen Augenblick entfernt ist, ist enorm. Ein junger Schauspieler, den man im Blick behalten sollte.

Dominic Rowan, ein wirklich großartiger Schauspieler, ist als Lopachin in Bestform, auch wenn Stephens’ Konzeption der Rolle die Bandbreite der geforderten Gefühle einschränkt. Dieser Lopachin ist überhaupt nicht nett und schwelgt in seiner Aneignung des Gaev-Anwesens. Die Szene, in der er Warja (zweimal) zerstört, ist in der Tat unerquicklich – doch Rowan macht ihn erträglich, nachvollziehbar und rund. Eine beachtliche Leistung mit diesem reduzierten, leicht verdrehten Blick auf die Figur.

Bei der Darstellung von Leonid, dem billardliebenden, weitschweifigen, etwas verschrobenen Bruder Ranewskajas, kann viel schiefgehen – aber nicht hier: Angus Wright etabliert diesen törichten Mann und seine Spleens brillant und prägnant. Seine Rede über den hundert Jahre alten Schrank war pures Gold. Ebenso sein Gefühl trostlosen Scheiterns, als er aufs Anwesen zurückkehrte und die Auktion das Familiengut an Lopachin ausgeliefert hatte.

Als Warja vermittelt Natalie Klamar gekonnt den Pragmatismus ihrer Figur, ebenso ihren Romantizismus und ihre Isolation in einer Familie, die sie eher wie eine verlässliche Bedienstete behandelt als wie ein geliebtes Mitglied. Ihre Stimme – voller reicher Möglichkeiten und mit betörendem Timbre – darf sich entfalten und trägt Warjas vielfältige Stimmungen und Gedanken wirkungsvoll. Der Moment, in dem sie erkennt, dass der Mann, den sie liebt/verachtet, die Verwaltung des Anwesens dem Einfaltspinsel Simeon überlassen hat, ist unglaublich berührend – umhüllt von schmerzendem, herzzerreißendem Begreifen.

Den ewigen Studenten Peter Trofimow (Paul Hilton) fand ich ein wenig zu düster und zugleich zu „Flower Power“, um der von Tschechow ursprünglich gedachten Gegenstimme zu entsprechen, und die Rolle der Anja wirkt in dieser Version irgendwie verkleinert – auch wenn Catrin Stewart angemessen schön und prinzessinnenhaft war. Als Simeon war Hugh Skinner, der seine Darstellung offenbar auf Matt Smiths tollpatschigem Doctor Who aufgebaut hat, niedlich unbeholfen und deplatziert, doch vieles von seiner Slapstick-Nummer zündete nicht so, wie es könnte.

Charlotte (Sarah Malin) wirkte eher wie ein Katie-Mitchell-Kunstgriff für Trickserei als wie eine interessante Figur aus sich heraus. Ihre Zaubertricks im dritten Akt waren großartig, wunderschön gemacht – aber es war schwer, ein Wort zu verstehen, weil Malins Diktion erschreckend schlecht war. Ihre kurze, alberne Nacktszene war ebenso überflüssig wie ihr Kauen auf einer phallischen Gurke oder die Bezeichnung ihrer Vagina als ihr „Dachs“ – reine Schockeffekt-Ablenkungen. Ziemlich sinnlos.

Es gibt gute Arbeit vom Rest des Ensembles (Stephen Kennedys Boris ist besonders stark), doch an Kate Duchênes Darstellung der Ljubow Ranewskaja klang nicht viel wahrhaftig. Eher sexuelle Fehltritte als törichte, verblichene Grandezza der alten Welt; eher bockig und impulsiv als in einem Nebel des Unverständnisses über die eigenen Umstände verloren; eher grob und ordinär als stilvoll und kultiviert – das war eine sehr andere Lesart dieser großen Rolle. Mir gefiel sie nicht im Geringsten, doch das liegt nicht allein an Duchêne; sie liefert genau das, was Stephens und Mitchell wollten. Mir ist nur nicht klar, warum genau das gewollt war. Das Ergebnis wirkt flach und ziemlich zweidimensional. Leider.

Vicki Mortimers Bühnenbild ist hervorragend und vermittelt sehr klar das Gefühl der verblichenen Pracht des einst geschäftigen, aufwendig gestalteten Anwesens. James Farncombes Licht ist sehr stimmungsvoll, auch wenn es mitunter einfach zu schattig ist, um Klarheit zu erlauben.

Gareth Frys Soundeffekte sind – auf diese typisch Katie-Mitchell-mitreißend-verwirrende Art – wirkungsvoll, obwohl ich persönlich den Klang einer einzelnen Axt, die hackt, für ein eindringlicheres, furchterregenderes und zutiefst tragischeres Geräusch halte als das, was moderne Maschinen erzeugen, wenn sie surrend und pflügend die Bäume ins Nichts treiben. Doch der beinahe apokalyptische Klang, der im zweiten Akt die Stille auf dem Anwesen zerreißt, ist wirklich etwas Besonderes, und das verstärkte Geräusch eines schnell fahrenden Zuges (die Räder von Zeit und Bewegung, die sich drehen) erweist sich als ruckartiges, aber effektives leitmotivisches Mittel für die Szenenwechsel.

Das ist ein Tschechow-Experiment, das weitgehend funktioniert. Es ist nie langweilig, und die Absicht von Bearbeiter und Regisseurin ist klar und wird vom großen, begabten Ensemble treu erfüllt. Aber es hat nur wenige Höhen (sicherlich keine, die freudig oder ironisch wären) – außer in seiner Dunkelheit, seinen schwarzkomischen Aspekten und seiner bleiernen Verurteilung derer, die nicht mit der Zeit gehen wollen. Mothersdale, Rowan und Wright stehen im Rampenlicht – doch es ist definitiv Gawn Graingers großartiger Firs, der die bleibende Erinnerung an diese Produktion sein wird.