RESEÑA: El jardín de los cerezos, Young Vic ✭✭✭✭

El jardín de los cerezos en el Young Vic. Foto: Stephen Cumminskey El jardín de los cerezos

Young Vic

23 de octubre de 2014

4 estrellas

Debo confesar que tengo una larga historia con El jardín de los cerezos de Antón Chéjov. Junto con Hamlet, Macbeth y Hedda Gabler, El jardín de los cerezos es uno de los clásicos que más veces he visto, no siempre con agrado. También fue objeto de estudio serio en la universidad, donde una tutora un poco "de otro planeta" hizo que mis compañeros y yo nos tumbáramos en el suelo e imagináramos que éramos cerezos talados mientras ella nos leía el texto...

He visto versiones trágicas, cómicas, tragicómicas y directamente estúpidas de El jardín de los cerezos, pero puedo decir con seguridad que nunca había visto una versión como la que ahora se presenta en el Young Vic, adaptada por Simon Stephens y dirigida por Katie Mitchell.

Es oscura, incluso brutal, sin rastro de ironía que alivie las sombrías circunstancias que culminan en la destrucción del querido jardín de los cerezos de la familia Gaev. Firmemente situada en el presente, esta versión prescinde de ensoñaciones sobre el pasado, no se recrea demasiado en las complejidades del carácter y prefiere el impacto y el slapstick descarado a maneras más suaves de hacer sus puntos. Hay poca sensación de la vieja Rusia frente a la nueva, poca idea del cambio de tradiciones y de tiempos y, en general, menos complejidad en todo. Pero es deslumbrantemente lúgubre, llena de gente quebradiza y espantosa que lleva vidas falsas y duplicadas. En ese sentido, es una reimaginación convincente de la obra maestra de Chéjov.

Chéjov insistía en que El jardín de los cerezos era una comedia, pero su primer director, Stanislavski, la consideró una tragedia y la dirigió como tal. Chéjov se horrorizó, pero la visión de Stanislavski ha marcado realmente todas las versiones posteriores a la suya. Incluida esta.

Stephens ha acortado considerablemente la obra (esta dura unas 2 horas, sin intervalo; he visto montajes de más de cuatro horas) y ha tomado decisiones muy tajantes sobre los personajes. Yasha es un asesino y seductor despiadado que solo mira por sí mismo; Lopakhin, esencialmente codicioso e insincero; Charlotte, una maga activista feminista y confrontativa; Simeon, un torpe simplón con un aire de pretensión; Ranevskaya, más cortesana y verdulera que aristócrata venida a menos.

Mitchell lleva todo esto al límite, como una olímpica, y el resultado es una sinfonía ágil y cuidadosamente compuesta de dolor, angustia y pérdida. Quienes conozcan El jardín de los cerezos quizá alcen una ceja o dos, pero lo cierto es que esta adaptación se sostiene y cuenta una historia absorbente sobre la fragilidad de la vida y la mecánica del dinero y la duplicidad. Es tan inusual como impactante.

¿Quién habría pensado que la estrella de una producción de El jardín de los cerezos sería el actor que interpreta a Firs, el viejo criado que es inquebrantablemente leal a la familia Gaev? Y sin embargo, así es.

La interpretación de Gawn Grainger, bellamente construida e increíblemente delicada, de una vida entregada al servicio es absolutamente sensacional: desde su primer arrastrar encorvado sobre el escenario, llevando el bolso de Ranevskaya, hasta su derrumbe en el suelo cuando se da cuenta de que la familia lo ha encerrado, condenándolo a muerte al marcharse en busca de otros horizontes. (En esta versión, el destino de Firs queda sellado por las acciones deliberadas de Yasha y no por un despiste, lo que, por supuesto, hace ese destino a la vez peor y mejor).

Grainger es pura perfección y su parlamento sobre lo que antes se hacía con las cerezas del huerto me acompañará durante mucho tiempo, igual que el doloroso momento en que se puso a cuatro patas para asegurar un escabel a su indiferente señora. Su última y trágica comprensión de su perdición es devastadora.

Tom Mothersdale está perfectamente repugnante como Yasha, símbolo de la juventud rebelde, del futuro desenfrenado. Sus excesos son tan evidentes como su magnetismo. La extraña escena en la que él y Simeon cantan juntos en el Acto Dos tiene una fuerza insólita. Mothersdale es algo así como un Nick Cotton ruso: una bola de ira, potencia sexual, azar y manipulación; la sensación de que la violencia está a un instante es profunda. Un joven actor a seguir.

Dominic Rowan, un actor realmente estupendo, está en una forma magnífica como Lopakhin, aunque la manera en que Stephens ha concebido el papel limita el abanico de emociones exigidas. Este Lopakhin no es nada agradable y se deleita con su adquisición de la finca de los Gaev. La escena en la que destroza a Varya (dos veces) es verdaderamente sombría, pero Rowan logra que resulte tolerable, comprensible y completo. Todo un logro aquí, con esta visión depurada y ligeramente retorcida del personaje.

La interpretación de Leonid, amante del billar, prolijo y algo chiflado hermano de Ranevskaya, puede salir mal con facilidad, pero no aquí: Angus Wright establece de forma brillante y concisa a este hombre necio y sus manías. Su discurso sobre el armario centenario fue oro puro. También lo fue su sensación de fracaso miserable cuando regresó a la finca, tras haber entregado la subasta la propiedad familiar a Lopakhin.

Como Varya, Natalie Klamar es muy hábil al transmitir el pragmatismo de su personaje, así como su romanticismo y su aislamiento dentro de una familia que la trata más como a una sirvienta de confianza que como a un miembro querido. Su voz, llena de ricas posibilidades y de un timbre hipnótico, se despliega con amplitud y comunica con eficacia los muchos estados de ánimo y pensamientos de Varya. El momento en que se da cuenta de que el hombre al que ama/odia ha entregado la administración de la finca al simple Simeon es increíblemente conmovedor, envuelto en una dolorosa y desgarradora toma de conciencia.

El eterno estudiante, Peter Trofimov (Paul Hilton), me pareció un pelín demasiado sombrío y "flower power" (a la vez) para ser el contrapunto que Chéjov concibió originalmente, y el papel de Anya parece de algún modo reducido en esta versión, aunque Catrin Stewart estaba adecuadamente bella y con aire de princesa. Como Simeon, Hugh Skinner, que parecía haber basado su interpretación en el torpe Doctor Who de Matt Smith, era simpáticamente patoso y fuera de lugar, pero no mucho de su número cómico de slapstick terminó de funcionar como podría.

Charlotte (Sarah Malin) parecía más un recurso de Katie Mitchell para el engaño que un personaje interesante por derecho propio. Sus trucos de magia en el Acto Tres fueron estupendos, bellamente ejecutados, pero costaba entender una palabra de lo que decía porque la dicción de Malin era espantosa. Su breve, tonta escena desnuda era tan redundante como su forma de masticar un pepino fálico o su referencia a su vagina como su "tejón": distracciones de impacto. Bastante inútil.

Hay buen trabajo del resto del reparto (el Boris de Stephen Kennedy es especialmente notable), pero poco en la interpretación de Lyubov Ranevskaya por parte de Kate Duchêne sonó verdadero. Más libertina sexual que nobleza antigua y venida a menos; más caprichosa e impulsiva que perdida en una niebla de incomprensión sobre sus circunstancias; más basta y vulgar que elegante y cultivada: fue una lectura muy distinta de este gran papel. No me gustó en absoluto, pero no es todo responsabilidad de Duchêne; ella entrega exactamente lo que Stephens y Mitchell querían. Lo que no tengo claro, sin embargo, es por qué eso era lo que se quería. El resultado es plano y bastante bidimensional. Lamentablemente.

El diseño de Vicki Mortimer es excelente y ofrece una percepción muy clara de la grandeza desvaída de una finca antaño bulliciosa y elaborada. La iluminación de James Farncombe es muy atmosférica, aunque a veces todo queda demasiado en penumbra como para permitir claridad.

Los efectos de sonido de Gareth Fry son, en ese estilo característico y desconcertante de Katie Mitchell, eficaces, aunque personalmente encuentro que el sonido de una sola hacha talando es más sobrecogedor, aterrador y profundamente trágico que el de la maquinaria moderna zumbando y arando los árboles hasta hacerlos desaparecer. Pero el sonido casi apocalíptico que rompe el silencio de la finca en el Acto Dos es realmente impresionante, y el sonido amplificado de un tren avanzando a toda velocidad (las ruedas del tiempo y del movimiento girando) funciona como un leitmotiv de cambios de escena, brusco pero efectivo.

Este es un experimento chejoviano que en gran medida funciona. Nunca resulta aburrido y la intención tanto del adaptador como de la directora es clara y se cumple fielmente gracias a un reparto amplio y con mucho talento. Pero tiene pocos momentos álgidos (ninguno alegre o irónico, desde luego), salvo en su oscuridad, en sus aspectos de comedia negra y en su sombría condena de quienes no quisieron avanzar con los tiempos. Mothersdale, Rowan y Wright se llevan los focos, pero sin duda será el magnífico Firs de Gawn Grainger el recuerdo perdurable de esta producción.