CRITIQUE : La Cerisaie, Young Vic ✭✭✭✭

La Cerisaie au Young Vic. Photo : Stephen Cumminskey La Cerisaie

Young Vic

23 Octobre 2014

4 Étoiles

Je dois avouer une longue histoire avec La Cerisaie d'Anton Tchekhov. Aux côtés de Hamlet, Macbeth et Hedda Gabler, La Cerisaie est l'un des classiques que j'ai le plus souvent vus, pas toujours avec bonheur. C'était aussi un sujet d'études sérieuses à l'université, où un professeur un peu « hors normes » nous a fait nous allonger par terre et imaginer que nous étions des cerisiers abattus pendant qu'elle nous lisait le texte...

J'ai vu des versions tragiques, comiques, tragi-comiques et franchement stupides de La Cerisaie, mais je peux dire sans risque que je n'ai jamais vu une version comme celle qui se joue actuellement au Young Vic, adaptée par Simon Stephens et mise en scène par Katie Mitchell.

C'est sombre, brutal même, sans aucune trace d'ironie pour alléger les circonstances sinistres qui culminent dans la destruction du cerisier bien-aimé de la famille Gaev. Ancré résolument dans le présent, cette version manque de notions languissantes sur le passé, ne passe pas trop de temps sur les subtilités des personnages et préfère le choc et le slapstick flagrant aux manières plus douces de faire passer un message. Il y a peu de sens de l'ancien contre le nouveau, peu de sens du changement des traditions et des époques et moins de complexité sur tout. Mais c'est d'une clarté désespérément radieuse, rempli de personnes fragiles et horribles menant des vies duplicités et mensongères. En ce sens, c'est une réimagination saisissante du chef-d'œuvre de Tchekhov.

Tchekhov insistait pour dire que La Cerisaie était une comédie, mais son premier metteur en scène, Stanislavski, la voyait comme une tragédie et l'a dirigée comme telle. Tchekhov fut horrifié, mais la vision de Stanislavski a vraiment influencé toutes les versions qui ont suivi la sienne. Y compris celle-ci.

Stephens a considérablement raccourci la pièce (celle-ci dure environ 2 heures, sans entracte ; j'ai vu des productions durer plus de quatre heures) et a pris des décisions très audacieuses sur les personnages. Yasha est un meurtrier et séducteur égocentrique ; Lophakin, fondamentalement avide et insincère ; Charlotte, une magicienne activiste féministe provocante ; Simeon, un benêt maladroit avec une aura de prétention ; Ranevskaya, plus courtisane et poissonnière que noblesse déchue.

Mitchell s'approprie tout cela, tel un olympien, et le résultat est une symphonie brève et soigneusement composée de douleur, d'angoisse et de perte. Alors que ceux qui connaissent La Cerisaie pourraient hausser un sourcil ou deux, le fait est que cette adaptation tient la route et raconte une histoire captivante sur la fragilité de la vie et les rouages de l'argent et de la duplicité. C'est aussi inhabituel que saisissant.

Qui aurait cru que la star d'une production de La Cerisaie serait l'acteur jouant Firs, le vieux domestique inflexible dans sa loyauté envers la famille Gaev ? Pourtant, c'est le cas ici.

L'interprétation magnifiquement travaillée et infiniment délicate de Gawn Grainger d'une vie consacrée au service est tout simplement sensationnelle, de son premier pas claudicant à travers la scène, portant le sac à main de Ranevskaya, à son effondrement au sol lorsqu'il réalise que la famille l'a enfermé, le condamnant à mort en partant pour d'autres horizons. (Dans cette version, le destin de Firs est scellé par les actions délibérées de Yasha plutôt que par la distraction, ce qui, bien sûr, rend ce destin à la fois pire et meilleur)

Grainger est tout simplement parfait et son discours sur ce qu'il advint des cerises du verger restera longtemps gravé dans ma mémoire, tout comme le moment douloureux où il s'est agenouillé pour placer un tabouret à sa maîtresse indifférente. Sa réalisation finale, tragique, de son destin est dévastatrice.

Tom Mothersdale est parfaitement abject en Yasha, le symbole de la jeunesse rebelle, l'avenir désinvolte. Ses excès sont aussi clairs que son magnétisme. La scène bizarre où il chante avec Simeon dans l'Acte Deux est étrangement puissante. Mothersdale ressemble un peu au Nick Cotton russe, une boule de colère, de pouvoir sexuel, de hasard et de manipulation ; le sentiment que la violence n'est qu'à un moment est profond. Un jeune acteur à surveiller.

Dominic Rowan, un acteur vraiment formidable, est en superbe forme en Lopakhin bien que la façon dont Stephens a conçu le rôle limite la gamme des émotions requises. Ce Lopakhin n'est pas du tout très sympathique et se délecte de l'acquisition du domaine Gaev. La scène où il détruit Varya (à deux reprises) est en effet sinistre, mais Rowan le rend tolérable, compréhensible et entier. Une belle réussite ici, avec cette vision épurée et légèrement tordue du personnage.

Beaucoup de choses peuvent mal se passer avec l'interprétation de Leonid, le frère passionné de billard, un peu simpliste, de Ranevskaya, mais pas ici : Angus Wright établit brillamment, et succinctement, l'imbécilité de cet homme et ses travers. Son discours sur l'armoire centenaire était du pur or. Tout comme son sentiment d'échec accablant quand il revient au domaine, la vente aux enchères ayant livré le domaine familial à Lopakhin.

En Varya, Natalie Klamar est habile à transmettre le sens du pragmatisme de son personnage, ainsi que son sens du romantisme et de l'isolement au sein d'une famille qui la traite plus comme une servante de confiance que comme un membre aimé. Sa voix, pleine de riches possibilités et d'une timbre envoûtant, est pleinement déployée et transmet efficacement les nombreuses humeurs et pensées de Varya. Le moment où elle réalise que l'homme qu'elle adore/méprise a confié la gestion du domaine au simplet Simeon est incroyablement touchant, enveloppé dans une réalisation douloureuse et déchirante.

J'ai trouvé l'éternel étudiant, Peter Trofimov (Paul Hilton), un peu trop morose et fleur bleue (en même temps) pour être le contrepoint initialement envisagé par Tchekhov et le rôle d'Anya semble en quelque sorte réduit dans cette version, bien que Catrin Stewart soit plutôt belle et princière. En Simeon, Hugh Skinner, qui a semblé baser sa performance sur le Doctor Who maladroit de Matt Smith, était joliment maladroit et hors de place, mais pas beaucoup de son slapstick comique a vraiment abouti comme il le pourrait.

Charlotte (Sarah Malin) semblait plus un dispositif de tromperie de Katie Mitchell qu'un personnage intéressant à part entière. Ses tours de magie dans l'Acte Trois étaient grandioses, magnifiquement réalisés, mais c'était difficile de comprendre un mot de ce qu'elle disait à cause de la diction épouvantable de Malin. Sa brève scène de nudité idiote était aussi redondante que sa mastication d'un concombre phallique ou sa référence à son vagin comme son "blaireau" - des distractions choc. Plutôt inutile.

Il y a de bonnes performances du reste de la distribution (Boris de Stephen Kennedy est particulièrement bien) mais pas grand-chose de la prestation de Kate Duchêne en Lyubov Ranevskaya n'a sonné vrai. Plus débauchée sexuelle que grandeur décadente de l'ancien monde, plus pétulante et impulsive que perdue dans un brouillard d'incompréhension concernant ses circonstances, plus grossière et commune que stylée et cultivée, c'était une prise très différente sur ce grand rôle. Je n'ai pas du tout aimé, mais cela ne dépend pas entièrement de Duchêne ; elle livre exactement ce que Stephens et Mitchell voulaient. Il m'est toutefois difficile de comprendre pourquoi cela était souhaité. Le résultat est plat et assez bidimensionnel. Malheureusement.

Le décor de Vicki Mortimer est excellent et offre une très nette impression de la grandeur décolorée de l'ancien domaine animé et élaboré. L'éclairage de James Farncombe est très atmosphérique, bien que parfois les choses soient simplement trop ombragées pour permettre une certaine clarté.

Les effets sonores de Gareth Fry sont, de cette manière déconcertante caractéristique de Katie Mitchell, efficaces, bien que personnellement je trouve le son d'une seule hache coupant d’un air effrayant, terrifiant et profondément tragique que celui fait par des machines modernes vrombrissantes labourant les arbres dans l'oubli. Mais le son presque apocalyptique qui brise le silence sur le domaine dans l'Acte Deux est vraiment quelque chose et le son amplifié d'un train en mouvement rapide (les roues du temps et du mouvement tournant) prouve un leitmotiv de changement de scène secouant, mais efficace.

C'est une expérience Tchekhov qui fonctionne en grande partie. Ce n'est jamais ennuyeux et l'intention à la fois du dramaturge et du metteur en scène est claire et fidèlement réalisée par la grande et talentueuse troupe. Mais cela a peu de sommets (aucun de joyeux ou ironique, certainement) sauf dans son obscurité, ses aspects comiques noirs et sa condamnation âpre de ceux qui ne veulent pas évoluer avec leur temps. Mothersdale, Rowan et Wright prennent la lumière, mais c'est définitivement le magnifique Firs de Gawn Grainger qui restera le souvenir marquant de cette production.