ANMELDELSE: The Picture Of Dorian Gray, St James Studio ✭✭✭✭✭

Foto: Evolution Photography The Picture Of Dorian Gray

St James Studio Theatre

17. juni 2015

5 stjerner

Den 20. juni 2015 markerer årsdagen for den første udgivelse af føljetonen af Oscar Wildes roman The Picture of Dorian Gray (Billedet af Dorian Gray). Selvom der har været adskillige forsøg på at overføre værket til scene og lærred, findes der ingen endegyldig teaterversion, og derfor er denne nye satsning både kærkommen og aktuel. Historien er så velkendt, at den ikke behøver yderligere genfortælling her, men jeg må alligevel starte med at bemærke, hvor fængslende relevant dens hovedtemaer stadig er. Med den overvældende berømthedskult, der dominerer vores skærme og overskrifter, kunne et studie i narcissismens natur og konsekvenser ikke være mere moderne. Som de berømte aforismer toner frem, kan man ikke lade være med at tænke, at ‘Geni varer længere end skønhed’ i dag snarere ville være et åbent spørgsmål end en konstatering, og at Wilde ramte en dybere sandhed, end han selv anede, da han udtalte, at ‘kun overfladiske mennesker ikke dømmer verden efter udseendet.’ Den glitrende verbale ekvilibrisme og mørket derunder demonstrerer sandheden bag et andet citat, der lyder tidligt i stykket: ‘al kunst er både overflade og symbol.’

Der skal først og fremmest lyde en stor ros til bearbejdelsen af manuskriptet, der er udført med samvittighedsfuld præcision af Merlin Holland – Wildes barnebarn – og John O’Connor. De er helt afgørende gået tilbage til de originale tekster fra både magasinføljetonen og den (længere) udgave af romanen og har genindsat flere nøglesætninger, som Wilde klogeligt udelod fra den endelige standardtekst. Disse linjer tydeliggør de homoerotiske undertoner i stykket og kaster lys over Basil Hallwards karakter, der er fortabt i håbløs beundring af Dorian Gray, hvilket gør Dorians kyniske manipulation af Basil endnu mere chokerende og velovervejet. Der er mange andre små justeringer, som på glimrende vis udglatter eller uddyber aspekter af karaktererne, som i originalen kun antydes flygtigt.

Enhver dramatisering skal formå at forvandle mængder af fortælling til drama, dialog og karakterer. Her skal der træffes mange kunstneriske valg, og for det meste tager det kreative hold og skuespillerne de helt rigtige beslutninger. For eksempel er Sibyl Vane (Helen Keeley) her udviklet til en langt mere substantiel karakter end i bogen. Man har valgt at præsentere hende som en dygtig skuespillerinde, der rammer en kritisk dårlig aften, fremfor en elendig amatør, som kun Dorian ønsker at ophøje. Dette tilføjer en betydelig styrke og smerte til hans afvisning af hende. Det samme gælder skabelsen af Hettie, endnu et offer for Dorians Faust-agtige besættelser, som i romanen kun beskrives i forbifarten.

Plottet er måske det mindst troværdige og mindst vigtige aspekt af stykket: Præcis som i enhver gotisk roman virker især slutningen påfaldende brat, en effekt der er præcist gengivet i denne opsætning. Men plottet var altid den mindst vigtige del af Wildes kunst i hans komedier, og som helhed tåler denne dramatisering fint sammenligning med de store skuespil, der sikrer hans eftermæle. Det er i virkeligheden en prototype. Der ligger en iboende teatralitet i originalen: Dialogen er allerede skåret over samme læst som Wildes øvrige teaterarbejde – og dele af den blev da også genbrugt senere i Lady Windermere’s Fan. Desuden refererer mange scener direkte til datidens teater. Sidst men ikke mindst tigger hele tovtrækningen mellem maleri og motiv, helt og billede, ydre skønhed og sjælens indre forfald om at blive iscenesat og levendegjort uden for bogsiderne. Vi starter i en antydning af et overfyldt victoriansk atelier: store, skæve, tomme forgyldte rammer, kunstnergrej, en chaiselongue, planter, spredte stole og i baggrunden de indsmigrende toner fra en Chopin-nocturne. Basil Hallward (Rupert Mason) er ved at lægge sidste hånd på sit portræt af Dorian Gray (Guy Warren-Thomas), før de bliver afbrudt og forstyrret af Lord Henry Wotton (Gwynfor Jones). Udover hovedrollerne bidrager alle skuespillere (undtagen Warren-Thomas) med et væld af skarpttegnede biroller og befolker scenen med de vidende tjenere, hovmodige hertuginder og snu handlende, der udgør den sociale tekstur i de store komedier. I dette sansemættede værk er det afgørende, at der er noget for øjet, og det kreative hold skal have stor ros for den flotte scenografi og en parade af vidunderlige tidstypiske kostumer i smukke farver og teksturer. Selv en birolle som Lord Henrys kone ser virkelig ud som om hendes brusende kjole var ‘designet i en orkan og taget på i en storm’. Der er tænkt meget over at appellere til publikums sanselige fantasi, og instruktøren har fundet måder at integrere referencerne til Huysmans' bogen Against Nature (Mod strømmen) og The Yellow Book – begge vigtige inspirationskilder for Wilde – og legemliggjort Dorians kærlighed til stoffer og dufte fra romanens kapitel elleve.

Det ville være uretfærdigt at fremhæve én enkelt skuespiller foran de andre – der er tårnhøjt niveau over hele linjen; men lad det være sagt, at Warren-Thomas ikke hviler på sit gode udseende – han skildrer rejsen mod den nådesløse grusomhed med masser af tøven og menneskelige detaljer. Mason gør Hallward til en langt mere sympatisk og forpint figur end man normalt ser, og Keeley skaber en ægte, helstøbt karakter ud af Sybil. Der er uundgåeligt mange scene- og kostumeskift, men de udføres elegant og uden at bryde vores koncentration. Faktisk er den flydende bevægelse en af produktionens styrker, hvilket er svært at opnå på så trang og tætpakket en scene.

På mange måder er den sværeste rolle at lande Lord Henry, som skal levere de fleste af de juvel-lignende epigrammer og samtidig få dem til at lyde som naturlig tale. At finde rytmen i Wilde er normalt nøglen til en stor præstation. Hvordan skaber man et troværdigt flow, når epigrammerne står i vejen og kræver tid og plads til levering? Sommetider virker det som om, Wilde har givet sine skuespillere en bakke fuld af marmelade og flødeskum, men ingen boller at smøre det på. Gwynfor Jones navigerer i denne udfordring med stor tæft, med masser af bevægelse og omhyggeligt varierede pauser og tempo – næsten som en operasanger, der opbygger en arie. Det er en lektion i retorisk levering.

Desværre spiller denne fine dramatisering kun i kort tid – jeg håber virkelig, at et andet teater kan overtales til at lade os opleve dette stykke med dette cast igen, og det snart… Forestillingen fortjener at blive set for sine egne kvaliteter, for de nye indblik den giver i et værk, vi tror vi kender så godt, og for det, den fortæller os om Wilde selv. Den viser på forbilledlig vis den kæmpende, ustabile og i sidste ende tragiske kombination af talenter og ambitioner, som udgør Wildes unikke persona. Som sædvanlig så han sandheden før alle kritikerne: ‘Basil Hallward er den, jeg tror jeg er: Lord Henry er den, verden ser mig som: Dorian er den, jeg godt ville være – i en anden tid, måske.’