ANMELDELSE: The Picture Of Dorian Gray, St James Studio ✭✭✭✭✭

Foto: Evolution Photography The Picture Of Dorian Gray

St James Studio Theatre

17. juni 2015

5 stjerner

Den 20. juni 2015 markerer det nøyaktige jubileet for den første publiseringen av føljetongversjonen av Oscar Wildes roman The Picture of Dorian Gray. Selv om det har vært flere forsøk på å dramatisere den for scene og film, finnes det ingen etablert standardversjon for teateret. Derfor er denne nye satsingen både betimelig og kjærkommen. Historien er så kjent at den ikke trenger noe gjenreferat her, men jeg må likevel begynne med å bemerke hvor slående og aktuell tematikken fortsatt er. I dagens kjendiskultur, som tar stadig mer plass i både nyheter og på skjermene våre, er denne studien av narsissismens natur og konsekvenser mer moderne enn noensinne. Når de berømte aforismene dukker opp, kan man ikke unngå å tenke at «Geni varer lenger enn skjønnhet» i dag snarere er et åpent spørsmål enn en bastant påstand. Wilde traff en dypere sannhet enn han selv ante da han skrev at «det er bare grunne mennesker som ikke dømmer etter utseendet». Den glitrende verbale ekvilibristikken og mørket som lurer under overflaten, bekrefter visdommen i et annet sitat som glimtvis suser forbi: «all kunst er både overflate og symbol».

Først og fremst må arbeidet med dramatiseringen hylles. Den er utført med nitid nøyaktighet av Merlin Holland, Wildes eget barnebarn, og John O’Connor. Noe av det viktigste de har gjort, er å gå tilbake til de originale tekstene fra både magasinet og den (lengre) publiserte romanen, og gjeninnføre flere nøkkelsetninger som Wilde av forsiktighetshensyn utelot fra den endelige teksten. Disse linjene tydeliggjør de homoerotiske undertonene i stykket, og gir spesielt Basil Hallwards karakter mer dybde – han som er fortapt i en håpløs og hjelpeløs beundring for Dorian Gray. Dette gjør også Dorians kyniske manipulasjon av Basil enda mer kalkulert og sjokkerende. Det er også gjort mange andre mindre justeringer som effektivt sliper ned eller fyller ut aspekter ved karakterene som bare antydes i originalen.

Enhver dramatisering må omforme mengder av narrativ tekst fortalt av Dorian til drama, dialog og karakterer. Her må det tas mange kunstneriske valg, og det kreative teamet og skuespillerne treffer blink på nesten samtlige punkter. Sibyl Vane (Helen Keeley) er for eksempel utviklet til en langt mer substansiell karakter enn i boken. Det er tatt et valg om å presentere henne som en dyktig skuespillerinne som har en avgjørende dårlig kveld, snarere enn en dårlig amatør som bare Dorian ønsker å sette på en pidestall. Dette gir bruddet hans med henne en betydelig større tyngde og smerte. Det samme gjelder skildringen av Hettie, et annet offer for Dorians Faust-lignende besettelser, som i boken bare nevnes i forbifarten.

Selve intrigen er kanskje det minst troverdige og minst viktige aspektet ved stykket. Akkurat som i gotiske romaner virker slutten påfallende brå, en effekt som er presist gjengitt i denne versjonen. Men intrigen var uansett alltid den minst interessante delen av Wildes kunstnerskap i komediene hans, og som helhet tåler denne dramatiseringen sammenligning med de store stykkene som bærer hans rykte. Det er i bunn og grunn en prototype. Originalen har en iboende teatralitet; dialogen er allerede i slekt med Wildes sceneverk – og deler av den ble faktisk gjenbrukt senere i Lady Windermere’s Fan. Mange scener refererer også til eller utspiller seg i datidens teatermiljø. Til slutt er hele drakampen mellom maleriet og subjektet, helten og bildet, ytre skjønnhet og sjelens indre korrupsjon, noe som roper etter å bli legemliggjort på en scene. Stykket åpner med en antydning av et overfylt victoriansk atelier: noen store, skjeve og tomme forgylte rammer, kunstnerutstyr, en schæslong, planter, noen spredte stoler, og i bakgrunnen de snikende tonene fra en Chopin-nocturne. Basil Hallward (Rupert Mason) legger siste hånd på verket på portrettet av Dorian Gray (Guy Warren-Thomas) før de blir avbrutt og ledet ut i fristelse av Lord Henry Wotton (Gwynfor Jones). I tillegg til hovedrollene bidrar hver av skuespillerne (bortsett fra Warren-Thomas) med et vell av veldefinerte biroller. De fyller scenen med alt fra utspekulerte tjenere og hovmodige hertuginner til snedige handelsmenn, som alle utgjør det sosiale vevet i de store komediene. I denne sansemettede historien er det avgjørende at det er mye å hvile øyet på. Det kreative teamet fortjener derfor stor ros for scenografien og en fantastisk parade av kostymer i nydelige farger og stoffer. Selv en mindre karakter som Lord Henrys kone ser virkelig ut som om hennes bølgende kjole var «designet i et uvær og påkledd i en storm». Mye tankevirksomhet har gått med på å appellere til publikums sanselige fantasi, og regissøren har spesielt funnet gode måter å integrere referansene til Huysmans’ bok Against Nature og Yellow Book – begge viktige inspirasjonskilder for Wilde – og legemliggjøre Dorians kjærlighetsforhold til tekstiler og dufter slik det beskrives i bokens ellevte kapittel.

Det ville være urettferdig å trekke frem bare én av skuespillerne – her er det mange former for fremragende prestasjoner på utstilling. Men det er nok å si at Warren-Thomas ikke bare hviler på sitt gode utseende; han tegner reisen mot hensynsløs grusomhet med rikelig med nøling og menneskelige detaljer. Mason gjør Hallward til en mye mer sympatisk og plaget skikkelse enn vanlig, og Keeley skaper en ekte, flerdimensjonal karakter ut av Sybil. Det er uunngåelig mange scene- og kostymeskift, men disse utføres elegant og uten å bryte konsentrasjonen vår. Faktisk er den flytende og fleksible bevegeligheten en av styrkene ved hele produksjonen, noe som er krevende å få til på en så begrenset og fylt flate.

På mange måter er rollen som Lord Henry den vanskeligste å mestre. Han må levere de fleste av de juvel-lignende epigrammene samtidig som de skal føles som naturlig tale. Å finne rytmen hos Wilde er ofte nøkkelen til en god forestilling. Hvordan skaper man en troverdig flyt når epigrammene står i veien for deg og krever tid og rom for å bli levert og fordøyd? Noen ganger virker det som om Wilde har gitt skuespillerne sine et brett fullt av syltetøy og krem, men ingen scones. Gwynfor Jones navigerer denne utfordringen svært delikat, med mye bevegelse på scenen og nøye avstemte tempoendringer og pauser, litt på samme måte som en operasanger bygger opp en arie. Dette er en lærebok i retorisk formidling.

Dessverre har denne flotte dramatiseringen en svært kort spilleperiode – jeg håper virkelig at et annet teater kan overtales til å la oss oppleve dette stykket med dette ensemblet igjen, og det snart. Det fortjener å bli sett for sine egne kvaliteter, for den nye innsikten det gir i et verk vi tror vi kjenner så altfor godt, og for hva det forteller oss om Wilde som menneske. Oppsetningen viser på forbilledlig vis den knuffende, ustabile og til slutt tragiske kombinasjonen av talenter og ambisjoner som utgjør Wildes unike personlighet. Som vanlig forutså han sannheten lenge før kritikerne: «Basil Hallward er den jeg tror jeg er: Lord Henry er den verden tror jeg er: Dorian er den jeg gjerne skulle vært – i en annen tid, kanskje.»