RECENSION: The Picture of Dorian Gray, St James Studio ✭✭✭✭✭

Foto: Evolution Photography The Picture Of Dorian Gray

James Studio Theatre

17 juni 2015

5 stjärnor

Den 20 juni 2015 markerar det exakta jubileet för den första publiceringen av Oscar Wildes roman Dorian Grays porträtt, då som följetong i tidskriften Lippincott's. Även om det gjorts flera försök att dramatisera verket för scen och film, saknas en vedertagen scenversion. Därför känns detta nya initiativ både vältajmat och välkommet. Handlingen är så välkänd att den inte behöver någon närmare presentation, men jag måste ändå börja med att konstatera hur drabbande aktuella dess huvudteman fortfarande känns. I dagens kändiskult, som breder ut sig alltmer i våra skärmar och rubriker, kan en studie av narcissismens natur och konsekvenser knappast vara mer samtida. När de berömda aforismerna dyker upp kan man inte låta bli att tänka att påståendet att ”genialitet varar längre än skönhet” idag snarare är en öppen fråga än ett faktum, och att Wilde snuddade vid en djupare sanning än han själv anade när han konstaterade att ”endast ytliga människor underlåter att döma världen efter dess sken”. Den gnistrande språkliga elegansen och mörkret därunder bevisar sanningen i ett annat citat som skymtar förbi tidigt: ”all konst är på samma gång yta och symbol.”

En stor eloge bör först och främst ges till bearbetningen, utförd med stor omsorg av Merlin Holland (Wildes sonson) och John O’Connor. Vad som är avgörande är att de har gått tillbaka till originaltexterna från både tidskriften och den (längre) romanen, och återinfört flera nyckelrepliker som Wilde av försiktighetsskap strök i den slutgiltiga versionen. Dessa repliker tydliggör pjäsens homoerotiska undertoner och kastar särskilt ljus över Basil Hallwards karaktär – förlorad i en hopplös och hjälplös beundran för Dorian Gray – vilket gör Dorians medvetna manipulation av honom än mer kalkylerad och chockerande. Det finns även många andra mindre justeringar som på ett skickligt sätt fördjupar karaktärsdrag som i originalet endast antyds mellan raderna.

Varje dramatisering kräver att stora delar av berättandet förvandlas till drama, dialog och karaktärsutveckling. Här har produktionsteamet stått inför många svåra vägval, och för det mesta har de träffat helt rätt. Exempelvis har Sibyl Vane (Helen Keeley) utvecklats till en betydligt mer substantiell karaktär än i boken. Man har valt att porträttera henne som en skicklig skådespelerska som drabbas av en ödesdiger dålig kväll, snarare än en medioker talang som endast Dorian ser som ett geni. Detta ger en avsevärd kraft och tragik åt hans avvisande av henne. Detsamma gäller skapandet av Hettie – ytterligare ett offer för Dorians Faust-liknande besatthet – som i romanen endast nämns i förbigående.

Intrigen är kanske den minst trovärdiga, och möjligen minst viktiga, delen av pjäsen. Precis som i en gotisk roman känns slutet märkligt abrupt, en effekt som troget återges i denna uppsättning. Men å andra sidan var intrigen alltid den minst viktiga delen av Wildes konstnärskap i hans komedier, och som helhet står sig denna bearbetning väl i jämförelse med de stora pjäser som bär upp hans rykte. Den fungerar i praktiken som en urtyp. Det finns en inneboende teatralitet i originalet: dialogen harmonierar redan med Wildes dramatik – och delar av den återanvändes faktiskt senare i Solfjädern (Lady Windermere’s Fan). Dessutom relaterar många scener direkt till dåtidens teaterliv. Slutligen skriker hela dragkampen mellan tavla och subjekt, hjälte och avbild, yttre skönhet och själens inre förfall, efter att gestaltas bortom boksidorna. Ridån går upp för en stökig tolkning av en viktoriansk ateljé: stora, sneda och tomma förgyllda ramar, konstnärsmaterial, en schäslong, en piedestal, utspridda stolar och i bakgrunden de slingrande tonerna av en nocturne av Chopin. Basil Hallward (Rupert Mason) lägger sista handen vid sitt porträtt av Dorian Gray (Guy Warren-Thomas) innan de avbryts och utmanas av lord Henry Wotton (Gwynfor Jones). Utöver huvudrollerna bidrar varje skådespelare (utom Warren-Thomas) med en uppsjö av väldefinierade biroller; de fyller scenen med de förnumstiga tjänare, högfärdiga hertiginnor och kluriga hantverkare som utgör den sociala väven i Wildes stora komedier. I denna ytterst sinnliga berättelse är det avgörande att det finns mycket att vila ögonen på, och teamet förtjänar beröm för den vackra scenografin och den parad av tidstypiska kostymer i fantastiska färger och material som passerar revy. Till och med en bikaraktär som lord Henrys fru ser verkligen ut som om hennes böljande klänning var ”designad i en orkan och påtagen i en storm”. Det ligger mycket tanke bakom hur man tilltalar publikens sinnliga fantasi, och regissören har lyckats integrera referenser till Huysmans Mot strömmen och The Yellow Book – båda viktiga inspirationskällor för Wilde – samt gett liv åt Dorians besatthet av tyger och dofter från romanens elfte kapitel.

Det vore ogint att lyfta fram endast en person i denna ensemble – här visas prov på briljans på många plan. Men det räcker med att säga att Warren-Thomas inte vilar på sina lagrar (eller sitt utseende) – han gestaltar resan mot skoningslös grymhet med stor nyansrikedom och mänsklig tvekan. Mason gör Hallward till en betydligt mer sympatisk och plågad gestalt än vanligt, och Keeley skapar en levande, helgjuten karaktär av Sybil. Scen- och kostymbytena är många, men de genomförs så smidigt att de aldrig bryter koncentrationen. Det följsamma och flexibla rörelsemönstret är genomgående ett av produktionens främsta drag, vilket är en bedrift i ett så begränsat och välfyllt spelutrymme.

På sätt och vis är lord Henry den svåraste rollen att bemästra; han ska leverera juvel-liknande epigram samtidigt som de måste ramas in i ett naturalistiskt tal. Att hitta rytmen hos Wilde är oftast nyckeln till en stor rollprestation och en lyckad uppsättning. Hur skapar man ett trovärdigt flöde när epigrammen står i vägen och kräver tid och utrymme för att landa? Ibland kan det verka som om Wilde har serverat sina skådespelare en bricka full med sylt och grädde, men glömt brödet. Gwynfor Jones hanterar denna utmaning mycket fingertoppskänsligt, med mycket rörelse på scen och väl avvägda tempoväxlingar och pauser, nästan som en operasångare som bygger upp en aria. Det är en lektion i retorisk leverans.

Tyvärr spelas denna utmärkta bearbetning endast under en kort period – jag hoppas innerligt att en annan teater kan övertalas att låta oss uppleva denna pjäs med denna ensemble igen, och det snart… Den förtjänar att ses för sina egna kvalitéer, för de nya insikter den ger om ett verk vi tror oss känna så väl, och för vad den berättar om Wilde själv. Den visar på ett exemplarisk sätt den spänning och tragiska kombination av talang och ambition som utgjorde Wildes unika personlighet. Som vanligt såg han sanningen före alla kritiker: ”Basil Hallward är den jag tror att jag är: lord Henry är den världen tror att jag är: Dorian är den jag skulle vilja vara – kanske i en annan tid.”