AVALIAÇÃO: O Retrato de Dorian Gray, St James Studio ✭✭✭✭✭

Foto: Evolution Photography O Retrato de Dorian Gray

St James Studio Theatre

17 de junho de 2015

5 estrelas

O dia 20 de junho de 2015 assinala precisamente o aniversário da primeira publicação, em folhetins de revista, da versão original do romance de Oscar Wilde O Retrato de Dorian Gray. Embora tenham existido várias tentativas de o transformar numa obra para palco e cinema, não há uma versão consensual para representação teatral e, por isso, esta nova empreitada é simultaneamente oportuna e valiosa. O enredo é tão conhecido que dispensa recapitulação, mas, ainda assim, tenho de começar por registar a sensação de relevância contínua e irresistível dos seus temas centrais. Perante o culto da celebridade que se intromete cada vez mais nos nossos ecrãs e nas manchetes, um estudo sobre a natureza e as consequências do narcisismo dificilmente poderia ser mais atual. À medida que os célebres aforismos surgem, é impossível não pensar que «O génio dura mais do que a beleza» seria hoje uma questão em aberto, mais do que uma afirmação, e que Wilde escavou uma verdade mais funda do que imaginava quando escreveu que «só as pessoas superficiais não julgam o mundo pelas aparências». A cintilante destreza verbal e a escuridão por baixo dela demonstram a verdade e a sabedoria de outra frase que passa depressa logo no início: «toda a arte é simultaneamente superfície e símbolo».

Antes de mais, importa prestar homenagem à habilidade da adaptação, realizada com escrupuloso cuidado por Merlin Holland, neto de Wilde, e John O’Connor. De forma crucial, regressaram aos textos originais, tanto da revista como do romance (mais extenso) publicado, e repuseram várias falas-chave que Wilde, por prudência, retirou do texto final consagrado. Estas passagens tornam mais explícitos os diversos subtextos homoeróticos da peça e, em particular, clarificam a personagem de Basil Hallward, perdida numa adoração impotente e sem esperança por Dorian Gray, tornando a manipulação consciente que Dorian exerce sobre Basil ainda mais calculada e chocante. Há muitas outras pequenas alterações que, de forma útil, alisam ou completam aspetos das personagens que, no original, são apenas sugeridos de modo oblíquo.

Qualquer adaptação tem de transformar uma grande quantidade de narrativa — relatada por Dorian — em drama, diálogo e personagem. Há aqui inúmeras escolhas interpretativas a fazer e, na maioria dos casos, a equipa criativa e o elenco acertam em cheio. Por exemplo, Sibyl Vane (Helen Keeley) é desenvolvida como uma figura muito mais substancial do que no original. Opta-se por apresentá-la como uma boa atriz que tem uma noite crucialmente infeliz, em vez de uma péssima canastrona a quem só Dorian quer colocar num pedestal. Isto acrescenta força e pungência à rejeição dela. O mesmo acontece com a criação de Hettie, outra vítima das preocupações faustianas de Dorian, que no romance é apenas mencionada de passagem.

A mecânica do enredo é o aspeto menos credível e talvez o menos importante da peça: como em qualquer romance gótico, o desfecho em particular parece estranhamente abrupto — um efeito aqui reproduzido com precisão. Mas o enredo sempre foi a parte menos importante da arte de Wilde nas suas comédias e, no conjunto, esta adaptação compara-se muito bem com as grandes peças que sustentam a sua reputação. É, na prática, um protótipo. Há uma teatralidade essencial inscrita no original: o diálogo já está muito próximo do teatro de Wilde — e, de facto, parte dele viria a ser reutilizada mais tarde em O Leque de Lady Windermere. Além disso, muitas cenas remetem diretamente para o teatro da época ou nele se situam. Por fim, todo o braço-de-ferro de ida e volta entre o retrato e o retratado, o herói e a imagem, a beleza exterior e a corrupção interior da alma pede representação e encenação para lá da página impressa. Abrimos com uma sugestão apinhada de um estúdio de artista vitoriano: algumas molduras grandes, douradas e vazias, colocadas de forma enviesada, parafernália de pintor, uma chaise longue e um vaso, um espalhar de cadeiras e, ao fundo, as linhas insinuantes de um Nocturno de Chopin. Basil Hallward (Rupert Mason) está a dar os últimos retoques ao seu retrato de Dorian Gray (Guy Warren-Thomas) antes de serem interrompidos e subvertidos por Lord Henry Wotton (Gwynfor Jones). Para além dos papéis principais, cada um dos atores (com exceção de Warren-Thomas) assume uma profusão de personagens bem definidas, povoando o palco com criados sabidos, duquesas altivas e comerciantes astutos — parte da textura social das grandes comédias. Num livro tão sensual, é crucial que haja muito para prender o olhar e, por isso, merece grande crédito a equipa criativa por garantir um cenário bem composto e um desfile maravilhoso de figurinos de época, de tonalidades e texturas deslumbrantes. Até uma personagem menor, como a mulher de Lord Henry, parece verdadeiramente como se o seu vestido ondulante tivesse sido «desenhado numa tempestade e vestido numa tormenta». Houve muito cuidado em apelar à imaginação sensorial do público e, em particular, o encenador encontrou formas de integrar as referências ao livro de Huysmans Às Avessas e ao Yellow Book, ambas inspirações importantes para Wilde, e de corporizar a paixão de Dorian por tecidos e aromas, tal como é narrada no capítulo onze do romance.

Seria injusto destacar um único membro do elenco para elogio — há múltiplas formas de excelência em cena; basta dizer que Warren-Thomas não se limita a repousar sobre os louros da sua aparência: delineia o percurso rumo a uma crueldade implacável com bastante hesitação e detalhe humano. Mason torna Hallward numa figura muito mais simpática e dilacerada do que é habitual, e Keeley cria uma Sibyl real e completa. Inevitavelmente há muitas mudanças de cena e de figurino, mas são feitas com destreza e sem quebrar a nossa concentração. De facto, o movimento fluido e flexível é uma característica marcante de toda a produção — e difícil de alcançar num espaço tão confinado e apinhado.

Em certo sentido, o papel mais difícil de concretizar é o de Lord Henry, que tem de proferir a maioria dos epigramas, brilhantes como joias, enquadrando-os num discurso naturalista. Encontrar o ritmo em Wilde é, em geral, a chave para uma grande interpretação e uma grande produção. Como criar um fluxo verosímil quando os epigramas se atravessam no caminho, exigindo tempo e espaço para serem ditos e reconhecidos? Por vezes, parece que Wilde entregou aos seus atores uma bandeja cheia de compota e clotted cream, e nenhuns scones. Gwynfor Jones enfrenta este desafio com enorme delicadeza, com muito movimento em cena e acelerações e pausas cuidadosamente graduadas e variadas, um pouco como um cantor de ópera  marca uma ária. É uma verdadeira lição de dicção retórica.

Infelizmente, esta excelente adaptação tem uma temporada muito curta — espero sinceramente que outro teatro possa ser persuadido a permitir-nos voltar a ver esta peça com este elenco, e em breve…..Merece ser vista pelas suas próprias qualidades, pelas perspetivas renovadas que traz a uma obra que julgamos conhecer demasiado bem e também pelo que nos diz sobre Wilde. Exibe de forma exemplar a combinação, em choque constante, instável e, em última análise, trágica, de talentos e aspirações que compõem a persona singular de Wilde. Como sempre, ele percebeu a verdade antes de todos os críticos: «Basil Hallward é aquilo que penso ser: Lord Henry é aquilo que o mundo pensa que sou: Dorian é aquilo que gostaria de ser — noutras eras, talvez.»