CRITIQUE : Le Portrait de Dorian Gray, St James Studio ✭✭✭✭✭

Photo : Evolution Photography Le Portrait de Dorian Gray

St James Studio Theatre

17 juin 2015

5 Étoiles

Le 20 juin 2015 marque précisément l'anniversaire de la première publication de la version originale en série du roman d'Oscar Wilde, Le Portrait de Dorian Gray. Bien qu'il y ait eu plusieurs tentatives pour l'adapter au théâtre et au cinéma, il n'existe aucune version acceptée pour la scène, faisant de cette nouvelle initiative à la fois opportune et utile. L'outline de l'histoire est tellement familière qu'elle ne nécessite aucune répétition ici, mais tout de même, je dois commencer par enregistrer mon sentiment concernant la pertinence continue et captivante de ses principaux thèmes. Compte tenu du culte de la célébrité qui envahit toujours davantage nos écrans et nos gros titres, une étude de la nature et des conséquences du narcissisme ne pourrait pas être plus contemporaine. Alors que les célèbres aphorismes se profilent, vous ne pouvez vous empêcher de penser que 'Le génie dure plus longtemps que la beauté' serait de nos jours une question ouverte plutôt qu'une affirmation, et que Wilde a mis en lumière une vérité plus profonde qu'il ne le savait lorsqu'il a affirmé que 'seules les personnes superficielles ne jugent pas le monde par les apparences.' L'adresse verbale scintillante et l'obscurité sous-jacente démontrent la vérité et la sagesse d'un autre dicton qui passe rapidement : 'tout art est à la fois surface et symbole.'

Il faut tout d'abord rendre hommage à l'habileté de l'adaptation, réalisée avec un soin scrupuleux par Merlin Holland, petit-fils de Wilde, et John O’Connor. Crucialement, ils ont repris les textes originaux du magazine et du roman (plus long) publié et ont réintégré plusieurs lignes clés que Wilde avait prudemment omises du texte final standard. Ces lignes rendent plus explicites les divers thèmes homoérotiques de la pièce et en particulier clarifient le personnage de Basil Hallward, perdu dans une adoration désespérée et impuissante de Dorian Gray, et rendent la manipulation consciente de Dorian sur Basil d'autant plus calculée et choquante. Il y a de nombreux autres ajustements mineurs qui permettent d'aplanir ou de combler des aspects des personnages qui ne sont qu'obliquement impliqués dans l'original.

Toute adaptation doit transformer énormément de narratif, rapporté par Dorian, en drame, dialogue et personnage. Un grand nombre de choix d'interprétation doivent être faits ici, et pour la plupart, l'équipe créative et les acteurs font les bons choix. Par exemple, Sibyl Vane (Helen Keeley) est développée pour devenir un personnage beaucoup plus substantiel ici que dans l'original. Le choix est fait de la présenter comme une bonne actrice ayant une mauvaise soirée cruciale plutôt que comme une terrible cabotine que seul Dorian désire mettre sur un piédestal. Cela ajoute une force considérable et une poignante à son rejet. De même, avec la création de Hettie, une autre victime des préoccupations faustiennes de Dorian, décrite seulement en passant dans le roman.

La trame est l'aspect le moins crédible et peut-être le moins important de la pièce : tout comme dans n'importe quel roman gothique, la fin en particulier semble particulièrement abrupte, un effet fidèlement reproduit dans cette adaptation. Mais l'intrigue a toujours été la partie la moins importante de l'art de Wilde dans ses comédies et dans l'ensemble, cette adaptation se compare bien aux grandes pièces qui soutiennent sa réputation. En effet, c'est un prototype. Il y a une théâtralité intégrée dans l'original : le dialogue est déjà en harmonie avec le travail théâtral de Wilde – et certaines parties ont même été réutilisées plus tard dans Lady Windemere’s Fan. De plus, de nombreuses scènes se rapportent ou sont basées dans le théâtre contemporain. Enfin, toute la lutte entre l'image et le sujet, le héros et l'image, la beauté extérieure et la corruption interne de l'âme crie pour une représentation et une action au-delà de la page imprimée. Nous ouvrons sur une suggestion désordonnée d'un studio d'artiste victorien : des grands cadres dorés déséquilibrés et vides, le matériel de l'artiste, une chaise longue et un bac à fleurs, une dispersion de chaises, et en arrière-plan les lignes insinuantes d'un Nocturne de Chopin. Basil Hallward (Rupert Mason) met la touche finale à son portrait de Dorian Gray (Guy Warren-Thomas) avant qu'ils ne soient interrompus et subvertis par Lord Henry Wotton (Gwynfor Jones). En plus des rôles principaux, chacun des acteurs (à part Warren-Thomas) apporte une pléthore de rôles de personnages bien définis, peuplant la scène de domestiques avertis, duchesses supercilieuses et commerçants rusés qui font partie de la texture sociale des grandes comédies. Dans ce livre le plus sensuel, il est crucial qu'il y ait beaucoup à retenir l'œil, et donc grand crédit revient à l'équipe créative pour s'assurer que le décor est bien dressé et qu'une parade merveilleuse de costumes d'époque de teinte et de texture magnifiques passe devant nous. Même un personnage mineur, comme la femme de Lord Henry, semble vraiment que sa robe flottante a été 'conçue dans une tempête et habillée dans un orage.' Beaucoup de réflexion a été mise sur la façon de plaire à l'imagination sensuelle du public, et en particulier le metteur en scène a trouvé des moyens d'intégrer les références au livre de Huysmans A rebours et au Livre jaune, tous deux sources d'inspiration importantes pour Wilde, et de donner corps à l'amour de Dorian pour les tissus et les parfums tel que raconté au chapitre onze du roman.

Il serait inopportun de distinguer un quelconque membre de cette distribution pour les éloges - il y a de nombreuses formes d'excellence en exposition; mais il suffit de dire que Warren-Thomas ne se repose pas sur les lauriers de son apparence - il marque le chemin vers la cruauté impitoyable avec beaucoup d'hésitation et de détails humains. Mason fait de Hallward un personnage beaucoup plus sympathique et angoissé que d’habitude, et Keeley crée un personnage réel et arrondi à partir de Sybil. Inévitablement, il y a beaucoup de changements de scènes et de costumes mais ceux-ci sont effectués avec dextérité et sans interrompre notre concentration. En fait, le mouvement fluide et flexible est une caractéristique de toute la production, et difficile à réaliser dans un espace aussi confiné et encombré.

D'une certaine manière, le rôle le plus difficile à accomplir est celui de Lord Henry, qui doit délivrer la plupart des épigrammes joaillés tout en les encadrant dans un discours naturaliste. Trouver le rythme de Wilde est généralement la clé d'une grande performance et production. Comment créer une continuité plausible lorsque les épigrammes se dressent sur votre chemin, exigeant du temps et de l'espace pour la livraison et la reconnaissance? Parfois, il semble que Wilde ait assigné à ses acteurs un plateau plein de confiture et de crème, mais pas de scones. Gwynfor Jones navigue dans ce défi très délicatement, avec beaucoup de mouvements scéniques, et une accélération et des pauses soigneusement modulées et variées, un peu comme un chanteur d'opéra bloque une aria. C’est une leçon magistrale de livraison rhétorique.

Malheureusement, cette excellente adaptation a une très courte durée – j'espère qu’un autre théâtre pourra être convaincu de nous laisser expérimenter cette pièce avec cette distribution une fois de plus - et bientôt..... Elle mérite d'être vue pour ses propres qualités, pour les nouvelles perspectives qu'elle apporte à une œuvre que nous pensons connaître trop bien, et pour ce qu'elle nous dit de Wilde également. Elle met en valeur de manière exemplaire la combinaison incertaine, instable et finalement tragique de talents et aspirations qui composent le personnage unique de Wilde. Comme d’habitude, il avait perçu la vérité bien avant tous les critiques: 'Basil Hallward est ce que je pense être : Lord Henry est ce que le monde pense de moi : Dorian est ce que j'aimerais être - dans d'autres âges, peut-être.'