INTERVIEW: Olivier-preisgekrönter Schauspieler Giles Terera

Mark Ludmon interviewt Olivier-Preisträger Giles Terera, der sich nach Hamilton auf seine nächste grosse Rolle vorbereitet

Nach einem einjährigen, mit dem Olivier Award ausgezeichneten Lauf als Aaron Burr in Hamilton bereitet sich Giles Terera auf eine Rolle vor, die weit entfernt ist von Lin-Manuel Mirandas Rap- und Hip-Hop-Musical. Derzeit probt er für eine neue Adaption von Ibsens Drama Rosmersholm (1886), das ab dem 24. April im Duke of York’s Theatre im Londoner West End zu sehen sein wird. Er spielt Andreas Kroll, einen konservativen Lehrer, der versucht, seinen Schwager John Rosmer (Tom Burke) davon abzuhalten, sein traditionelles Erbe zugunsten radikaler politischer Reformen aufzugeben – verkörpert durch Hayley Atwells freigeistige Rebecca. Giles sieht das jedoch gar nicht als so anders an als Hamilton, nachdem er im Laufe seiner Karriere sowohl im Musiktheater als auch im Sprechtheater Erfolge gefeiert hat. „Ich finde, Erzählen ist Erzählen, Menschen sind Menschen, und Bedürfnisse sind Bedürfnisse“, erklärt er. „Egal, welches Vehikel man nutzt, um eine Geschichte zu erzählen – die Geschichte bleibt dieselbe. In unserer Gesellschaft muss alles seinen Platz haben; wir möchten Dinge gern etikettieren und in Schubladen stecken, und dazu neige ich nicht. Ich glaube: Wenn du Künstler*in bist – ob Tänzer*in, Schauspieler*in, Autor*in oder Maler*in –, dann zieht es dich zu den Künsten, weil du etwas ausdrücken willst, das du gefühlt, erlebt oder gesehen hast.“

Giles Terera als Aaron Burr mit der West-End-Besetzung von Hamilton Bevor Giles im Dezember 2017 zur Originalbesetzung der Londoner Produktion von Hamilton am Victoria Palace Theatre stiess, konnte er bereits eine beeindruckende Musical-Bilanz vorweisen – seit er 1999 am National Theatre die Hauptrolle des hässlichen „Entleins“ in Stiles und Drewes Olivier-ausgezeichnetem Honk! gewann. Es folgten Engagements u. a. in The Book of Mormon, Rent und Avenue Q, wo er Gary Coleman spielte. Obwohl Giles an der Musical-Hochburg Mountview Academy ausgebildet wurde, machte er einen Abschluss in Schauspiel, der ihn in nicht-musikalische Rollen in Sprechstücken führte – vor allem bei der Royal Shakespeare Company und am National Theatre. In den vergangenen drei Jahren war er in August Wilsons Ma Rainey’s Black Bottom (National Theatre), Shakespeares The Merchant of Venice (Shakespeare’s Globe) und Brechts The Resistible Rise of Arturo Ui (Donmar Warehouse) zu sehen. „Die Leute wollen mich schon gern in eine Schublade stecken, aber ich konzentriere mich darauf nicht zu sehr“, sagt er. „Ich mache immer gern unterschiedliche Sachen. Es reizt mich, wenn es etwas ist, das ich noch nie gemacht habe.“ Da er noch nie in einem Ibsen-Stück gespielt hat, sei das einer der Gründe gewesen, warum ihn Rosmersholm angezogen habe, fügt er hinzu. „Ich kenne Ibsen eigentlich nur über ein paar seiner bekannteren Werke – deshalb ist es besonders reizvoll: Wie ist es, ein paar Monate in dieser Welt zu verbringen, und wie wird mich das dehnen und herausfordern? Denn ich will das machen, was mich herausfordert und begeistert.“

Giles Terera in The Resistible Rise Of Arturo Ui

Genau das habe ihn auch zu Hamilton hingezogen. „Ich wusste, dass ich einer solchen Art von Schreiben und dieser Art des Erzählens in dieser Form vorher noch nicht begegnet war“, erinnert er sich. „Die Musik, die unglaubliche Art, wie es inszeniert ist, und die Choreografie – das ist Erzählen auf allerhöchstem Niveau.“ Nachdem er die Rolle des Burr Anfang Dezember an Sifiso Mazibuko übergeben hatte, ging er ein paar Wochen später als Zuschauer wieder in die Show. „Ich habe Rotz und Wasser geheult“, sagt er. „Es war sehr bewegend, das zu sehen. Es waren nur sieben oder acht von uns, die gegangen sind, aber Jam war immer noch grossartig als Hamilton, ebenso Cleve und Jason. Es war toll zu sehen, wie neue Leute das machen und andere Facetten hineinbringen. Während wir gespielt haben, war ich meist vorn an der Rampe – und es war schön, wieder an die Detailarbeit des Stücks erinnert zu werden: die Details der Choreografie, der Inszenierung und des Storytellings.“ Der Erfolg von Hamilton und seine riesige Fangemeinde hätten dazu geführt, dass sich das Spielen in der Show wie eine „riesige Verantwortung“ anfühlte, ergänzt Giles. „Wie die Menschen zu dieser Show stehen, ist etwas ganz Besonderes, und es ist grossartig, in der Nähe einer solchen Energie zu sein. Diese Verbindung, die das Publikum zum Stück hat, ist im Theater und auch ausserhalb davon greifbar – und es ist eine echte Freude, das mitzuerleben. Du könntest jedes der 1.500 Menschen im Publikum fragen, was ihnen an der Show gefällt, und du würdest wahrscheinlich 1.500 verschiedene Antworten bekommen. Für mich war es eine Kombination daraus, dich mit wirklich grossartigen Melodien und starken Lyrics zu packen – und dabei eine echte, grundlegende Geschichte über menschliche Erfahrungen zu erzählen.“

In dieser Hinsicht vergleicht Giles Lin-Manuels Schreiben mit dem von Shakespeare und Ibsen. „Alle guten Autor*innen – egal, wie unterschiedlich sie sind oder welche Hintergründe sie haben – interessieren sich für die menschliche Erfahrung und für die wesentlichen Beziehungen der Menschen zueinander: zu ihren Kindern, zu ihren Eltern, zu den Menschen, die sie lieben. Darauf konzentriert sich Lin-Manuel ganz besonders. In Hamilton ist das vor dem riesigen geopolitischen Hintergrund des Amerikanischen Unabhängigkeitskriegs angesiedelt, aber er zoomt gleichzeitig wunderbar auf die zentralen menschlichen Beziehungen – und genau das macht Ibsen auch.“ Hamiltons Reiz verdanke sich zudem Lin-Manuels „Liebe zur Sprache, zu Bildern und zu Reimen“, ergänzt Giles. „Ich habe es ein Jahr lang gespielt, und ich habe nie aufgehört, über seine Freude an der Sprache und sein spielerisches Umgehen damit zu staunen – und davon gefesselt zu sein.“ Giles zieht Parallelen dazu, wie Sprache von Autor*innen und Politiker*innen während des Amerikanischen Unabhängigkeitskriegs genutzt wurde, und dazu, wie moderne US-Künstler*innen Rap und Hip-Hop nutzen, um sich auszudrücken. „Keine seiner Figuren benutzt Sprache einfach um der Sprache willen, sondern um Veränderung herbeizuführen. Wie Shakespeare sagt Lin-Manuel: Menschen benutzen Sprache, um andere Menschen zu verändern.“

Giles Terera in Pure Imagination. Foto: Annabel Vere

Gesellschaftlicher und politischer Wandel war für Ibsen die Inspiration, als er Rosmersholm schrieb. 1885 kehrte er nach 27 Jahren im selbstgewählten Exil in seine Heimat Norwegen zurück – und fand das Land im Aufruhr. Wie Giles erklärt, „war er schockiert darüber, was politisch passierte, wie viel Aggression und Streit es auf beiden Seiten gab und wie hässlich die Atmosphäre zwischen den Lagern war“. In seiner Darstellung eines Menschen, der zwischen einer traditionalistischen Vergangenheit und einer liberalen Zukunft zerrissen ist, klingt Rosmersholm bis heute nach. „Leider mögen Menschen Zyklen ziemlich gern, und in den dazwischenliegenden 133 Jahren gibt es immer wieder Zeiten, in denen Gesellschaften und Gemeinschaften durch dasselbe gehen: Wie kommunizieren wir miteinander, wie hält eine Gesellschaft zusammen? In gewisser Weise ist das Hamilton sehr ähnlich: Unabhängigkeit wird gewonnen, und dann fragt man: ‚Wie schmieden wir aus so unterschiedlichen, gegensätzlichen Ansichten eine Gemeinschaft, eine Gesellschaft?‘ Wenn eine Gesellschaft überleben soll, muss sie einen Weg finden, miteinander zu kommunizieren – und genau da stehen wir gerade.“ Während Rosmersholm weiterhin im Norwegen des späten 19. Jahrhunderts spielt, wurde es von Duncan Macmillan adaptiert, der für seine schonungslose Bühnenversion von 1984 mit Robert Icke viel Anerkennung erhielt. „Das Grossartige an dieser Adaption ist, wie Duncan Macmillan die Dringlichkeit des Stücks und die Spannung und den Druck, unter dem die Figuren stehen – besonders Rosmer –, herausgearbeitet hat und dabei zugleich die Schönheit der Sprache und der Bilder bewahrt“, sagt Giles.

Giles in Ma Rainey's Black Bottom. Foto: Johan Persson

Diese Aktualität hilft auch, Kritiker*innen herauszufordern, die darauf bestehen, Stücke von „toten weissen Männern“ hätten im heutigen Theater keinen Platz mehr – doch Giles ist der Meinung, dass noch mehr getan werden muss, um die Vielfalt des modernen Grossbritanniens abzubilden. „Die Welt verändert sich, und wenn Gesellschaften wachsen, bewegen wir uns hoffentlich in reichere Richtungen – was unsere Communities angeht: wie sie aussehen, wie sie sich anfühlen, wie sie klingen. Daher sollte die Kunst, die wir schaffen, diese Gesellschaft widerspiegeln.“ Von der Gender-Pay-Gap und fehlenden Chancen für weisse Kreative aus der Arbeiterklasse bis hin zum Mangel an Rollen für asiatische und nahöstliche Schauspieler*innen: Er glaubt, dass in der Theaterbranche weiterhin dringend gehandelt werden muss – so wie es auch in der Gesellschaft insgesamt Herausforderungen gibt, die etwa durch den Windrush-Skandal, das Versagen bei der Unterbringung der Bewohner*innen von Grenfell Tower und die anhaltende Präsenz von Bandenkriminalität und Messergewalt sichtbar werden. „Das, was in unserer Gesellschaft passiert, spiegelt sich ziemlich direkt in dem wider, was in unserer Branche passiert. Viele dieser Ideen und Vorurteile sind tief verankert und müssen deshalb ans Licht gebracht werden. Sie müssen offengelegt werden – und damit anerkannt und besprochen. Und es muss eine Atmosphäre geben, in der Menschen das Gefühl haben, solche Gespräche führen zu können. Wenn wir zu dem zurückkommen, worum es in Rosmersholm geht: Menschen müssen zunächst die Realität des Lebens anderer anerkennen und dann einen Weg finden zu kommunizieren, um voranzukommen.“ Es liege an den „Gatekeepern unserer Kulturinstitutionen“, den Weg zu weisen und die Gesellschaft abzubilden, fügt er hinzu. „Ich glaube, es gibt einen echten Willen, das zu tun – aber es braucht Antrieb und Initiative. Es ist das eine, darüber zu reden; es ist etwas anderes, aufzustehen und tatsächlich etwas zu tun. Ich denke, es gibt eine Zeit zum Reden, und es gibt eine Zeit zum Handeln.“

Als ich Giles in einem Studio in Southwark treffe, ist die Besetzung gerade etwas mehr als halb durch fünfeinhalb Wochen Proben – länger als die üblichen drei bis vier Wochen für kommerzielle West-End-Stücke. Das war eine grossartige Gelegenheit für Regisseur Ian Rickson, gemeinsam mit dem Ensemble Text und Figuren zu erforschen; dazu gehören auch Peter Wight, Lucy Briers und Jake Fairbrother. „Wir spielen viele ‚Spiele‘ und improvisieren kleine Momente“, sagt Giles. „Wenn eine Figur über ein Ereignis spricht, das in der Vergangenheit passiert ist, erforschen wir das vielleicht ein paar Minuten und schauen, wie dieses Ereignis gewesen sein könnte – weil es bei Ibsen so stark darum geht, was früher passiert ist. Das sind sehr einfache situationsbezogene Improvisationen, die uns als Schauspieler*innen zu einem reicheren Verständnis der Geschichte, der Figuren und der Beziehungen zwischen den Menschen führen.“

Giles im Cabaret.

Rosmersholm hält Giles bis zum Ende der Spielzeit am 19. Juli auf Trab, aber er arbeitet auch an einigen weiteren Projekten, darunter an der frühen Entwicklung einer Idee mit Produzent Cameron Mackintosh – alles, was Giles verraten kann, ist, dass es um „eine historische Figur“ geht. Weiter fortgeschritten ist The Meaning of Zong, ein Stück, das er für das Bristol Old Vic geschrieben hat: Es erzählt die wahre Geschichte eines Massakers an Bord des Sklavenschiffs Zong im Jahr 1781, das ein Auslöser für die britische Abolitionistenbewegung war. Nach einem Workshop im vergangenen Oktober hofft man, es noch später in diesem Jahr in Bristol auf die Bühne zu bringen. Ausserdem arbeitet er an einem Buch, das jungen Schauspieler*innen und Theatermacher*innen Orientierung geben soll. „Junge Künstler*innen zu unterstützen ist sehr wichtig, weil es für junge Schauspieler*innen aus bestimmten Hintergründen zunehmend schwierig wird.“ Deshalb habe er sich auch sehr gefreut, in den Vorstand von Mountview eingeladen worden zu sein, um die Ausbildung der nächsten Generation von Schauspieler*innen und Kreativen zu unterstützen.

Giles hat ausserdem Zeit gefunden, drei Konzertabende mit Special Guests im Crazy Coqs in der Brasserie Zédel in London einzuschieben – am 12. und 26. Mai –, bei denen er Musik aus den Shows feiern wird, in denen er mitgewirkt hat, ebenso wie Klassiker, die ihn auf seinem Weg inspiriert haben. „Früher habe ich immer, wenn es ging, recht viele Konzerte gemacht, aber wegen Hamilton habe ich in den letzten paar Jahren eigentlich keine mehr gemacht“, fügt er hinzu. „Es ist wahnsinnig aufregend. Wenn du vor einem Mikrofon stehst und eine Band hinter dir ist, bin ich es immer noch, der eine Geschichte über einen Menschen erzählt, der in einer Situation steckt. Die Art, wie die Geschichte erzählt wird, ist vielleicht ein bisschen anders – aber die Geschichte bleibt die Geschichte.“

Rosmersholm ist ab dem 24. April 2019 im Duke of York's Theatre in London zu sehen.

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