REZENSION: 46 Beacon, Hope Theatre ✭✭✭✭

46 Beacon

Hope Street Theatre

05/10/15

4 Sterne

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Das Bühnenbild ist schlicht, aber klar – ein Doppelbett, dazu an verschiedenen Stellen kleine Beistelltische. Alles Nötige für Gin Tonic, ein Plattenspieler und ein Stapel LPs aus den späten Sechzigern. Judy, Sondheim, Streisand sind die Bezugspunkte. Spärlich eingerichtet, aber ordentlich und sauber – eine günstige Absteige in der Beacon Street in Boston, frequentiert von Schauspielern, die für eine Spielzeit in der Stadt engagiert sind.

Ein Eröffnungsmonolog von einschmeichelndem Charme zeichnet das Bild weiter aus, als Robert (Matthew Baldwin) für uns die Szene historisch, geografisch und emotional verortet. Es ist 1970, mitten in einer laufenden Produktion in der Bostoner Theaterwelt. Robert ist zum ersten Mal seit Längerem wieder in Amerika – und hat sowohl bei der Arbeit als auch privat eine grossartige Zeit. Für ihn ist es eine Ära sexueller Befreiung und Überschwangs, in der traditionelle Grenzen verschwimmen; selbst für jemanden wie Robert, der sich dem mittleren Alter nähert, war das Leben noch nie so gut. Robert ist der typische Brite im Ausland: trocken, skeptisch und zurückhaltend – und zugleich vollkommen bewusst, dass er sich in den USA, gerade zu dieser Zeit, ohne grosse Konsequenzen neu erfinden kann.

Uns wird klar, dass wir gleich die Geschichte einer bedeutenden Begegnung im Schlafzimmer sehen werden – und des Vermächtnisses, das sie hinterlassen hat: die Erinnerung an einen einzigartigen Moment, in dem zwei Menschen ganz im Hier und Jetzt zusammen lebten, und von da an im Gedächtnis. Der Monolog ist entscheidend, um diese Atmosphäre romantischer und sexueller Erwartung mit einem Unterstrom von Bedauern aufzubauen – und er ist ein Lehrstück darin, wie man Ton und Stimmung etabliert und fein moduliert. Das ist nur das erste von vielen Beispielen für das Können des Dramatikers Bill Rosenfield, der im Verlauf der Handlung Figuren mit detaillierten Pinselstrichen aus ironischer Komik und glaubwürdiger Romantik entstehen lässt.

Robert ist ein Schauspieler, der sein Alter spürt – und die Folgen von Entscheidungen, die er nun bereut. Nach Jahren, in denen er von seinem guten Aussehen in romantischen Komödien als männlicher Ingénue profitierte, hat er das Gefühl, die Chance verpasst zu haben, sein Talent in riskanterem Stoff wirklich auszuschöpfen. Auch privat ist er an einem Plateau angekommen. Zu Hause hat er einen langjährigen Partner, doch beide haben vereinbart, eine Zeit getrennt zu verbringen, um ihre Zukunft zu überdenken.

Robert begegnet in seinem Hotelzimmer Alan (Jak Ford-Lane), der in derselben Produktion als ASM arbeitet. Er ist ein junger Kerl aus Ohio, unsicher in Bezug auf seine Sexualität und überhaupt nicht klar darüber, was er von und mit Robert will – ausser, dass er Roberts Gesellschaft auf unterschiedliche Weise anziehend findet.

Von Beginn an ist klar, dass dieses Stück – das achtzig Minuten ohne Pause durchläuft – potenziell ein Drama über Coming-out und sexuelle Initiation ist, und tatsächlich wird es beides. Doch es spricht für die Qualität des Textes und der Darsteller, dass es weit mehr als das wird. Rosenfield spielt seine Karten eng am Körper und lässt uns lange rätseln. Zudem gibt es dieselbe sorgfältige Variation von Ton und Intensität, die bereits ganz am Anfang spürbar war.

Einige Passagen besitzen echte sexuelle Spannung – darunter eine Fussmassage, die nur zeigt, dass weniger oft mehr ist, sobald die Fantasie des Publikums erst einmal in Gang gesetzt wird! Gleichzeitig gibt es mehrere Momente der Ruhe und Reflexion, die uns erlauben, Jaks Ängste, Sorgen und Verwirrung in Echtzeit zu hören und zu verstehen. Vor allem aber gibt es viel Witz, Humor und Zärtlichkeit. So entsteht ein ausgewogenes, vielschichtiges Stück, in dessen Zentrum zwar eine Erzählung der Verführung steht, die jedoch nuanciert ist und durch die unterschiedlichen Perspektiven geprägt wird, die ein Altersunterschied von 20 Jahren mit sich bringt.

Nur das Ende wirkt, bei aller Plausibilität, wie eine verpasste Chance. Nachdem uns das Stück so weit in die Gedankenwelten dieser beiden Männer geführt und die Bedeutung dieser Begegnung für beide aufgebaut hat, empfand ich das sanfte Auslaufen der Handlung – so lebensnah es vielleicht ist – dramaturgisch als enttäuschend. Das ist kein Ruf nach unverdienten melodramatischen Wendungen, eher nach einer symmetrischen Rahmung durch einen Monolog – etwa einem Brief von einer Figur an die andere, der die hervorragende Stimmungszeichnung des Anfangs gespiegelt und ausbalanciert hätte.

Im Zentrum des Erfolgs des Abends stehen zwei sehr starke Darbietungen. Baldwin nutzt seine umfangreiche Erfahrung in diesem Repertoire als Schauspieler und Autor, um ein einprägsames Porträt von Roberts Charme, seinen Reuegefühlen und seinem im Kern ungelösten Leben zu zeichnen. Es ist eine heikle Aufgabe, das Bild eines selbstbewussten Verführers neben dem eines Mannes zu zeigen, der von inneren Konflikten und Spannungen zerrissen ist – doch er gelingt ihm mit grosser Kunst und Humor sowie mit exquisiten Variationen im Tempo.

Nicht weniger subtil ist Ford-Lanes Interpretation des scheinbar unschuldigen und naiven Jak. Im Verlauf des Stücks beginnen wir zu hinterfragen, ob Jak wirklich so unbeschrieben ist, wie er behauptet. Wie viel von dem, was er sagt, stimmt vollständig? Was will er wirklich aus dieser Begegnung? Zudem spüren wir durch diese starke, sorgfältig kalkulierte Darstellung allmählich, wie sich die Machtverhältnisse in den späteren Szenen verschieben.

Über Jak – mehr als über Robert – werden einige der wichtigsten Fragen zu schwulen Beziehungen verhandelt: etwa ob Liebe und Sex zusammengehören oder getrennt sein können und welche Konsequenzen unterschiedliche Wege nach sich ziehen; oder ob die Entscheidungen von Roberts neu befreiter Generation langfristig die klügsten waren. Wohltuend ist, diese Themen einmal ausserhalb der Perspektive von HIV/AIDS diskutiert zu sehen – ein weiterer Grund, die Entscheidung des Autors zu loben, die Handlung 1970 anzusiedeln. Regisseur Joshua Stamp-Simon gibt ein gutes Tempo vor und sorgt dafür, dass die Darsteller den begrenzten Raum voll ausschöpfen.

Musik und Musicaltheater schweben als wichtiger Hintergrund über diesem Stück. Rosenfield betreute über viele Jahre Show-Aufnahmen in New York, darunter zahlreiche Werke von Sondheim. Es überrascht daher nicht, dass das Stück prägnante musikalische Einsprengsel und viele augenzwinkernde Verweise auf Sondheim-Songs enthält. Company wird ausdrücklich erwähnt – und in gewisser Weise ist dieses ganze Stück eine Fortschreibung von „Barcelona“. „Meine Schuld, fürchte ich“, sagt eine der Figuren gegen Ende, und bei dieser Anrufung von A Little Night Music erkennt man plötzlich den gemeinsamen Ton romantischen Bedauerns und halbfarcenhafter verpasster Chancen – und die Quellen jener Dilemmata, die das Stück zu dramatisieren versucht. Mag es auch ein spezifisch schwules Stück sein, seine emotionalen Pfeiler stehen als allgemeine, zeitlose Themen aufrecht. Ein letzter Punkt – hoffentlich nicht kleinlich … The Hope Theatre ist ein kleiner, intimer Raum, der viel Anerkennung für seine mutige Repertoirewahl und seine vorbildliche Haltung zu fairen Gagen für die Schauspielerinnen, Schauspieler und Kreativen verdient, die dort arbeiten. Umso schöner wäre es, wenn ein wohlhabender Gönner aus den stuckverzierten, hochzeitstortenhaften Villen des benachbarten Barnsbury eine bessere Schalldämmung finanzieren könnte. In diesem feinen Drama waren die Sirenen und das Zischen und Seufzen der vorbeifahrenden Autos im Regen auf der Upper Street sehr ablenkend. Die Darsteller verdienen Besseres. 46 Beacon läuft im Hope Theatre bis zum 12. Oktober 2015