RECENSIONE: 46 Beacon, Hope Theatre ✭✭✭✭

46 Beacon

Hope Street Theatre

05/10/15

4 stelle

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La scenografia è semplice ma chiarissima: un letto matrimoniale e, qua e là, tavolini d’appoggio in punti diversi. L’occorrente per un gin tonic, un giradischi e una pila di LP della fine degli anni ’60. Judy, Sondheim, Streisand sono i riferimenti. È spartano, ma ordinato e pulito: una pensione economica in Beacon Street, a Boston, frequentata dagli attori di passaggio che recitano in città per una stagione.

Un monologo iniziale dal fascino insinuante definisce il quadro mentre Robert (Matthew Baldwin) ci prepara la scena sul piano storico, geografico ed emotivo. Siamo nel 1970, nel mondo del teatro di Boston, nel pieno di una tournée. Robert è tornato in America per la prima volta dopo un po’ di tempo e se la sta passando alla grande, tra lavoro e divertimento. Per lui è un’epoca di liberazione sessuale ed esuberanza, in cui i confini tradizionali si stanno sgretolando; e anche per uno come Robert, che si avvicina alla mezza età, la vita non è mai stata così buona. Robert è il tipico britannico all’estero: ironico, scettico e riservato, ma perfettamente consapevole che negli Stati Uniti — e in particolare in quel periodo — può reinventarsi senza conseguenze.

Capendo presto che ciò a cui stiamo per assistere è la storia di un incontro importante in camera da letto, che ha lasciato un’eredità significativa: la traccia di un momento unico, in cui due persone hanno vissuto insieme pienamente nel presente e poi, da lì in avanti, nel ricordo. Il monologo è fondamentale per creare quest’atmosfera di attesa romantica e sessuale, con una corrente sotterranea di rimpianto, ed è un vero caso di studio su come impostare e modulare il tono. È solo il primo di molti esempi dell’abilità del drammaturgo Bill Rosenfield nel tratteggiare i personaggi con pennellate precise di commedia ironica e romanticismo credibile, mentre l’azione si sviluppa.

Robert è un attore che sente il peso dell’età e le conseguenze di decisioni che ora rimpiange. Dopo anni passati a capitalizzare il suo bell’aspetto in ruoli da ingénue maschile nelle rom-com, sente di aver rinunciato alla possibilità di sviluppare fino in fondo il proprio talento in lavori più rischiosi. È arrivato anche a un punto morto nella vita personale. A casa ha un compagno di lunga data, ma hanno deciso di prendersi del tempo separati per riconsiderare il loro futuro.

A raggiungere Robert nella sua stanza d’albergo è Alan (Jak Ford-Lane), che lavora come assistente di scena nella stessa produzione. È un ragazzo dell’Ohio, incerto sulla propria sessualità e per nulla sicuro di cosa voglia da Robert e con Robert, se non che ne trova la compagnia irresistibile in diversi modi.

Fin dall’inizio è chiaro che questo testo — ottanta minuti senza intervallo — potrebbe essere un dramma sul coming out e sull’iniziazione sessuale; e in effetti diventa entrambe le cose. Ma è merito della scrittura e degli interpreti se diventa anche molto di più. Rosenfield gioca le sue carte con cautela e ci lascia a lungo nell’incertezza. Inoltre, ritroviamo la stessa attenta variazione di tono e intensità che era già presente fin dall’avvio.

Ci sono momenti di autentica elettricità erotica — incluso un massaggio ai piedi che dimostra come, spesso, meno sia davvero di più, una volta accesa l’immaginazione del pubblico! Ma ci sono anche diversi spazi di pausa e riflessione che ci permettono di ascoltare e comprendere in tempo reale le paure, le ansie e la confusione di Jak. Soprattutto, c’è molta arguzia, humour e tenerezza. Ne risulta una scrittura equilibrata e ricca di sfumature, con una narrazione centrale di seduzione, ma filtrata e modulata dalle diverse prospettive che può portare una differenza d’età di vent’anni.

Solo il finale, pur restando credibile, sembra un’occasione mancata. Dopo averci condotti così a fondo nei mondi interiori di questi due uomini e aver costruito l’importanza di questo incontro per entrambi, ho trovato che il lento affievolirsi del racconto — per quanto forse realistico — sia stato, sul piano drammaturgico, deludente. Non è un invito a colpi di scena melodrammatici e gratuiti; piuttosto, a una cornice più simmetrica, magari con un monologo di chiusura — una lettera, per esempio, da un personaggio all’altro — che potesse rispecchiare e bilanciare l’eccellente costruzione d’atmosfera dell’apertura.

Al centro del successo della serata ci sono due interpretazioni davvero notevoli. Baldwin mette a frutto tutta la sua ampia esperienza in questo repertorio, come attore e autore, per regalarci un ritratto memorabile del fascino, dei rimpianti e della vita sostanzialmente irrisolta di Robert. Presentare insieme l’immagine di un seduttore sicuro di sé e quella di un uomo lacerato da conflitti e tensioni interiori di ogni tipo è un compito difficile; eppure lui lo affronta con grande perizia e humour, e con raffinatissime variazioni di ritmo.

Non è da meno, per sottigliezza, l’interpretazione di Ford-Lane del Jak apparentemente innocente e ingenuo. Man mano che lo spettacolo procede, veniamo portati a chiederci se Jak sia davvero il foglio bianco che dice di essere. Quanto di ciò che racconta è completamente vero? Che cosa vuole davvero da questo incontro? Inoltre, è proprio grazie a questa prova intensa e attentamente calibrata che, nelle scene finali, percepiamo gradualmente il ribaltamento dei rapporti di forza.

È attraverso Jak, più che attraverso Robert, che vengono poste alcune delle domande più importanti sulle relazioni gay: sulla connessione o separazione tra amore e sesso e sulle conseguenze che derivano da percorsi diversi; oppure se, nel lungo periodo, le scelte della generazione di Robert — appena “liberata” — siano state le più sagge. È positivo vedere questi temi discussi, una volta tanto, al di fuori della prospettiva dell’HIV/AIDS, e questo è un ulteriore motivo per apprezzare la scelta dell’autore di ambientare l’azione nel 1970. Il regista Joshua Stamp-Simon imprime un buon ritmo e fa sì che gli attori sfruttino al massimo lo spazio limitato.

La musica e il teatro musicale aleggiando sullo sfondo hanno un peso importante. Per molti anni Rosenfield ha supervisionato registrazioni di spettacoli a New York, anche per numerose opere di Sondheim. Non sorprende quindi che il testo contenga interventi musicali significativi e molti riferimenti “da intenditori” alle canzoni di Sondheim. Company viene citato esplicitamente — e, per certi versi, l’intero spettacolo è un’estensione di “Barcelona”. «Temo sia colpa mia», dice uno dei personaggi verso la fine, e con quell’eco di A Little Night Music ci si rende improvvisamente conto della tonalità comune di rimpianto romantico e di occasioni mancate quasi farsesche, e delle fonti dei dilemmi che il testo intende mettere in scena. Può anche essere un’opera specificamente gay, ma i suoi pilastri emotivi restano saldi come temi universali e senza tempo. Un’ultima osservazione, spero non pedante… The Hope Theatre è uno spazio piccolo e intimo, che merita grande riconoscimento per le sue scelte di repertorio coraggiose e per la posizione esemplare sui compensi per attori e creativi che vi lavorano. Detto questo, sarebbe meraviglioso se qualche facoltoso mecenate delle ville in stucco “a torta nuziale” della vicina Barnsbury potesse finanziare un migliore isolamento acustico. In questo dramma così delicato, le sirene e il fruscio-sospiro delle auto che passavano sotto la pioggia su Upper Street erano davvero fonte di distrazione. Gli attori meritano di meglio. 46 Beacon è in scena all’Hope Theatre fino al 12 ottobre 2015