REZENSION: Ein frecher Abend mit Noel Coward, Old Red Lion ✭✭✭

Eine ungezogene Nacht mit Noël Coward

08.08.15

Old Red Lion Theatre, Islington

3 Sterne

‚Ich hatte nie den Ehrgeiz, etwas anderes zu tun, als im Theater zu sein. Vielleicht in der Chirurgie, allerdings. Ein Arzt vielleicht. Oder ein Chirurg. Ich habe fast jede größere Operation gesehen, die es gibt – ich liebe es, Operationen zu beobachten. Das hat vielleicht damit zu tun, dass Menschen mich im Leben mehr faszinieren als alles andere.‘ – Noël Coward In Cowards Schreiben gibt es Spannungen, die ihn zu einem komplizierteren, weniger unmittelbar „fertigen“ und unberechenbareren Dramatiker machen, als es seine makellos konstruierte und gepflegte Persona vermuten lässt. Tatsächlich war die Figur des „The Master“ nicht zuletzt dazu entworfen, die Neugier auf diese Spannungen sowie auf die Details seiner persönlichen und künstlerischen Formung zu verbergen und abzuwehren. Legt man die frühen Kritiken zu Cochran und Charlot beiseite, dann liest sich jene erste Reihe von Stücken von Easy Virtue über The Vortex bis hin zu Design for Living wie Bernard Shaw auf Benzedrin. Sie besitzen eine schonungslos ökonomische, geradezu forensische Qualität, die zugleich alarmierend und berauschend ist. Man hat keinen Begriff davon, wo diese Ausgrabung von Schwächen und Persönlichkeit enden wird. Der Witz schwankt am Rand zur Grausamkeit, Figuren zerfallen in Richtung Zusammenbruch, und keine gesellschaftliche Norm entgeht diesem einzigartig skeptischen, funkelnden Blick. Und dann, als die 20er in die 30er übergehen, dreht sich der Wind. Die andere Seite Cowards tritt deutlicher hervor – jene Seite, die ihn schließlich als patriotischen Kriegszeit-Entertainer und Anheizer ins Establishment führen sollte: Cabaret-Star, Hollywood-Persönlichkeit, Kumpan von Churchill, den Mountbattens und der Queen Mum, und Vertreter eines polierten Art-déco-Stils, der Present Laughter und Blithe Spirit und andere wohlgebaute, durch und durch stilvolle, aber ungefährliche leichte Komödien hervorbringt. Private Lives markiert den Drehpunkt, an dem beide Seiten seiner Theaterpersönlichkeit gleichermaßen zu sehen sind; und dann, am Ende seiner Laufbahn, ganz am Ende, kehrt jener frühe, ätzende Coward wieder – diesmal sich selbst verspottend – in A Song at Twilight.

Es war daher eine passende Entscheidung, zwei Einakter zusammenzustellen, die die beiden Seiten von Cowards Handwerk so scharf repräsentieren – zugleich aber auch eine riskante, weil sehr unterschiedliche Spielweisen nötig sind, um beide Stücke gleichermaßen überzeugend zu realisieren.

We Were Dancing ist eines der zehn kurzen Stücke, die die Reihe Tonight at 8.30 bilden – ursprünglich als Vehikel geschrieben, damit Coward und Gertrude Lawrence sie in wechselnden Kombinationen spielen konnten. Es gehört zu den schwächeren Welpen des Wurfs und hängt für seinen Erfolg von starken, stilvollen Darbietungen in den Hauptrollen ab, die das dünne Szenario tragen. Schauplatz ist ein Country Club auf einer Südseeinsel – ein Ort, wie man ihn aus Erzählungen von Somerset Maugham kennt. Bei einem Tanz verliebt sich die verheiratete Louise (Lianne Harvey) in Karl (James Sindall), einen glamourösen Handelsreisenden aus der Schifffahrtsbranche, und beide wollen gemeinsam durchbrennen – sehr zum konventionellen Entsetzen von Ehemann Hubert (John MacCormick) und dessen Schwester Clara (Beth Eyre). Doch als der Morgen graut, verfliegt der Zauber des Moments, und sie erkennen, dass sie nichts miteinander gemein haben.

An der handwerklichen Schauspieltechnik dieses Ensembles junger, frisch graduierter Darstellerinnen und Darsteller ist nicht viel auszusetzen – doch für dieses spezielle Stück ist stilistisch auch wenig daran richtig. Damit diese luftige Konfektion funktioniert, braucht es Schauspielerinnen und Schauspieler, die sich dem mittleren Alter nähern und die Angst vor dem Älterwerden sowie den verzweifelten Wunsch, im Augenblick zu leben, heraufbeschwören können. Davon ist in den Hauptrollen hier nichts zu spüren; und auch das Poltern der Vertreter konventioneller Moral wirkt kaum überzeugender. Cowards „Spießer“ – wie in Private Lives – verdienen wirklich engagierte Porträts, denn sonst fehlt die Folie, von der aus die Freigeister spielerisch und geistreich zurückschrecken können. Sindall ist der eine Darsteller, der den echten Coward-Ton trifft: Er findet die richtige Mischung aus Distanziertheit und Präzision in Sprache und Tempo, ohne in die Falle zu tappen, Coward selbst direkt zu imitieren. Er zeigt, dass – wenn man die richtige Spur findet und Cowards Zeilen mit absoluter Treue zu Text und Rhythmus spricht – plötzlich eine Alchemie einsetzt: Künstlichkeit beginnt ganz natürlich zu klingen.

Trotz Stephen Sondheims jüngster Einwände gilt das ebenso für Cowards Musik – und bestätigt sie. Tom Self am Klavier singt zwei der bekanntesten Lieder, einmal als Ouvertüre und einmal als Zwischenmusik beim Szenenwechsel. Natürlich sind die Songs bewusst brillant oder sentimental, doch sie können auf der Bühne immer noch wunderbar stimmungsvoll und dramaturgisch wirksam sein, wenn man sie als präzise Übungen in rhetorischer Performance versteht. ‚Dance, Dance, Dance, Little Lady!‘ fehlte der obsessive Zugriff und das schnellere Tempo, das nötig gewesen wäre, um uns für das erste Stück einzustimmen; aber seine Interpretation von ‚The Party’s Over Now‘ traf exakt den richtigen Ton von abgeklärtem, wissendem, sehnsüchtigem Bedauern – und ließ uns hinübergleiten in das dunklere Terrain des zweiten Stücks, The Better Half.

Dieses Stück ist eine jüngere Wiederentdeckung. Nur ein einziges Mal 1922 gespielt, galt es als verschollen, bis Forschende 2007 eine Kopie im Archiv des Lord Chamberlain’s Office fanden. Es ist wirklich ein Glücksfund – ein exemplarisches Stück aus Cowards früher, spannendster Schaffensphase.

Was sofort auffällt, ist die gnadenlos verschlankte Schreibweise. Der Dialog besitzt eine waghalsige, ungebändigte Qualität und den Willen, keine Schicht der Selbsttäuschung unentlarvt zu lassen und keine tröstliche, selbstzufriedene Illusion stehen zu lassen. Mitunter geschieht das mit echtem Witz, etwa in der Bemerkung, allzu oft würden „Verständnis und Vergebung im Haus drapiert wie müde Weihnachtsdekoration“. Meistens jedoch geschieht es mit großer Ökonomie der Mittel – man versteht, warum am Ende seines Lebens in den 1960ern sowohl Orton als auch Pinter Coward wirklich respektierten, und er sie.

Das Stück ist ein Dreipersonenstück. Alice (Tracey Pickup) ist unglücklich mit David (Stephen Fawkes) verheiratet, der in Temperament und Interessen viel mehr mit Alices bester Freundin Marion (Beth Eyre) gemeinsam hat. Die Handlung spielt in Alices Schlafzimmer – ein pfiffiger Szenenwechsel, den das Ensemble selbst während der Zwischenmusik ausführt; das detaillierte Periodenergebnis ist ein Verdienst von Oliver Daukes (Bühnenbild) und Andrea Marsden (Ausstattung). Alice ist ihrer selbst und ihrer Ehe überdrüssig und meint, ihr Mann und ihre beste Freundin seien viel zu hochgesinnt, um eine Affäre zu beginnen. Sie versucht, Veränderung zu erzwingen, indem sie enthüllt, dass sie selbst solche Skrupel nicht gehabt habe. Das Stück pirouettiert genüsslich um Wahrheit oder Erfindung hinter diesen Behauptungen und spielt herrlich damit, wie traditionelle Moral Selbsttäuschung und Selbstbeweihräucherung miteinander zu verbinden weiß. Regisseur Jimmy Walters setzt zu Recht ein furioses Tempo, und es gibt viel Bewegung und körperliche Interaktion, die eher naturalistisch als stilisiert ist. Diesmal sind die jungen Darstellerinnen und Darsteller ganz auf die Schreibweise eingeschwungen und nutzen die wunderbaren Möglichkeiten, die ihnen der Autor gibt. Das Stück verkörpert Cowards Behauptung, ein kurzes Stück habe „einen großen Vorteil gegenüber einem langen, weil es eine Stimmung ohne technisches Knarren oder Überpolsterung halten kann“.

The Better Half verdient ein viel größeres Publikum und würde wunderbar zu Rattigans The Browning Version passen, das bislang nie wirklich ein wirksames Partnerstück gefunden hat – weder in Harlequinade noch in David Hares South Downs. Beide Stücke entlarven tröstliche Illusionen über das Eheleben, doch mit sehr unterschiedlichen Ergebnissen und einem kontrastierenden Ton in der Schreibweise – ein potenziell hervorragender Doppelabend in spe. Eine letzte Beanstandung: ‚A Naughty Night with Noel Coward‘ ist ein wahrhaft unerquicklich gewählter Titel für diesen Theaterabend. Das riecht nach billiger Anmache – nach der Welt von Frankie Howerd und den Carry-On Films. So sehr Coward sich auch zu leichten Komödien bekannte: vulgäre oder platte schrieb er nicht. Ein besserer Titel wäre vielleicht Duets for Three, da in beiden Fällen drei Beteiligte im Spiel sind, wo es am Ende doch nur zwei geben kann – ein Stoff fürs Lachen, gewiss, aber auch für Ironie und Pathos.

Unterm Strich ist dies ein durch und durch fesselnder Theaterabend mit durchweg hohen professionellen Standards – doch die eigentlichen Belohnungen und die eigentliche Entdeckung liegen in der zweiten Hälfte.

Eine ungezogene Nacht mit Noel Coward läuft bis zum 29. August 2015.