CRITIQUE : Une Nuit Coquine avec Noël Coward, Old Red Lion ✭✭✭

Une Nuit Coquine Avec Noël Coward

08/08/15

Old Red Lion Theatre, Islington

3 Étoiles

‘Je n'ai jamais eu d'ambition autre que d'être au théâtre. Peut-être en chirurgie, cependant. Un médecin peut-être. Ou un chirurgien. J'ai vu presque toutes les grandes opérations qui existent - j'adore regarder les opérations. Cela pourrait être lié au fait que les gens me fascinent plus que tout dans la vie.’ – Noël Coward Il y a des tensions dans les écrits de Coward qui en font un dramaturge plus complexe, moins immédiatement pleinement formé et imprévisible que sa personnalité immaculée et maintenue ne le suggère. En fait, la personnalité du ‘Maître’ était conçue autant pour dissimuler et repousser la curiosité sur ces tensions et les détails de sa formation personnelle et artistique. Si l'on met de côté les premières critiques de Cochran et Charlot, cette première série de pièces de Easy Virtue à Vortex et culminant avec Design for Living se lit comme Bernard Shaw sous benzedrine. Elles ont une qualité économique et analytique impitoyable qui est à la fois alarmante et enivrante. Vous n'avez aucune idée où l'excavation des faiblesses et des personnalités se terminera. L'esprit vacille au bord de la cruauté, les personnages fragmentent vers la dépression, et aucune norme sociale n'échappe à cette œil sceptique et scintillant. Puis, alors que les années 20 passent dans les années 30, le vent tourne. L'autre côté de Coward émerge plus en évidence, le côté qui finalement le conduira dans l'Establishment en tant que patriote en temps de guerre et supporter, star de cabaret, personnalité hollywoodienne, ami de Churchill, des Mountbatten et de la Reine Mère et praticien d'un style Art Déco poli qui produit Present Laughter et Blithe Spirit entre autres comédies légères bien faites et stylées mais non menaçantes. Private Lives fait office de pivot où les deux côtés de sa personnalité théâtrale sont exposés en égale mesure, et puis vers la fin de sa carrière, juste à la fin, ce Coward corrosif des débuts ré-émerge, cette fois se moquant de lui-même, dans A Song at Twilight.

Ce fut donc un choix approprié de réunir deux pièces en un acte qui représentent si clairement les deux facettes de l'art de Coward, mais aussi un choix risqué car des styles de jeu très différents sont nécessaires pour bien réussir chacune d'elles.

We Were Dancing est l'une des dix pièces courtes qui forment la séquence Tonight at 8.30, à l'origine écrite comme véhicules pour Coward et Gertrude Lawrence à jouer dans différentes combinaisons. C'est l'un des chiots les plus faibles de la portée et dépend de la réussite de performances fortes et élégantes dans les rôles principaux pour porter le scénario maigre. Le cadre est un club de campagne sur une île du Pacifique Sud - le genre de lieu évoqué dans les nouvelles de Somerset Maugham. Lors d'un bal, une femme mariée, Louise (Lianne Harvey) tombe pour Karl (James Sindall), un voyageur commercial glamour dans le transport, et ils proposent de partir ensemble au grand outrage conventionnel du mari Hubert (John MacCormick) et de sa sœur Clara (Beth Eyre) ; mais à l'aube, la magie du moment disparaît et ils se rendent compte qu'ils n'ont rien en commun.

Il n'y a rien de particulièrement mauvais avec le jeu technique de cette équipe de jeunes diplômés récents, mais pour cette pièce en particulier, il n'y a rien de stylistiquement juste non plus. Pour que cette légère confection fonctionne, il faut des acteurs approchant la quarantaine qui peuvent conjurer la peur de vieillir et le désir désespéré de vivre dans l'instant qui l'accompagne. Il n'y en a pas ici dans les rôles principaux, et l'emphase des représentants de la morale conventionnelle n'est pas beaucoup plus convaincante non plus. Les ‘collet monté’ de Coward, comme dans Private Lives, méritent vraiment des interprétations engagées, sinon aucun miroir ne permet aux esprits libres de se rebeller de manière ludique et spirituelle. Sindall est le seul acteur ici qui saisit le véritable style de Coward : il trouve le bon mélange de détachement et de précision du langage et du rythme, sans tomber dans le piège d'une imitation directe de Coward lui-même. Il réussit à montrer que si vous trouvez le bon rythme et parlez les répliques de Coward avec une fidélité absolue au texte et au rythme, alors une alchimie soudaine se produit – l'artifice commence à sonner tout à fait naturel.

Malgré les récentes critiques de Stephen Sondheim, c'est un point qui s'applique également à la musique de Coward et la valide. Tom Self au piano chante quelques-unes des chansons les plus célèbres en tant qu'ouverture et interlude de changement de scène respectivement. Bien sûr, les chansons sont consciemment brillantes ou sentimentales, mais elles peuvent toujours être merveilleusement évocatrices de l'humeur et dramatiquement réussies sur scène si elles sont exécutées comme des exercices rhétoriques précis. ‘Dance, Dance, Dance, Little Lady!’ manquait de l'attaque obsessionnelle et du tempo plus rapide nécessaire pour nous préparer à la première pièce; mais son interprétation de ‘The Party’s Over Now’ a parfaitement capté le ton de l'épuisement du monde, de la connaissance, du regret nostalgique pour nous glisser dans le territoire plus sombre de la seconde et « The Better Half ».

Cette pièce est une redécouverte récente. Jouée uniquement une fois en 1922, elle était considérée comme perdue jusqu'en 2007, lorsque des chercheurs ont trouvé une copie dans les archives du Lord Chamberlain’s Office. C'est vraiment une véritable trouvaille - un exemple vintage de la première et la plus passionnante phase d'écriture de Coward.

Ce qui frappe immédiatement, c'est l'écriture impitoyablement ciselée. Le dialogue a une qualité insouciante, débridée et une détermination à ne laisser aucune couche d'auto-illusion non exposée et aucune confortable illusion complaisante en place. Parfois, c'est fait avec un véritable esprit, comme dans la remarque qu'on comprend trop souvent ‘la compréhension et le pardon sont drapés autour de la maison comme des décorations de Noël fatiguées’. Mais surtout, c'est fait avec une grande économie de moyens – on comprend pourquoi vers la fin de sa vie dans les années 60, autant Orton que Pinter ont tenu Coward en réel respect, et lui pour eux.

La pièce se compose de trois personnages. Alice (Tracey Pickup) est malheureuse dans son mariage avec David (Stephen Fawkes), qui a bien plus en commun, en tempérament et intérêts, avec la meilleure amie d'Alice, Marion (Beth Eyre). L'action se déroule dans la chambre d'Alice - un changement de décor astucieux effectué par les acteurs eux-mêmes pendant la musique d'interlude, et le résultat détaillé de l'époque qui reflète le crédit dû à Oliver Daukes (designer) et Andrea Marsden (accessoiriste). Alice s'ennuie avec elle-même et son mariage et perçoit que son mari et sa meilleure amie sont bien trop nobles d'esprit pour commencer une liaison. Elle essaie de précipiter le changement en révélant qu'elle-même n'a pas eu les mêmes scrupules. La pièce tourne habilement autour de la vérité ou de la fiction derrière ces prétentions et joue brillamment sur la façon dont la moralité traditionnelle parvient à combiner l'auto-tromperie et l'auto-congratulation. Le directeur Jimmy Walters impose justement un rythme furieux et il y a beaucoup de mouvements et d'interactions physiques qui sont plus naturalistes que stylisés. Cette fois, les jeunes acteurs sont complètement en phase avec l'écriture et saisissent toutes les merveilleuses opportunités que leur offre l'écrivain. La pièce incarne l'affirmation de Coward selon laquelle une pièce courte a ‘un grand avantage sur une longue en ce qu'elle peut maintenir une humeur sans couinement technique ou remplissage excessif’.

The Better Half mérite un public beaucoup plus large, et ferait un merveilleux match avec la The Browning Version de Rattigan, qui n'a jamais vraiment trouvé une pièce partenaire efficace ni dans Harlequinade ni dans South Downs de David Hare. Les deux pièces exposent des illusions réconfortantes sur la vie conjugale, mais avec des résultats très différents et un ton contrasté dans l'écriture – une belle double affiche potentielle en devenir. Un dernier reproche : ‘Une Nuit Coquine avec Noel Coward’ est un titre vraiment misérable à choisir pour cette sortie théâtrale. Cela sonne comme une titillation bon marché - le monde de Frankie Howerd et des Carry-On Films. Alors que Coward professait écrire des comédies légères, il n'a pas écrit de celles qui sont vulgaires ou évidentes. Un meilleur titre, peut-être, serait Duets pour Trois, étant donné que dans chaque cas, il y a trois partenaires impliqués là où il ne peut finalement y en avoir que deux – un sujet de rire bien sûr, mais aussi d'ironie et de pathos.

En somme, c'est une soirée de théâtre profondément captivante avec des valeurs professionnelles élevées partout, mais où les véritables récompenses et révélations viennent dans la deuxième moitié.

‘Une Nuit Coquine avec Noel Coward’ se poursuit jusqu'au 29 août 2015.