KRITIK: Ah, Wilderness!, Young Vic Theatre ✭✭

Ah, Wilderness!

Young Vic Theatre

25. April 2015

2 Sterne

Es gibt eine Symphonie aus Sand. Sand ist überall, rieselt aus den Türrahmen eines Hauses. Dinge sind im Sand vergraben, werden im Laufe des Stücks wieder freigelegt und benutzt. Andere Dinge werden als Teil der Handlung vergraben. Die Familie lebt in dem Haus und scheint vom Sand kaum irritiert. Ausser wenn sie darin herumgräbt, ignoriert sie ihn weitgehend, auch wenn das Gehen darauf manchmal schwierig ist. An einer Stelle blubbert ein kleines Becken aus dem Untergrund hoch und bildet eine seltsame Oase in der sandigen Szenerie.

Die Kombination aus Sand, Wasser und romantischem Mondlicht ergibt gegen Ende des Abends ein berührendes Bild. Wunderschön ausgeleuchtet durch Charles Balfour – und für diesen einen Moment wirkt es, als habe sich die sich verschiebende, körnige Präsenz des komatösen Sands tatsächlich gelohnt.

Dies ist Natalie Abrahamis Inszenierung von Eugene O’Neills wenig bekanntem Stück Ah, Wilderness!, derzeit am Young Vic zu sehen. Im Programmheft wird Bühnenbildner Dick Bird wie folgt zitiert:

„Mich hatten Fotos einer Geisterstadt in Namibia namens Kolmanskop fasziniert. Einst eine florierende Diamanten-Bergbaustadt, war sie seit den 1950ern verlassen, und Sand hatte die verfallenen Häuser erobert. Grosse Dünen hatten sich an den verblassten Putzwänden aufgetürmt und surreale Wüstenlandschaften geschaffen, unterbrochen von unpassenden Türrahmen und scheinbar riesigen Durchgängen.

Uns reizte die Idee, O’Neills Schauplatz mit Sand zu überfallen – diesem Zauberstaub, der, in unsere Augen gestreut, uns davon träumen lässt, eine unsichere, sich ständig verändernde innere Landschaft zu erschaffen, die den Lauf von Erinnerung und Zeit sichtbar macht.“

Wann immer mir Sand in die Augen geraten ist, war Träumen nicht gerade meine erste Reaktion. Magisch ist daran gar nichts – eher das kratzige Scheuern unter den Lidern. Tatsächlich gibt es kaum etwas Reizenderes als Sand an Orten, wo er nicht hingehört. Und genau so ist es hier auf Dicks grotesker Bühne: unerquicklich.

Das Young Vic war zuletzt regelrecht überschwemmt von Klassiker-Produktionen, die diese „dekonstruierten“ – wenn nicht auf die deutsche Art, dann doch so, dass es den Gipfel anglo-deutscher Assimilation markiert. Einige davon waren eindrucksvoll und lange im Gedächtnis: Fälle, in denen das Design integraler Bestandteil des dekonstruierenden Ansatzes ist, in denen es Regieabsicht und Textreaktion darauf erhellt, rahmt und freilegt.

Aber Ah, Wilderness! ist kein solcher Fall. O’Neills Stück wurde bei der Uraufführung als Komödie angekündigt und gilt oft als seine „einzige Komödie“. Eine apokalyptische Verfallsvision, in der Sand alles überwuchert, weckt nicht gerade den Impuls, die Lachmuskeln zu trainieren. Schwer nachzuvollziehen, warum Dick und Abrahami sich von der Idee „angezogen“ fühlten, O’Neills Schauplatz mit einem Kolmanskop-Gefühl zu überziehen. Abgenutzte Sanduhr-Gedanken – Sand als Zeichen für den Lauf der Zeit und damit für Erinnerungen – reichen als Begründung nicht aus, zumal aus dem sandbedeckten Hausfragment vor allem eines spricht: Untergang, Verzweiflung, Melancholie. Das sind nicht die Schlüsselzutaten einer komödiantischen Welt.

Doch damit nicht genug. Abrahami erfindet eine neue Figur und stülpt sie dem Text über. Dieser namenlose Mann soll offenkundig O’Neill sein, der auf sein eigenes Leben zurückblickt, während es sich im Stück abspielt. Die Figur übernimmt auch ein paar kleine Rollen, ihre Hauptfunktion ist jedoch, Schnipsel von Regieanweisungen vorzulesen – um zu unterstreichen, dass das Stück auf O’Neills Erinnerungen beruht. Das ist völlig unnötig und auf Dauer schlicht ablenkend. Es trägt nichts zur Sache oder zum Spiel des Textes bei, nimmt einem aber die Möglichkeit, sich in das sanfte komödiantische Hin und Her innerhalb der Familie hineinziehen zu lassen. Ständig verhindert die Präsenz dieses zwischengeschalteten Störenfrieds, dass man sich wirklich auf die Familie Miller einlässt; und so sehr man auch auf eine Pointe, einen theatralen Grund für diesen Kunstgriff wartet – sie kommt nicht.

Wie der lächerliche Sand ist auch die allgegenwärtige Autorenfigur ein Regiefehler epischen Ausmasses.

Mit diesen schweren Handschellen ringt das Ensemble sympathisch darum, das Stück zum Funktionieren zu bringen. Es ist ein sanftes, feines und durchaus lyrisches Stück – im Kern ein Coming-of-Age-Drama, mit Ausläufern in jene Richtung, die O’Neill später mit Long Day’s Journey into Night entschlossen beschreiten würde, und mit feinen Noten, die einen nachdrücklich an seinen früheren Pulitzer-Preisträger Beyond the Horizon erinnern.

Zeitungsmann Nat Miller ist glücklich mit Essie verheiratet. Sie haben drei Söhne: Arthur, Richard und Tommy. Richard ist in Muriel verliebt, doch ihr Vater warnt Nat, die Beziehung zu unterbinden, und übergibt ihm einen Brief an Richard, den Muriel geschrieben hat und in dem sie seine Annäherungen zurückweist. Richard nimmt das schlecht auf, streitet mit seinen Eltern und stürzt sich in das 1933er Äquivalent eines Saufgelages – am Ende ist er betrunken und mit einem Callgirl unterwegs. Seine Eltern machen sich Sorgen.

Zur Familie gehört ausserdem ein umgänglicher Alkoholiker, Sid, der eine komplizierte Vergangenheit mit der unverheirateten Lily hat. Nach viel Grübelei und einigem herzhaften Tadel von Essie und Nat kommt Sid zur Besinnung – und Richard erkennt, dass auch er „wach“ ist. Eine Begegnung im Mondschein mit Muriel hilft dem einen, ein Sandbad dem anderen. Und unterwegs wird reichlich aus Dichtern zitiert, und Tommy hat einen Riesenspass mit Feuerwerkskörpern – schliesslich spielt das meiste am 4. Juli. Es zeigt sich: In diesem Jahr feiert nicht nur Amerika seine Unabhängigkeit.

Leider fehlt den Darstellungen die nötige Leichtigkeit, damit das Stück wirklich abheben kann. Alles wirkt schwerfällig und selbstbedeutend – zweifellos auch wegen des Sands. Es liegt ein allgegenwärtiger Hauch von würdigem Verfall über dem Spielstil; wo es Herzlichkeit und eine flinke, leichte Hand bräuchte, riecht es nach schlecht gemachtem Tschechow.

Dominic Rowan ist die zentrale, wenn auch nicht einzige Ausnahme. Sein schelmischer Sid ist vollblütig, und er macht das Beste aus dem, was die Rolle hergibt. Er schafft es sogar, beim Sandbad überzeugend auszusehen, und sein schlechtes Benehmen über Suppentellern bleibt wirklich in Erinnerung. Er bringt jedes Quäntchen lakonischen Charmes in die Rolle und bildet ein schönes Gegengewicht zu der geschniegelt-geradlinigen Männlichkeit, gegen die der junge Richard rebelliert.

George MacKay beeindruckt als Richard: lebendig, fesselnd und angemessen besessen. Ein besseres Porträt von Übergangsangst kann man sich kaum wünschen – wenn auch einen Tick zu modern, um sich nahtlos in Schreibweise und Spielstil der übrigen Besetzung einzufügen. Die beste Szene des Abends, der nächtliche Ausflug mit Muriel im Mondlicht, ist gerade deshalb so wirkungsvoll, weil MacKay dem Ganzen eine unnachgiebige Unruhe verleiht. Kräftige Unterstützung bekommt er von Georgia Bourkes aufmüpfiger Muriel, und ihr Moment am Wasser lässt einen die Sanddünen fast vergessen.

Martin Marquez und Janie Dee sind als Eltern der Millers absolut auf einer Wellenlänge. In ihrem Spiel liegt eine spröde Abgehobenheit, die eher das Gefühl einer Erinnerung an diese Figuren erzeugen soll als die Figuren selbst zu sein. Wenn das das Ziel war, treffen beide ins Schwarze – und in dieser Inszenierung war es vielleicht sogar die klügste Wahl. Doch mehr Wärme und weniger Manierismus hätten ihre Leistungen in einer Weise aufblühen lassen, von der man vermutet, dass sie dem Autor gefallen hätte. Beide verankern das Gefühl ihrer Ehe, ihrer echten Verbundenheit und Zuneigung sowie ihrer Sorge um die Kinder. Dee ist die Stärkere von beiden und findet, wann immer möglich, die Musik in den Worten. Marquez und Rowan etablieren eine solide, glaubwürdige Freundschaft, und besonders gut ist Marquez’ Rapport mit MacKay. Das Aufklärungs-Gespräch ist entzückend.

Die übrigen Darstellungen reichen von kompetent bis absurd unerquicklich. Abrahami hält den Puls des Stücks nicht wirklich am Schlagen, und gelegentlich – oft sogar – wird die verspielte Freude in der Sprache von dem Klang überdeckt, der vom Sand zurückgeworfen wird. Der endlose Sand.

Das ist eine Inszenierung eines interessanten Stücks aus O’Neills mittlerer Schaffensphase. Es ist jedoch keine interessante Inszenierung. Ohne den Sand, und so rekonstruiert, wie der Autor es beabsichtigt hat, könnte Ah, Wilderness! tatsächlich das komische Juwel sein, das es zu versprechen scheint – schliesslich war es O’Neills einzige Komödie. Schade, dass Abrahami und Dick ihre Dekonstruktionsagenda zwischen sich und O’Neills sanfte, humorvolle und scharfsinnige Vision geraten lassen.

Ah, Wilderness ist am Young Vic bis zum 23. Mai 2015 zu sehen.