KRITIK: Ein Amerikaner in Paris: Palace Theatre ✭✭✭✭

Foto: Angela Stirling An American in Paris

Palace Theatre

1. April 2015

4 Sterne

Henri ist der überaus attraktive Sohn unverschämt reicher, bestens vernetzter Vertreter des französischen Establishments. Doch er ist im Schrank – zumindest in einer Hinsicht, vielleicht auch in zwei; so ganz wird es nie eindeutig. Eindeutig ist nur das eine: Er will auf die Bühne, in Nachtclubs singen, nach Amerika gehen und ein Star werden. Sein Kumpel am Klavier hilft ihm dabei, und er probiert ein Set in einem örtlichen Nightclub aus. Wir sind im Paris der Nachkriegszeit; der Schatten von Greta Garbo und Marlene Dietrich liegt noch schwer in der Luft, und über dem Showgeschäft schwebt ein Hauch von Unterwelt-Glamour und Scham.

Er beginnt, "I'll Build A Stairway To Paradise" zu singen – zögerlich, leicht hinter dem Beat, hier und da mit einem verpatzten Tanzschritt. In seinem Kopf läuft es allerdings grandios. Er ist ein Hit. Wir sehen die optimistische Version seiner Fantasie. Da sind Tänzerinnen, deren Federn praktisch das Kostüm sind, große, durchtrainierte, geschniegelt gekleidete Tänzer – alle stehen hinter ihm, tragen ihn. Ein herrliches Art-déco-Tuch fliegt herein, und plötzlich gibt es eine Kick-Line mit Henri im Zentrum, die den Folies Bergère alle Ehre machen würde. Alle kicken hoch, perfekt im Takt, Zähne blitzen, Stimmen keck und makellos – eine fesselnde Reihe fabelhafter Fußarbeit. Das ist die Essenz des altmodischen Broadway. In jeder Hinsicht mitreißend.

Diese Traum-Tanzsequenz ist eine von zwei in An American in Paris, einem neuen Musical, das derzeit am Broadway im Palace Theatre in den Previews läuft. Basierend auf dem berühmten Film, aber mit einem neuen Buch von Craig Lucas, einer Partitur, die von Rob Fisher adaptiert, arrangiert und musikalisch betreut wurde, außergewöhnlichen Designs von Bob Crowley sowie einer schwungvollen, bezaubernden Regie und Choreografie von Christopher Wheeldon, ist das eine dieser luxuriösen Broadway-Leckereien: üppig, opulent und schlicht umwerfend – eine wunderschöne Beschwörung der Magie vergangener Zeiten und großer Tanzspektakel.

Traum-Tanzsequenzen funktionieren heutzutage nur selten – es sei denn, man schaut West Side Story. Die Traumsequenz in Oklahoma! kann selbst das treueste Publikum auf die Probe stellen; On the Town hingegen bekommt das aktuell am Broadway mühelos hin. Doch An American in Paris landet – in einer beispiellosen Glanzleistung – mit beiden Traumsequenzen Volltreffer, und zwar aus ganz unterschiedlichen Gründen.

Henris Nummer ist ausgelassen, hoffnungsvoll, schwungvoll und flamboyant. Es ist eine grandiose Produktionsnummer, veredelt durch hervorragenden Gesang, makellos präzise Choreografie und einen unaufhaltsamen Drive, während das Stück sich immer weiter aufbaut: Stimmen und Tänzer kommen hinzu, die Tonart wechselt, das Bühnenbild schmilzt von einem Ort in den nächsten; die Step-Kick-Line knallt genau in dem Moment los, in dem Falltuch und zusätzliche Set-Teile wie von Zauberhand an ihren Platz fallen – ein perfektes Gefühl von Hollywood-/Broadway-Übermaß und Magie.

Die zweite Sequenz ist der Höhepunkt der Show: das Ballett zur Titelkomposition. Zum Glück bereitet das überarbeitete Buch alles darauf vor, sodass es sich, wenn es soweit ist, sowohl natürlich als auch absolut willkommen anfühlt – und einen emotional, visuell und ästhetisch schlichtweg umhaut.

Lucas formt die Filmhandlung auf bewundernswert clevere Weise um. An manchen Stellen wirkt sie zwar weiterhin zart und hauchdünn – aber Seide ist das auch. Seidig, glatt und sexy: Genau darauf zielt Lucas, und er trifft damit mühelos ins Schwarze. Statt eines Liebesdreiecks gibt es ein Dreieck aus Männern – alle Freunde, alle, ohne es zu wissen, in dieselbe Frau verliebt: Lise, eine begabte Ballett-Ingénue. Adam ist Komponist, Jerry ein entlassener Soldat und Künstler, und Henri der angehende Cabaret-Star.

Henris Eltern wollen, dass er Lise heiratet, und er sagt auch, er wolle es – aber irgendetwas hält ihn zurück. Jerry begegnet Lise auf den Straßen von Paris, mehr als einmal, doch sie entzieht sich ihm, aus Sorge um die Schicklichkeit. Milo Davenport, eine reiche amerikanische Society-Dame, findet Gefallen an Jerry und möchte ihn unterstützen – in der Hoffnung auf eine romantischere Verbindung. Milo bietet an, die Saison der Ballettcompagnie zu finanzieren, wenn Adam ein kurzes Stück komponiert und Jerry es entwirft. Henris Eltern sind davon begeistert und verkünden die Verlobung ihres Sohnes mit der künftigen Primaballerina Lise. Das setzt der Freundschaft der drei Männer zu, doch jeder muss weitermachen.

Schließlich hat Adam sein Ballett vollendet, und Lise muss es tanzen. Er hat An American in Paris komponiert, und wir sehen die Premiere von beiden Seiten der Bühne: aus Sicht des Ensembles und aus Sicht des Publikums. Wir sehen auch, auf welch geniale Weise Bob Crowley die Kunstwerke, die Jerry zuvor in der Show geschaffen hat, als thematisches Bindeglied für die Ballettsequenz nutzt: Die Farben sind leuchtend, die körperlich perfekten Tänzer werden von Stoffen und Halb-Kostümen umschmeichelt, die Jerrys Palette und Designdetails betonen und auf intensiv romantische Weise verzaubern. Am beeindruckendsten ist, wie das Matisse-/Picasso-eske Bühnenbild, das Jerry verwendet, im richtigen Licht zum klassischsten Ort pariser Romantik wird: unter dem Eiffelturm, nach oben blickend. Ein atemberaubender visueller Effekt.

Lise ist nervös und muss sich ihre wahre Liebe, Jerry, als Teil des Balletts vorstellen, um den Mut zu finden, den sie für den Auftritt braucht. Also erscheint Jerry pflichtbewusst, und sie tanzen exquisit schöne Passagen – technisch anspruchsvoll und doch pulsierend vor vollkommen hingebungsvoller Verehrung füreinander. Sie sind in Schwarz und Rot gekleidet und setzen damit einen Kontrast zur ansonsten überwiegend pastelligen Welt von Jerrys Design, ergänzen sie aber zugleich. Es ist eine große Ansage zu behaupten, diese choreografierte Sequenz übertreffe den Film – aber wenn nicht, dann kommt sie ihm zumindest sprichwörtlich bis auf eine Katzenbartbreite nahe. Reine, rauschhafte Freude.

Die Partitur steckt voller großartiger Songs. Clevererweise werden Lieder, die man oft mit weiblichen Stimmen verbindet, hier von Männern – teils als Trios – gesungen und erhalten so frisches Leben, was sehr willkommen ist: "I Got Rhythm", "'S Wonderful", "They Can't Take That Away From Me". Jerry hat großartige Nummern, die sein tänzerisches Können ausstellen: "Liza", "I've Got Beginner's Luck" und insbesondere "Fidgety Feet" – allesamt mit schillernden Tanzarrangements von Sam Davis.

Das Casting ist tadellos – und das ist vermutlich die bestaussehende, von Natur aus stilvollste Besetzung, die derzeit in irgendeiner Broadway-Show zu sehen ist. Robert Fairchild ist in seinem Broadway-Debüt eine Offenbarung als Jerry. Er gibt eine draufgängerische, virile Erscheinung ab, tanzt mit bemerkenswerter joie de vivre und außergewöhnlicher Anmut, meistert das Schauspiel souverän und singt sehr, sehr schön. Er ist perfektes Leading-Man-Material: sympathisch, gewinnend und fesselnd.

Ebenfalls mit Broadway-Debüt ist Leanne Cope, die als Lise wie eine schimmernde Blüte elfischer Herrlichkeit wirkt – die angehende Ballettdiva, die unabsichtlich die Herzen dreier Freunde stiehlt. Cope ist hervorragend. Ohne es zu überbetonen, prägt die Hintergrundgeschichte ihrer Figur alles, was sie tut – zart, aber klug. Ihr bei dieser Rolle zuzusehen ist, als sähe man einer perfekten Rose beim Aufblühen zu. Sie ist in jeder Hinsicht entzückend und beim Tanzen geradezu hypnotisch. Sie und Fairchild haben eine außergewöhnliche Chemie.

Max von Essen triumphiert als Henri in einer klug austarierten, herrlich gesungenen, punktgenauen Darstellung. Sein Akzent, sein komisches Timing, seine überschäumende Darbietung seiner großen Nummer, die wunderbare Konfrontation mit seinem Vater (ein strenger, aber großartiger Scott Willis), seine debonairen Schritte – jeder Aspekt seiner Leistung ist funkelnd. Henris Angst um Lise und die Verzweiflung über seine eigenen Träume treiben das Stück genauso sehr an wie die Liebesgeschichte von Jerry und Lise. Sein klassisches Matinee-Idol-Aussehen rundet eine Tour de Force des Musicaltheaters ab.

Die strahlende Jill Paice leistet Vorbildliches in der heiklen Rolle der Milo, der Multi-Milliardärin, die versucht, Jerry – mit Haut und Haar – zu kaufen. Paice ist wunderbar warm in ihren glänzenden Roben und bemerkenswerter Haute Couture (Crowley hat sichtlich Spaß an ihren glitzernden Outfits) und nimmt den unangenehmen Kanten der Handlungen ihrer Figur geschickt die Schärfe. Sie singt und tanzt göttlich – durch und durch eine Femme fatale. Brandon Uranowitz ist ausgezeichnet als der gequälte und leicht gezeichnete – körperlich wie seelisch – Komponist Adam. Sein trocken-komödiantischer Dreh der Figur ist erstklassig.

Veanne Cox ist spitz und straff gespannt als Henris "der-Schein-ist-alles"-Mutter und fängt die französische Verachtung für Unschicklichkeit grandios ein. So perfekt ist sie, dass man sich wünschte, sie bekäme eine Nummer, in der sie ihr streng frisiertes Haar lösen und ihre gestärkten Röcke schwingen lässt.

Das Ensemble ist durchweg großartig, und die tänzerischen Szenenwechsel sind ein Vergnügen. Die großen Nummern sind allesamt köstlich, jede auf ihre eigene Art. Die völlig überdrehte Ausgelassenheit der Szene im Parfümladen; die alberne, ansteckende, rebellische "Fidgety Feet"-Sequenz bei der Ballett-Spendenveranstaltung. Das gesamte Spektrum tänzerischer Möglichkeiten wird hier von einer Truppe versierter, strahlender Performer ausgeschöpft. Jede und jeder Einzelne.

Crowleys Bühnenbild ist unerschöpflich erfinderisch. Es gibt unzählige Spielorte, von denen die meisten auf die eine oder andere Weise nur angedeutet werden: versilberte Screens, zart bemalte Prospektstoffe, Landschaftsrahmen, eklektische Möbel – all das wird lässig und elegant eingesetzt, um einen Eindruck von Paris heraufzubeschwören. Mitunter könnte man meinen, man blicke in Jerrys Kunstmappe – was vermutlich genau der Punkt ist. Ohne riesige, vorgebaute Kulissen erschafft Crowley ein niemals statisches Panorama aus Pariser Straßen, Monumenten, Salons und Auftrittsorten. Alles trägt zum filmischen Gefühl der traumhaften Qualitäten bei, die die Produktion vorantreiben.

Todd Ellison sorgt dafür, dass Gershwins Partitur sowohl aus dem großen Orchestergraben als auch von den Darstellern ihren vollen, schimmernden Wert bekommt. Gesanglich und musikalisch ist An American in Paris alles, was es sein muss – und mehr. Die Klangqualität ist pures Glück. Christopher Wheeldons Vision als Regisseur und Choreograf ist bemerkenswert detailreich und durchweg luxuriös und ambitioniert.

Eine wunderbare Leistung und ein echtes Stück davon, wie es früher einmal am Broadway war. Einfach eine Freude.

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