KRITIK: Ballroom, Waterloo East Theatre ✭✭✭

Ballroom

Waterloo East Theatre

Montag, 15. Mai

3 Sterne

Wenn Sie sich jemals gefragt haben, was Michael Bennett nach seinem Riesenerfolg mit „A Chorus Line“ gemacht hat, dann haben Sie jetzt die Gelegenheit, es herauszufinden.  Das pfiffige 100-Sitze-Theater unter dem Bahnhof Waterloo East feiert sein siebenjähriges Jubiläum, in dem es ungewöhnliches und oft unbekanntes Musical-Repertoire auf die Bühne bringt – und das möglicherweise mit seiner bisher opulentesten Produktion, auf die Beine gestellt von Gründer und Artistic Director Gerald Armin: Ein Ensemble von 14 und eine fünfköpfige Band füllen den Raum mit einer herrlich kitschigen, aber liebevoll heruntergekommenen Rekonstruktion eines New Yorker Ballroom-Tanzclubs der 1970er Jahre, dem Stardust Ballroom.

Pünktlich auf den Einsatz, kurz bevor das National Theatre uns seine „Follies“ präsentiert, richtet auch diese Show den Blick auf das Leben älterer Menschen – und auf die Kunst älterer Darstellerinnen und Darsteller.  Doch anders als die einstigen Stars aus „Follies“ und dem goldenen Zeitalter der Broadway-Varietéunterhaltung zeigt uns „Ballroom“ die ganz normalen Leute aus der unmodischen Bronx, einem Borough, das viele U-Bahn-Stationen entfernt liegt vom Glitzern und Glamour des Great White Way.  Einmal pro Woche treffen sie sich in der schlichten, eher tristen Tanzhalle (Bühnenbild und Licht: Paul O’Shaughnessy), wo eine kleine Band die Melodien in strengem Tempo vorantreibt (alles klingt dank Inga Davis-Rutters disziplinierter Arrangements der ursprünglich großformatigen Broadway-Partitur vollkommen glaubwürdig).  Umspült von Neil Gordons geschmacklich bewusst „zu viel oder zu wenig“ geratenen Kostümen tanzen sie sich durch Rumbas, Walzer, Bossa Novas, Hustles und was nicht alles, blinzeln in die Funken, die die Diskokugel über ihnen wirft, und schütteln die grauen Realitäten des Lebens draußen vor der Tür für ein paar Stunden ab.

Im Zentrum dieses Mikrokosmos steht die Neuankömmling: Ein Jahr nach ihrem Verlust überredet die temperamentvolle beste Freundin Angie (die übersprudelnde Natalie Moore-Williams) eine Witwe und Inhaberin eines Trödelladens, es doch einmal mit dem „Glücklichsein“ zu versuchen.  Sie heißt Bea Asher und wird von Jessica Martin gespielt, die in einer großen Rolle willkommen auf die Bühne zurückkehrt – hier durch Richard Mawbeys genialen Umgang mit Perücken geradezu wundersam gealtert.  Ich wüsste außerdem gern, wer die bemerkenswerte Arbeit an ihrem Make-up leistet: mit fahl-müder Haut wirkt sie bis ins Detail wie die einsame, verzweifelte Frau, die tapfer versucht, sich ein Leben zurückzuerobern – nicht nur auf der Tanzfläche, sondern auch außerhalb mit Al Rossi (Cory Peterson mag aus Minnesota stammen, aber er trifft hier den echt New Yorker Ton – in einer fein ausbalancierten und fairen Darstellung des widerstrebenden Schürzenjägers, der etwas herbstliche Wärme in Beas Leben bringt).  Es ist eine vertraute Musical-Theatre-Reise – doch hier ist sie übersät mit den Steinen des Alltäglichen und Gewöhnlichen.  Selbst das Showdown im zweiten Akt mit ihrer missbilligenden, sich einmischenden Familie – eine Konfrontation, die uns beinahe in Gefilde zu katapultieren scheint, die Rainer Werner Fassbinders „Angst essen Seele auf“ besetzt – selbst das umschifft jedes emotionale Feuerwerk und zeigt stattdessen, wie man solche Probleme umkreisen kann: ja, notfalls bestimmt, aber stets vernünftig und ohne unnötige Dramatik.  Es ist eine humane, unprätentiöse Botschaft.

Das hat möglicherweise viel mit dem Ursprung der Show zu tun: einer TV-Produktion des Buchautors Jerome Allan Kass – und das sollte sein einziger Abstecher ins Musical-Theatre bleiben.  In gewisser Weise ist es auch ein Liebesbrief an Kass’ Heimat, die Bronx, und an die einfachen, aber humorvollen Alltagsmenschen, die er sah, hörte und kannte.  Wie ein riesiger Topf von Mums bester Hühnersuppe köchelt sein Dialog auf kleiner Flamme dahin und lässt angenehme Blubber- und Zischgeräusche des Schlagabtauschs aufsteigen: Ein pingeliger Kunde inspiziert in Beas Laden ein harmloses „objet“ aus Muscheln und fragt: „Ist das echt?“, worauf die schnoddrige Antwort kommt: „Echt WAS?“  Es ist eine sanfte, warmherzige, unaufdringliche Welt, in der niemand wirklich herausstechen will – aber man es auch nicht allzu schlimm findet, den ersten Preis beim Tangowettbewerb lachend abzuwinken, wenn alle anderen meinen, das sei das Beste.  Das ist überhaupt kein konventionelles Musical-Terrain.  Kein Wunder, dass Kritiker und Publikum damals nicht so recht wussten, wie sie das einordnen sollten.

Ich glaube allerdings, dass wir uns im Waterloo East darüber keine allzu großen Sorgen machen müssen.  Choreografin Nancy Kettle lässt ihre Truppe durch eine ganze Reihe von Nummern gehen – und sie machen ihr alle Ehre.  Gerry Tebbutt ist mit 72 der Senior; nachdem er jedoch sein ganzes Berufsleben damit verbracht hat, sind seine Kraft und Beweglichkeit etwas, das man gesehen haben muss, um es zu glauben.  Vielleicht haben Sie ihn vor Jahrzehnten in West-End-Produktionen gesehen; außerdem war er 17 Jahre lang Head of Musical Theatre an der Guildford School of Acting (GSA).  Solche Lebensläufe sind bei dieser bemerkenswerten Company fast schon Standard, die sich hier zusammengefunden hat, um weniger eine Produktion als vielmehr ein „Happening“ zu präsentieren.

Jede und jeder dieser Darstellenden bringt Erfahrung aus den aufregendsten und legendärsten Shows mit, die Generationen Freude und Inspiration geschenkt haben.  Colette Kelley (als die nervös flackernde, fragile Shirley) stand in den Original-UK-Casts von „Hair“ und „Grease“ auf der Bühne.  Jill Francis (als Martha, eine weitere Ballroom-Stammgästin) begann mit Danny La Rue und wurde später eine führende Choreografin für Musicals, Oper und Pantomime. Und so geht es weiter: Annie Edwards (die spritzige Pauline); Garry Freer (der stets distanzierte Lightfeet); Olivia Maffett (mal flaschenblonde Glamour-Queen, mal giftige Schwägerin von Bea als Helen/Emily); Dudley Rogers (der elegante Harry); Tim Benton (in Doppelfunktion als Uncle Jack und der geschniegelt-smarte Bill) und James Pellow (der sympathische Petey) bringen eine außergewöhnliche Dimension an Wissen und Können mit – und machen diese Truppe zu etwas wirklich Besonderem.

Und dass sie das alles in gerade einmal vierzehn Tagen auf die Beine gestellt haben, ist umso erstaunlicher.  Ja, die Show braucht vielleicht noch ein wenig Spielpraxis, bevor sie wirklich ganz rund läuft – aber es gibt bereits viele Momente, in denen sie genau das tut, und in diesen kleineren, intimeren Räumen kommen wir den Figuren so nahe, wie es das Publikum tat, als die Geschichte erstmals im Fernsehen lief.  Was die Partitur betrifft: Billy Goldenbergs Musik, aus Dutzenden TV-Formaten der Zeit vertraut, hat eine angenehme Surround-Sound-Qualität, der vielleicht das Profil fehlt – aber sie hält alles in Bewegung und deutet zugleich an, dass diese Leben sich im Kreis drehen, dass nicht viel passiert und sich nichts von Bedeutung verändert.  Selbst die Cabaret-Einlagen der Ballroom-Gastgeber Danielle Morris (als Marlene und Beas Tochter Diane) und Adam Anderson (Nathan und Beas Sohn David) gehen nahtlos von einem Song in den nächsten über – und doch scheint es immer, als würden sie stets dasselbe singen.  Trotzdem bekommt Martin die große Nummer „Fifty Cents“ zu singen, die 11-Uhr-Nummer par excellence, mit Verve, Stahl und makelloser Phrasierung.  Alan und Marilyn Bergmans Liedtexte sprechen unverblümte, direkte und ehrliche Wahrheiten über unprätentiöse Leben aus; sie sind pointiert, glasklar zu verstehen in Andy Hills perfektem Sound-Mix und – wie die Tänzerinnen und Tänzer – treten keinen einzigen Schritt daneben.  Vielleicht wäre es eine spannendere Show, wenn sie es täten, aber hier ist alles zu gut im Griff, als dass es zu unerwarteten Patzern käme.

Bis 4. Juni 2017

Fotos: Robert Piwko

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