CRÍTICA: Ballroom, Waterloo East Theatre ✭✭✭

Ballroom

Waterloo East Theatre

Segunda-feira, 15 de maio

3 estrelas

Se alguma vez se perguntou o que Michael Bennett fez depois de alcançar um enorme sucesso com ‘A Chorus Line’, aqui está a oportunidade de descobrir.  O astuto teatro de 100 lugares por baixo da estação de Waterloo East celebra o seu sétimo aniversário a dar-nos, perante os olhos e os ouvidos, repertório de teatro musical invulgar e muitas vezes desconhecido, com talvez a sua produção mais ambiciosa, assinada pelo fundador e director artístico, Gerald Armin: um elenco de 14 e uma banda de 5 enchem o espaço numa reconstituição esplendidamente kitsch, mas carinhosamente desalinhada, de um clube nova-iorquino de dança de salão dos anos 1970 — o Stardust Ballroom.

A chegar mesmo a tempo, pouco antes de o National nos lançar o seu ‘Follies’, este espectáculo também visita as vidas de pessoas mais velhas e a arte de intérpretes mais velhos.  Mas, ao contrário das ex-estrelas de ‘Follies’ da era dourada do entretenimento de variedades da Broadway, ‘Ballroom’ apresenta-nos os comuns mortais do pouco na moda Bronx, um bairro a muitas paragens de metro do brilho e do glamour da Great White Way.  Reúnem-se uma vez por semana no salão de dança simples e algo sombrio (cenário e luzes de Paul O’Shaughnessy), onde uma pequena banda debita as melodias num tempo rigoroso (tudo perfeitamente credível graças aos arranjos disciplinados de Inga Davis-Rutter para a partitura original da Broadway, em grande escala).  Aí, envoltos nos figurinos de Neil Gordon — de um mau gosto ora excessivo, ora insuficiente — dançam rumbas, valsas, bossa novas, hustles e por aí fora, semicerrando os olhos perante os brilhos lançados pela bola de espelhos lá em cima e sacudindo, por momentos, as realidades cinzentas da vida cá fora.

No centro deste meio está a recém-chegada: um ano depois do luto, uma viúva e proprietária de uma loja de artigos em segunda mão é persuadida pela amiga do peito, Angie, cheia de energia (a exuberante Natalie Moore-Williams), a tentar ‘ser feliz’.  É Bea Asher, interpretada por Jessica Martin, num bem-vindo regresso ao palco num papel de peso — aqui milagrosamente envelhecida pelo génio de Richard Mawbey com perucas.  Gostava também de saber quem faz o extraordinário trabalho de maquilhagem, dando-lhe uma tez amarelada e cansada, fazendo-a parecer, em cada detalhe, a mulher solitária e desesperada que, corajosamente, tenta recuperar algum tipo de vida para si — não só na pista de dança, mas também fora dela, com Al Rossi (Cory Peterson pode ser do Minnesota, mas acerta em cheio no tom echt nova-iorquino, numa interpretação bem modulada e equilibrada do mulherengo relutante que traz algum calor outonal à vida de Bea).  É um percurso familiar do teatro musical, mas aqui está semeado com as pedras da normalidade e da rotina.  Até o confronto do segundo acto com a família desaprovadora e intrometida — um embate que quase nos empurra para território de ‘O Medo Devora a Alma’, de Rainer Werner Fassbinder — evita quaisquer fogos-de-artifício emocionais e mostra, em vez disso, como estes problemas podem ser contornados na conversa: sim, com firmeza quando necessário, mas sempre com sensatez e sem dramatizações desnecessárias.  É uma mensagem humana, sem adornos.

Isto poderá ter muito a ver com a origem do espectáculo: uma peça para televisão do autor do libreto, Jerome Allan Kass, cuja única incursão no teatro musical este trabalho viria a ser.  De certo modo, é também uma carta de amor ao Bronx natal de Kass e às pessoas simples, bem-humoradas e do dia-a-dia que ele via, ouvia e conhecia.  Como uma panela gigante da melhor sopa de galinha da mãe, o diálogo vai borbulhando em lume brando, soltando estalidos e assobios agradáveis de réplicas: um cliente picuinhas examina um inofensivo ‘objecto’ feito de conchas no estabelecimento de Bea e pergunta: ‘Isto é genuíno?’, recebendo a resposta rápida: ‘Genuíno O QUÊ?’  É um mundo ameno, caloroso e despretensioso, onde ninguém quer verdadeiramente destacar-se, mas também não se importam muito de rir por terem ganho o primeiro prémio na competição de tango, se é isso que todos os outros acham melhor.  Isto não é terreno convencional de musical.  Não admira que, na altura, críticos e público não soubessem muito bem como o receber.

No Waterloo East, creio que não teremos de nos preocupar demasiado com esse legado.  A coreógrafa Nancy Kettle põe os seus intérpretes a passar por inúmeras rotinas, e eles fazem-lhe justiça.  Gerry Tebbutt é o mais sénior, com 72 anos; tendo passado uma carreira a fazer isto, a sua força e flexibilidade têm de ser vistas para se acreditar.  É bem possível que o tenha visto em espectáculos do West End há décadas, e esteve 17 anos como Director de Teatro Musical na Guildford School of Acting (GSA).  Um currículo deste nível é o pão-nosso de cada dia nesta companhia notável, reunida para apresentar não tanto uma produção, mas um verdadeiro ‘acontecimento’.

Cada um destes actores traz um passado feito nos espectáculos mais excitantes e lendários, que deram prazer e inspiração a gerações.  Colette Kelley (a Shirley, palpitante e frágil) integrou os elencos originais no Reino Unido de Hair e Grease.  Jill Francis (Martha, outra habitué do salão) começou com Danny La Rue e depois tornou-se uma coreógrafa de referência em musicais, ópera e pantomima. E assim continua: Annie Edwards (a vivaz Pauline); Garry Freer (o sempre distante Lightfeet); Olivia Maffett (ora loira oxigenada e glamorosa, ora cunhada mordaz de Bea, como Helen/Emily); Dudley Rogers (o elegante Harry); Tim Benton (em dobragem como Tio Jack e o aprumado Bill) e James Pellow (o afável Petey) trazem a esta companhia uma dimensão extraordinária de conhecimento e saber-fazer que a torna verdadeiramente especial.

E pensar que puseram tudo isto de pé em meras duas semanas torna-o ainda mais admirável.  Sim, o espectáculo talvez precise de mais algum tempo para assentar e ganhar embalo, mas já há muitos momentos em que acontece precisamente isso; e, nestas condições mais pequenas e íntimas, chegamos tão perto destas pessoas como os espectadores chegaram quando a história passou pela primeira vez na televisão.  Quanto à partitura, a música de Billy Goldenberg, familiar de dezenas de programas de TV da época, tem uma agradável qualidade envolvente que pode carecer de distinção, mas mantém o ritmo, ao mesmo tempo que sugere que estas são vidas que andam às voltas, onde pouco acontece e nada de significativo muda.  Até os números em estilo cabaré dos anfitriões do Ballroom, Danielle Morris (como Marlene e Diane, filha de Bea) e Adam Anderson (Nathan e David, filho de Bea), deslizam de canção em canção e, ainda assim, parecem estar sempre a cantar a mesma coisa.  Ainda assim, Martin tem direito ao grande número, ‘Fifty Cents’, o número das 11 em ponto por excelência, com garra e aço e uma dicção impecável.  As letras de Alan e Marilyn Bergman dizem verdades francas, directas e honestas sobre vidas sem pretensões; são bem talhadas, soam límpidas como um sino na mistura sonora perfeita de Andy Hill e — tal como os dançarinos — não falham um passo.  Talvez fosse um espectáculo mais emocionante se falhassem, mas aqui tudo está demasiado bem controlado para haver percalços inesperados.

Em cena até 4 de junho de 2017

Fotografias: Robert Piwko

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