CRITIQUE : Ballroom, Waterloo East Theatre ✭✭✭

Salle de bal

Théâtre Waterloo East

Lundi 15 mai

3 Étoiles

Si vous vous êtes déjà demandé ce que Michael Bennett a fait après avoir connu un tel succès avec « A Chorus Line », c'est maintenant votre chance de le découvrir. Le théâtre de 100 places situé sous la gare de Waterloo East célèbre son septième anniversaire en nous présentant des œuvres de théâtre musical inhabituelles et souvent inconnues, avec peut-être sa production la plus pompeuse grâce à son fondateur et directeur artistique, Gerald Armin : une distribution de 14 personnes et un groupe de 5 occupent l'espace dans une reconstitution brillamment kitsch mais affectueusement démodée d'un club de danse de salon des années 1970 à New York, le Stardust Ballroom.

Arrivant juste avant que le National nous lance son « Follies », ce spectacle explore également la vie des personnes âgées et l'art des artistes plus âgés. Mais, contrairement aux ex-stars de l'âge d'or du divertissement de variété de Broadway dans « Follies », « Salle de bal » nous présente les gens ordinaires du Bronx peu à la mode, un quartier à plusieurs stations de métro du glamour et du strass de Broadway. Ils se réunissent une fois par semaine dans la salle de danse basique et plutôt terne (décor et lumières par Paul O’Shaughnessy), où un petit groupe joue des airs au tempo strict (tout semble parfaitement crédible grâce aux arrangements disciplinés d'Inga Davis-Rutter du grand score original de Broadway). Là, vêtus des costumes mal assortis de Neil Gordon, ils dansent au rythme des rumbas, valses, bossa novas, hustles et autres, en plissant les yeux face aux étincelles du miroir de boule suspendu, tout en illuminant la morosité de la vie extérieure.

Au cœur de ce milieu se trouve la nouvelle arrivante : un an après son veuvage, une veuve propriétaire d'un magasin de bric-à-brac est convaincue par sa meilleure amie dynamique Angie (la pétillante Natalie Moore-Williams) d'essayer d'« être heureuse ». Elle est Bea Asher, interprétée par Jessica Martin, qui fait un retour bienvenu sur scène dans un rôle majeur, ici miraculeusement vieillie grâce au génie de Richard Mawbey avec les perruques. J'aimerais également savoir qui réalise le travail remarquable sur son maquillage, lui donnant un teint terne et fatigué, la faisant ressembler à une femme solitaire, désespérée, tentant courageusement de redonner un sens à sa vie, non seulement sur la piste de danse mais aussi en dehors avec Al Rossi (Cory Peterson vient du Minnesota, mais il parvient ici à adopter le ton authentique du New-Yorkais dans une interprétation bien modulée et honnête du philanderer réticent apportant un peu de chaleur automnale à la vie de Bea). C'est un parcours classique de théâtre musical : mais ici, il est semé d'embûches ordinaires et monotones. Même l'affrontement du deuxième acte avec sa famille désapprobatrice et intrusive, une confrontation qui semble presque nous propulser dans le territoire occupé par « Fear Eats The Soul » de Rainer Maria Fassbinder, évite tout feu d'artifice émotionnel et nous montre plutôt comment ces problèmes peuvent être abordés, oui, fermement si nécessaire, mais toujours avec raison et sans gestes dramatiques inutiles. C'est un message humain et sans prétention.

Cela pourrait tout à voir avec l'origine du spectacle, issue d'une pièce télévisée de l'auteur du livre, Jerome Allan Kass, dont cet œuvre est destinée à être la seule entreprise dans le théâtre musical. D'une certaine façon, c'est aussi une lettre d'amour au Bronx natal de Kass, et aux gens simples mais drôles qu'il a vus, entendus et connus. Comme une grande casserole de la meilleure soupe au poulet de maman, son dialogue bouillonne doucement, émettant de agréables murmures et sifflements de répartie : un client pointilleux inspecte un 'objet' insignifiant en coquille dans l'emporium de Bea, et demande, « Est-ce authentique ? », ce qui fait répondre vivement, « Authentique QUOI ? ». C'est un monde doux, chaleureux et discret, où personne ne veut vraiment se démarquer, mais cela ne les dérange pas trop de rire lorsqu'ils gagnent le premier prix de la compétition de tango si c'est ce que tout le monde pense être le mieux. Ce n'est pas du tout un terrain musical conventionnel. Ce n'est pas étonnant que les critiques de l'époque et le public n'aient pas su comment le prendre.

Je pense qu'au Waterloo East, nous n'aurons pas trop à nous soucier de cet héritage, cependant. La chorégraphe Nancy Kettle fait passer ses élèves par de nombreuses routines, et ils la rendent fière. Gerry Tebbutt est le plus âgé, à 72 ans, bien qu'ayant passé sa carrière à faire cela, sa force physique et sa souplesse doivent être vues pour être admirées. Vous l'avez peut-être vu dans des spectacles de West End il y a des décennies, et il a passé 17 ans en tant que chef du théâtre musical à la Guildford School of Acting (GSA). Ce type de CV est normal pour cette remarquable compagnie qui a été réunie non pas tant pour une production qu'un 'événement'.

Chaque acteur apporte un bagage de travail dans les spectacles les plus excitants et légendaires ayant apporté plaisir et inspiration à des générations. Colette Kelley (dans le rôle de la fragile Shirley) était dans les casting originaux britanniques de Hair et Grease. Jill Francis (dans le rôle de Martha, une autre habituée de la salle de bal) a commencé avec Danny La Rue et est ensuite devenue une chorégraphe de premier plan pour les comédies musicales, l'opéra et les pantomimes. Et ainsi de suite : Annie Edwards (la pétillante Pauline); Garry Freer (le toujours distant Lightfeet); Olivia Maffett (alternativement une blonde glamour et belle-sœur sarcastique de Bea en tant que Helen/Emily); Dudley Rogers (l'élégant Harry); Tim Benton (en double rôle comme Oncle Jack et Bill élégant) et James Pellow (affable Petey) apportent à cette compagnie une dimension extraordinaire de connaissance et de savoir-faire qui en font quelque chose de vraiment spécial.

Et penser qu'ils ont tout mis ensemble en à peine deux semaines est d'autant plus merveilleux. Oui, le spectacle pourrait avoir besoin de s'affiner un peu avant de se dérouler parfaitement, mais il y a déjà de nombreux moments où il fait exactement cela, et dans ces environnements plus petits et plus intimes, nous sommes aussi proches de ces gens que les téléspectateurs l'étaient lorsque l'histoire a été diffusée pour la première fois à la télévision. Quant à la partition, la musique de Billy Goldenberg, familière de dizaines de programmes télévisés de l'époque, a une qualité de son ambiant agréable qui peut manquer de distinction, mais qui maintient les choses en mouvement, tout en suggérant que ces vies tournent en rond, où rien ne se passe vraiment et où rien ne change de manière conséquente. Même les numéros de cabaret des hôtes de la salle de bal, Danielle Morris (dans le rôle de Marlene, et la fille de Bea, Diane) et Adam Anderson (Nathan, et le fils de Bea, David) se succèdent de chanson en chanson, et semblent pourtant toujours chanter la même chose. Néanmoins, Martin chante le grand numéro, « Fifty Cents », le numéro de onze heures par excellence, avec vigueur et acier et une phrase impeccable. Les paroles d'Alan et Marilyn Bergman disent des vérités franches, directes et honnêtes sur des vies sans prétention ; elles sont habilement tournées, claires comme une cloche dans le mixage sonore parfait d'Andy Hill, et – comme les danseurs – ne se trompent pas. Peut-être serait-ce un spectacle plus excitant s'ils le faisaient, mais les choses sont trop bien contrôlées ici pour que des mésaventures inattendues surviennent.

Jusqu'au 4 juin 2017

Photos : Robert Piwko

RÉSERVEZ VOS PLACES POUR SALLE DE BAL AU THÉÂTRE WATERLOO EAST