RESEÑA: Ballroom, Waterloo East Theatre ✭✭✭

Ballroom

Waterloo East Theatre

Lunes, 15 de mayo

3 estrellas

Si alguna vez te has preguntado qué hizo Michael Bennett después de cosechar un éxito tan rotundo con ‘A Chorus Line’, aquí tienes la ocasión de descubrirlo.  El avispado teatro de 100 butacas situado bajo la estación de Waterloo East celebra su séptimo aniversario acercándonos repertorio de teatro musical inusual y a menudo desconocido con, quizá, su producción más ambiciosa, firmada por su fundador y director artístico, Gerald Armin: un elenco de 14 intérpretes y una banda de 5 llenan el espacio en una recreación deliciosamente hortera —pero con cariño, algo deslucida— de un club de baile de salón neoyorquino de los años 70, el Stardust Ballroom.

Llega como anillo al dedo justo antes de que el National Theatre estrene su ‘Follies’, y esta obra también se asoma a las vidas de las personas mayores y al arte de los intérpretes veteranos.  Pero, a diferencia de las exestrellas de ‘Follies’ de la edad de oro del entretenimiento de variedades en Broadway, ‘Ballroom’ nos presenta a gente corriente del poco glamuroso Bronx, un distrito a varias paradas de metro del brillo y el esplendor de la Great White Way.  Se reúnen una vez por semana en la sala de baile, sencilla y más bien apagada (escenografía e iluminación de Paul O’Shaughnessy), donde una pequeña banda marca los temas con un tempo riguroso (todo suena perfectamente verosímil gracias a los disciplinados arreglos de Inga Davis-Rutter de la partitura original, de gran escala, al estilo Broadway).  Allí, envueltos en el vestuario de Neil Gordon —de mal gusto a ratos por exceso y a ratos por defecto—, se mueven entre rumbas, valses, bossa novas, hustles y demás, entornando los ojos ante las chispas de la bola de espejos sobre sus cabezas y sacudiéndose, con energía, las realidades grises de la vida fuera.

En el centro de este ambiente está la nueva llegada: un año después de su pérdida, una viuda y dueña de una tienda de objetos de segunda mano es convencida por su amiga íntima Angie, puro nervio (la exuberante Natalie Moore-Williams), para intentar eso de “ser feliz”.  Es Bea Asher, interpretada por Jessica Martin, que regresa con gusto al escenario en un papel protagonista, aquí “envejecida” de forma casi milagrosa gracias al genio de Richard Mawbey con las pelucas.  También me encantaría saber quién hace el trabajo extraordinario de su maquillaje: le da un tono cetrino y cansado, y la convierte en la viva imagen de una mujer solitaria y desesperada que, con valentía, intenta recuperar una vida para sí misma, no solo en la pista de baile, sino también fuera de ella con Al Rossi (Cory Peterson podrá ser de Minnesota, pero clava aquí el tono echt neoyorquino, con una interpretación contenida y ecuánime del mujeriego reticente que aporta un calor otoñal a la vida de Bea).  Es un recorrido familiar del teatro musical, pero aquí está sembrado de las piedras de lo ordinario y lo rutinario.  Incluso el enfrentamiento del segundo acto con su familia, desaprobadora e entrometida —una confrontación que por momentos parece llevarnos al territorio de ‘El miedo devora el alma’ de Rainer Maria Fassbinder—, esquiva cualquier estallido emocional y, en su lugar, nos muestra cómo estos problemas pueden abordarse hablando: sí, con firmeza si hace falta, pero siempre con sensatez y sin dramatismos innecesarios.  Es un mensaje humano y sin alardes.

Puede que esto tenga mucho que ver con el origen de la obra: un telefilme del autor del libreto, Jerome Allan Kass, destinado a ser su única incursión en el teatro musical.  En cierto modo, también es una carta de amor al Bronx natal de Kass y a ese tipo de gente sencilla, cotidiana y con sentido del humor que él veía, escuchaba y conocía.  Como una gran olla de la mejor sopa de pollo de mamá, su diálogo va cociéndose a fuego lento, soltando agradables borboteos y siseos de ingenio: un cliente quisquilloso examina un inocente “objet” hecho de conchas en el establecimiento de Bea y pregunta: “¿Esto es auténtico?”, a lo que recibe la respuesta fulminante: “¿Auténtico QUÉ?”.  Es un mundo comedido, cálido y sin pretensiones, donde nadie quiere realmente destacar, pero tampoco les importa demasiado quitarle hierro a haber ganado el primer premio en el concurso de tango si eso es lo que a los demás les parece lo mejor.  Este no es un terreno convencional para un musical.  No es de extrañar que, en su momento, a críticos y público no les quedara del todo claro cómo encajarlo.

Creo que en Waterloo East no tendremos que preocuparnos demasiado por ese legado, eso sí.  La coreógrafa Nancy Kettle hace que sus intérpretes pasen por un buen número de números, y ellos responden a la altura.  Gerry Tebbutt es el más veterano, con 72 años, y, tras toda una carrera en esto, su fuerza física y flexibilidad hay que verlas para creerlas.  Es muy probable que lo hayas visto hace décadas en montajes del West End, y pasó 17 años como responsable de Teatro Musical en la Guildford School of Acting (GSA).  Un currículum así es lo habitual en esta compañía tan notable, reunida para presentar no tanto una “producción” como un auténtico “acontecimiento”.

Hasta el último de estos intérpretes aporta una trayectoria en algunos de los montajes más emocionantes y legendarios que han dado placer e inspiración a generaciones.  Colette Kelley (la palpitante y frágil Shirley) estuvo en los repartos originales británicos de Hair y Grease.  Jill Francis (Martha, otra habitual del salón) empezó con Danny La Rue y después se convirtió en una coreógrafa de referencia para musicales, ópera y pantomimas. Y así sigue: Annie Edwards (la chispeante Pauline); Garry Freer (el siempre distante Lightfeet); Olivia Maffett (tan pronto una rubia oxigenada, diva de postal, como una cuñada mordaz de Bea en los papeles de Helen/Emily); Dudley Rogers (el elegante Harry); Tim Benton (doblando como el tío Jack y el apuesto Bill) y James Pellow (el afable Petey) aportan a la compañía una dimensión extraordinaria de conocimiento y oficio que la vuelve verdaderamente especial.

Y pensar que han levantado todo esto en apenas quince días lo hace aún más admirable.  Sí, al espectáculo quizá le venga bien un poco más de rodaje antes de que avance con total soltura, pero ya hay numerosos momentos en los que lo logra; y, en un espacio más pequeño e íntimo, nos acercamos a estos personajes tanto como lo hicieron los espectadores cuando la historia se emitió por primera vez en televisión.  En cuanto a la partitura, la música de Billy Goldenberg, conocida por decenas de programas televisivos de la época, tiene una agradable cualidad envolvente que quizá carezca de rasgos distintivos, pero mantiene el ritmo, y al mismo tiempo sugiere que estas son vidas en círculo, donde pasa poco y nada de importancia cambia.  Incluso los números de cabaré de los anfitriones del Ballroom, Danielle Morris (Marlene y Diane, la hija de Bea) y Adam Anderson (Nathan y David, el hijo de Bea), enlazan una canción con la siguiente y, aun así, parece que estén cantando siempre lo mismo.  Con todo, Martin puede lucirse con el gran número, ‘Fifty Cents’, el clásico 11 o’clock number por excelencia, con brío, temple y un fraseo impecable.  Las letras de Alan y Marilyn Bergman dicen verdades francas, directas y honestas sobre vidas sin pretensiones; están muy bien hiladas, suenan nítidas como una campana gracias a la mezcla de sonido perfecta de Andy Hill y —como los bailarines— no dan un paso en falso.  Quizá sería un espectáculo más emocionante si lo hicieran, pero aquí todo está demasiado bien atado como para que surjan imprevistos.

Hasta el 4 de junio de 2017

Fotos: Robert Piwko

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