REZENSION: Billy Budd, Southwark Playhouse ✭✭

Billy Budd

Southwark Playhouse

11. August 2103 2 Sterne

Es gibt viele Möglichkeiten, Billy Budd als Figur zu spielen, und ebenso viele, den Text zu deuten – aber es erscheint höchst unwahrscheinlich, dass Herman Melville sich jemals hätte vorstellen können, sein unvollendetes Meisterwerk würde in der Gestalt enden, die Seb Harcombe seiner Adaption (die er auch inszeniert) am Southwark Playhouse aufzwingt.

Melville könnte die zerstörerische Macht unschuldiger Schönheit untersucht haben; er könnte ein Plädoyer gegen die Todesstrafe formuliert haben; er könnte den Kampf zwischen Gut, Böse und Pontius Pilatus ausgelotet haben; er könnte sich mit den Problemen befasst haben, die mit der Unterdrückung von Homosexualität einhergehen; er könnte untersucht haben, wie die Dinge nicht immer das sind, was sie scheinen; er könnte die Politik erzwungener Dienstbarkeit in der britischen Marine betrachtet haben – aber ganz sicher untersuchte er nicht die Wirkung lauter Geräusche in engen Räumen, die Techniken des Brüllens, warum Menschen eine gemeinsame Wahnvorstellung teilen oder die Beziehung zwischen interpretativem Tanz und Drama.

Und doch handelt Harcombes Produktion mehr von diesen Dingen als von allem anderen. Es ist eher Billy Crudd als Billy Budd – vor allem deshalb, weil der gut aussehende, charismatische Charlie Archer, der Billy spielt, unerklärlicherweise gezwungen wird, die Attribute von Dreck, körperlicher und geistiger Unfähigkeit und Nachlässigkeit anzunehmen – trotz der ständigen Erinnerung des Textes an seine natürliche Schönheit und seinen Charme.

Das ist eine derart unbegreifliche Regieentscheidung, wie man sie kaum je erlebt – und mit diesem einen Strich beraubt Harcombe die Erzählung ihres inneren Fokus und Zwecks. Nur weil Archer ein Schauspieler von beträchtlichem Können ist, bleibt überhaupt etwas von Melvilles Ideen übrig.

Doch die Entscheidung, Billy so zu zeigen, hat weitere Konsequenzen: Zunächst bringt sie Gerrard McArthurs Claggart in eine nahezu unmögliche Lage – ohne die Schönheit, worauf soll sich seine Obsession richten?

McArthur löst das auf die cleverste mögliche Weise, indem er Claggart aus der Fassung geraten, unberechenbar und verschlagen anlegt – aber es besteht kein Zweifel: Er hätte eine deutlich bessere Leistung zeigen können, wäre er vom Regisseur nicht gefesselt worden, indem man ihm seine zentrale Motivation entzieht. Tatsächlich findet sich die beste, kraftvollste Szene der Inszenierung in dem Moment, in dem Claggart Billys Schlafraum betritt und seinem nackt schlafenden Körper langsam das bedeckende Laken wegzieht – ob die Triebfeder unerfüllte Lust oder Gewalt ist, bleibt verführerisch unklar. McArthur setzt dem einen schlicht hypnotisierenden, hochpoetischen Monolog nach, der spannungsgeladen, unheimlich und perfekt gesetzt ist. Dieser Augenblick macht völlig deutlich, welch starke Darstellung dem Publikum ansonsten vorenthalten wird.

Ebenfalls gegen alle Widerstände gibt es ausgezeichnete Arbeit von Ian Batchelor, der den Matrosen Jenkins spielt – Freund und Beschützer Billys sowie Claggarts Feind –, und von Joel Gorf, der als Matrose Pavel hervorragend ist und sein eigenes Interesse an Billy zurückstellt, um als ein weiterer seiner Wächter zu agieren.

In der enorm komplexen Rolle von Captain Vere ist Luke Courtier fehlbesetzt (zu jung angesichts von Claggarts Alter), und obwohl er das für Veres Psychologie entscheidende Gefühl von Standesbewusstsein und Anspruch gut einfängt, verwehrt ihm die Regie all die anderen Texturen und Schichten, die eigentlich sichtbar sein müssten. Niemand – auch Vere nicht – versteht, warum er Billys Schicksal besiegelt. (Es ist ehrlich gesagt ziemlich schwer zu verstehen, warum Batchelor nicht tatsächlich Vere gespielt hat.)

Horcombe verwechselt Schreien und Metallklopfen mit gedanklicher Resonanz – und das wirkt sich auf das gesamte Ensemble aus. Leider liefert Nikolai Hart-Hansen ein wirksames, stimmungsvolles Bühnenbild, das für eine klaustrophobische Inszenierung von Melvilles Stoff perfekt wäre. In Horcombes Händen jedoch wirkt das Stück wie nichts weiter als ein schlecht durchdachtes Performance-Format, das jedem Schauspieler der Reihe nach seinen Moment zugesteht und vorführt (oder – bei zwei aus dem Ensemble – eben nicht vorführt), wozu er oder sie fähig ist (einschliesslich Singen und Tanzen). Doch für das Werk als Ganzes sowie die übergeordneten Themen und Konzepte gibt es kaum ein erkennbares Interesse.

Eine vertane Chance – zumal mit Archer und McArthur auf der Bühne.