KRITIK: Club Gelber Stern, Laurie Beechman Theater ✭✭✭✭✭

Alexis Fishman in Club Gelbe Stern. Foto: Hunter Canning Club Gelbe Stern

Laurie Beechman Theatre

13. Oktober 2015

5 Sterne

Was bringt es, allein in deinem Zimmer zu sitzen? Komm ins Cabaret …

So singt Sally Bowles im Kander-&-Ebb-Musical Cabaret, einer Show, die hoch geschätzt wird für ihre direkte Konfrontation mit dem Grauen des NS-Deutschlands. Andere Musicals behandeln dasselbe Thema, jedoch auf ganz unterschiedliche Weise: Der Captain in The Sound of Music lehnt die Nazis unnachgiebig ab und führt seine Familie dazu, „jede Bergspitze zu erklimmen“, um ihnen zu entkommen; The Producers lässt die schlechteste Show der Geschichte – ein Musical über Hitler – überraschend zum Hit werden. Es gibt weitere Beispiele, doch meist streifen diese Musicals Hitlers Deutschland eher als eindringliche Chiffre der Fantasie.

Aber keines von ihnen bündelt wirklich den Schrecken, den jüdische Menschen in den Jahren nach Hitlers Machtübernahme in Deutschland empfanden: Ja, Herr Schultz leidet in Cabaret, aber in Erinnerung bleibt vor allem Sally Bowles; man erinnert sich an die Kinder und Nonnen aus The Sound of Music; und Hitler wird in The Producers zur campen, satirisch-überzeichneten Figur. Das Leid der „ganz normalen“ Jüdinnen und Juden ist in populären Musicals selten ein zentrales Thema – auch wenn es hervorragende Kult-Musicals gibt, die sich der Frage stellen, etwa The Grand Tour.

Jetzt ist im Laurie Beechman Theatre ein bemerkenswertes Stück Musiktheater zu sehen: Club Gelbe Stern, geschrieben von Alexis Fishman und James Miller, inszeniert von Sharone Havely. Es taucht unmittelbar ein in die Angst und das Entsetzen, jüdisch und begabt zu sein – just in dem Moment, als das Hakenkreuz begann, Deutschland den Atem zu nehmen. Mit Gesang, Chuzpe und einer rauen, berührenden Erzählweise webt Club Gelbe Stern einen wuchtigen Teppich aus Sex, Freude, Herzschmerz, bitterer Realität, Trotz und – letztlich – Hoffnung.

Ausstattung und Präsentationsform (großartiges Bühnenbild von Jeffrey T Perri Jr und düster-verrauchtes Licht von David Goldstein) verführen zunächst zu der Annahme, es handle sich um ein One-Woman-Cabaret. Doch wer es so einordnet, verkennt vollständig, was das Kreativteam hier erreicht. Das ist ein Kammermusical: frech, präzise gearbeitet – es spielt mit der Cabaret-Form, ist aber in Wahrheit meisterhaftes Storytelling durch und mit Musik. Stilvoll inszeniert, lebt seine Wirkung vom Beitrag jeder Musikerin, jedes Musikers und jeder Figur – auch derer, die nie auftreten, aber durch die Art, wie über sie gesprochen wird, glasklar konturiert sind.

Der Zuschauerraum wurde so gestaltet, dass er an die Art von deutschem Untergrund-Cabaret der 1930er erinnert, für die im Musical Cabaret der Kit Kat Klub steht: schmierig, verqualmt, sexy, seelenvoll – und gekrönt von einer Haus-Sirene, die dich bis zum Orgasmus singen und deine Seele so zurücklassen kann, als würden sich ihre Netzstrümpfe für immer darauf abdrücken. Man spürt, was für ein Ort das ist, noch bevor die Vorstellung beginnt.

Wenn es losgeht, wirkt es zunächst etwas seltsam. Der Cabaret-Star Erika Stern kommt – zu spät und außer Atem. Sie steuert ihren von Glühbirnen umrahmten Schminktisch an und liest einen privaten Brief. Der unbeholfene Pianist Otto, der schwule Geek, improvisiert und kündigt den Star an … und dann macht er es ein zweites Mal, als sie nicht erscheint. Panik scheint nur einen Herzschlag entfernt.

Schließlich betritt sie doch die Bühne, nimmt einen spontanen Schluck aus dem Glas eines Gastes (das dürfte jeden Abend eine stimmliche Überraschung sein!) und legt mit „Lola“ los. Währenddessen und in den folgenden zehn Minuten wirkt die Performance irgendwie daneben: angespannt, die Artikulation unklar, der Fokus verschwommen. Ist das also eine Künstlerin, die noch drittklassiger ist, als Sally Bowles je gedacht war?

Aber nein – genau das ist es nicht. Tatsächlich ist es das genaue Gegenteil.

Es braucht echte Kontrolle und enorme Präzision, um „schräge“ Musikalität so zu erzeugen, dass sie vollkommen überzeugend wirkt – und genau das gelingt Fishman hier. Im ersten Teil ist Erika von dem, was sie im Brief gelesen hat, aus der Bahn geworfen. Doch das Drama funktioniert am besten, wenn das zunächst nicht deutlich ist: wenn die nagende Angst sich langsam aus ihrem Innersten nach außen frisst und sie dann ganz verschlingt – bis sie auf die Situation reagiert und das entfesselt, was sie am besten kann: vokalen Glanz und virtuose Giftigkeit.

Alexis Fishman und Heath Saunders. Foto: Hunter Canning.

Fishman schafft das alles ganz hervorragend. Der Moment, in dem man begreift, dass sie das, was Erika widerfahren ist, sorgfältig zeigt, indem sie ihre eigenen Bühnenfertigkeiten subtil sabotiert, ist so überraschend und wuchtig wie etwa der Augenblick, in dem Ulla in The Producers plötzlich loslegt – oder die Geburtstagstorten-Szene in Next to Normal. Kraftvoll, theatralisch, unvergesslich.

Die Geschichte, die Erika enthüllt, handelt von doppelzüngigen und glücksverheißenden Männern, guten und schlechten Liebhabern, Verlobungsringen, gekündigten Verträgen – und der Erkenntnis, dass die Flucht vor der unaufhaltsamen Macht der Nazis buchstäblich eine Frage von Leben und Tod ist. Die Einzelheiten überlasse ich am besten Erika selbst: Fishmans Spiel ist so vielschichtig, so schneidend vor Schmerz und zugleich voller Anmut, dass meine Nacherzählung kaum so makellos, so intensiv, so großartig sein könnte.

Trotz der tiefen, dunklen Themen ist das Stück keineswegs durchgehend düster. Dieses Liedchen – gesungen zur Habanera von Bizet (aus Carmen) – zeigt den bissigen Humor, den man hier geboten bekommt:

Wenn dein Telefon nicht funktioniert wenn die Badewanne leckt wenn die Inflation täglich steigt wenn die Steuer dich erschreckt wenn dein Hund auf den Teppich pinkelt wenn deine Frau im Bett nichts taugt wenn die Kinder dir das Gebäck wegessen, wenn der Prince of Wales schwul ist Gib den Juden die Schuld, gib den Juden die Schuld Die Juden sind schuld, das ist nicht neu Du brauchst kein Hirn, die Zeichen zu sehn Schuldig sind am Ende immer nur die Juden Also gib den Juden die Schuld, wenn wir Fehler haben Wir können nichts dafür, denn der Jude ist die Ursache für all unsere Fehler – ach, welch Schmach doch was auch immer schiefläuft: der Jude ist schuld.

Ein anderes Beispiel, aus einem weiteren Song, zeigt die satirische, politische Schlagseite vieler Nummern:

Adolf meint, ein Mann soll heiraten – stell dich den Fakten „jeder deutsche Mann, der single ist, zahlt eine Extra-Steuer!“ Doch er selbst ist Junggeselle – seltsam, das musst du zugeben Keiner kennt den Grund, doch schwer zu erraten ist er nicht.

Die Songauswahl ist bemerkenswert wirkungsvoll, und viele Stücke stammen aus der Zeit, in der die Handlung spielt. Die Schlussnummer „If I Leave You“ ist ein außergewöhnlich schöner Torch Song, geschrieben und arrangiert von Heath Saunders (dem ursprünglichen Otto). Er bleibt noch lange im Kopf, nachdem man das Theater verlassen hat.

Fishman hat eine herrlich flexible Stimme: butterweich und samtig im Ton, zugleich aber fähig zu schroffer, messingglänzender Auflehnung. Es klingt, als hätten Ethel Merman und Barbra Streisand irgendwie ihre DNA gesegnet – warm, überschäumend, mutig.

Doch dieser Abend ist nicht nur Gesang. Fishman ist völlig eins mit der Figur und kann – je nach Publikum – frei improvisieren, sodass die Vorstellung vor Spontaneität flirrt. Der dramatische Kern der Erzählung ist wunderschön austariert: ob es nun um eine Geschichte rassistischer Vergeltung geht, erzählt oben auf einer funktionierenden Bar (mit Alkohol und Servicepersonal in Griffweite), oder um die überraschende Entdeckung einer NS-Flagge an einem unerwarteten Ort.

Es hilft, dass sie umwerfend aussieht und ihre feminine Ausstrahlung kompromisslos ausspielt.

Musikalisch wird Fishman erstklassig unterstützt von Brian Russell Carey am Klavier (er spielt auch Otto), Giuseppe Fusco (Holzbläser) und Steve Millhouse (Bass). Alle spielen außergewöhnlich gut – und einige singen ebenfalls sehr wirkungsvoll.

Wenn es hier überhaupt einen Makel gibt – und ich bin mir nicht sicher, ob es wirklich einen gibt –, dann vielleicht, dass das Stück auf nur einen Akt beschränkt ist. Man fragt sich, wie viel schockierender und zugleich befriedigender das Erlebnis wäre, gäbe es einen ersten Akt, in dem Erika ungebremst ist, sich amüsiert, ihr übliches Set singt – ohne jede Vorahnung des Briefes, der noch kommen wird. Sicher wäre es ein Genuss, Fishman ganz ungezügelt im „Weimar, wie es war“-Modus zu erleben.

Club Gelbe Stern ist ein wichtiges und ungemein befriedigendes Stück dramatischen Musiktheaters. Jede und jeder sollte es sehen – weil es auf völlig zugängliche und unterhaltsame Weise von einem jener Momente spricht, in denen die Menschheit schlicht nicht möchte, dass die Geschichte sich wiederholt. Und trotz aller Ehrlichkeit und Rauheit ist es ausgelassen hoffnungsvoll.

Wenn du in New York bist, tu alles, um es zu sehen. Wenn du in London bist, bete, dass das Chocolate Menier es übernimmt.

Ein Triumph.

Club Glebe Stern läuft derzeit im Laurie Beechman Theatre