KRITIK: Dara, Lyttelton Theatre ✭✭✭

Zubin Varla als Dara und Prasanna Puwanarajah als Talib. Foto: Ellie Kurtz Dara

Lyttleton Theatre

1. März 2015

3 Sterne

Er ist ein sehr großer, sehr breitschultriger Eunuch. Er ist ein Diener des Hofes, seit er im Alter von elf Jahren aus dem Haus seiner Familie verschleppt wurde: man gab ihm Opium, kastrierte ihn und ließ ihn im Sand liegen, damit er dort heilen konnte. Er überlebte – einer von nur zwei (aus einer Gruppe von zwölf), die es taten. Als Eunuch am Hof des Kaisers des Mogulreichs bewachte er den Harem und spielte eine wichtige Rolle in der Kinderstube. Er kennt die königliche Familie in- und auswendig; er liebt sie wie seine eigene.

Im Palast tauchen unerwartete Besucher auf. Sie wollen den Eunuchen sehen. Er ist verwirrt; außerhalb des Palastes hat er keine Freunde. Der Kaiser ist misstrauisch, besorgt, dass Verrat in der Luft liegen könnte. Der Kaiser ist nicht gerade von der vertrauenden Sorte – möglicherweise, weil er selbst nicht vertrauenswürdig ist. Die Besucher treten ein: eine alte Frau und ein alter Mann. Die Eltern des Eunuchen. Sie sind gekommen, um ihn um Geld anzuflehen.

Der Eunuch wird zu einem Vulkan aus Wut; ein Leben voller Reue, Schmerz und Qual bricht in einer galligen Tirade aus ihm heraus. Er schildert seinen Eltern, wie sich die Kastration für ihn anfühlte, wie er weder wie ein Mann noch wie eine Frau pinkeln kann. Er erinnert sie daran, dass die letzten Worte, die er von ihnen hörte, „Nehmt ihn“ waren. Er befiehlt, sie abzuführen und jedem 20 Hiebe zu geben.

Wenn es um Szenen häuslicher Brutalität geht, gehört dies zu den außergewöhnlichsten, die man seit vielen Jahren auf einer Bühne des National Theatre gesehen hat. Die rohe Verletzung ist greifbar, schwer auszuhalten. Erstaunlich.

Das ist Dara, Tanya Ronders Bearbeitung von Shahid Nadeems Stück, das ursprünglich vom pakistanischen Ajoka Theatre uraufgeführt wurde und nun im Lyttleton Theatre zu sehen ist – in einer Inszenierung von Nadia Fall, mit Bewegungschoreografie der talentierten Liam Steel und Kampfszenen von Kate Waters. Es ist ein nichtlinear erzähltes Geschichtsdrama, das ein bestimmtes Kapitel der indischen Geschichte beleuchtet und sich auf die Familie des Mannes konzentriert, der den Bau des Taj Mahal anordnete.

Im Programmheft sagt Fall: „… es ist eine Gelegenheit, südasiatischen Schauspieler*innen ein episches, kraftvolles Stück zu bieten. Und weil die Moguln selbst aus unterschiedlichen Ländern stammten – aus so weit entfernten Gegenden wie Usbekistan, Afghanistan, Persien –, spiegelt unsere Besetzung die Vielfalt dieses Reiches und auch die Vielfalt Indiens heute wider. Was Tanya geschrieben hat, ist filmisch – Totalen und Nahaufnahmen. Die Szenen wechseln so schnell, dass es zum Beispiel keinen Sinn ergibt, eine Szene mit Möbeln einzurichten. Deshalb hat Katrina Lindsay im Bühnenbild alles recht reduziert und fast griechisch gehalten. Der Raum kann ein Palast sein, ein Kriegslager – was auch immer der Moment verlangt. Zugleich haben wir versucht, es in den Kostümen in einer Art Authentizität zu verankern – wir haben eine Beraterin in Indien, die sich bestimmte Mogul-Silhouetten anschaut. Auch Sounddesign und Musik sind von Sufi-Musik, Sufi-Poesie und -Denken inspiriert; das ist ein großes Thema im Stück und prägt die Philosophie unseres Protagonisten, Prinz Dara.“

Die Vision, die Fall, Ronder und ihr Team für Dara haben, ist so groß und überwältigend wie der Taj Mahal selbst. Lindsays wunderbares Bühnenbild nutzt die volle Länge, Breite und Höhe des riesigen Lyttleton-Raums. Eine Reihe wunderschön gemusterter Paravents wird eingesetzt, die sich in ständig wechselnden Formationen über und quer über die Bühne bewegen und dem Geschehen ein wirklich exotisches Gepräge geben. Fast wirken sie wie Schleier, die die Handlung teilweise verhüllen. Menschen tanzen oder bewegen sich in rhythmischen Mustern um und hinter die Paravents; Steels Bewegungsarbeit sorgt dafür, dass das Gefühl von Exotik fortwährend gesteigert wird.

Die Kostüme sind farbenfroh und verorten die Handlung eindrücklich an einem weit entfernten Ort. Fall und Steel achten darauf, dass alles in zügigem Tempo vorangeht; das bunte Kaleidoskop aus Aktivitäten, Bildern und Designs wirkt visuell berauschend. Es sieht grandios aus.

Im ersten Akt führt Ronder die königliche Familie ein (zu verschiedenen Zeitpunkten innerhalb eines hundertjährigen Zeitraums) sowie die Machtkämpfe, Eifersüchteleien und religiösen Doktrinen, die jede Figur prägen. Der zentrale Handlungsstrang dreht sich um den Kampf um die Macht zwischen Aurangzeb und Dara, zwei Söhnen des herrschenden Shah Jahan. Aurangzeb sperrt seinen Vater und seine älteste Schwester ein und lässt Dara, dessen Sohn sowie seinen anderen Bruder, den jüngsten, Murad, jagen.

Im Kern glaubt Aurangzeb, Dara halte sich nicht ordnungsgemäß an den muslimischen Glauben. Dara wird deshalb als Abtrünniger vor Gericht gestellt, und Aurangzeb schlägt – vordergründig im Namen des Korans – einen Kurs ein, bei dem er zu allen Mitteln greift, auch zu korrupten, um jene kompromisslosen Ziele zu erreichen, die er als mit den Lehren vereinbar ansieht, die er hochhält.

Der Prozess gegen Dara ist faszinierend. Ein begabter, wendiger Ankläger, Talib (kann dieser Name Zufall sein?), zerlegt Daras Ansichten methodisch, aber unehrlich, nutzt Beweisstücke selektiv, um ihn in die Falle zu locken, und reißt – wie ein Tier in der Nacht – an den Rändern von Dara, bis dessen Herz offenliegt. Im Verlauf dessen erfährt das Publikum eine Menge über die muslimische Welt und die Glaubensvorstellungen, die sie tragen. Das ist durchaus augenöffnend.

Der zweite Akt springt umher – etwas ablenkend und bei weitem nicht so wirkungsvoll wie der erste. Abgesehen von den außergewöhnlichen Szenen mit dem Eunuchen und einer interessanten Sequenz mit einem Weisen, Mian Mir, in der Dara den Wert seines Königreichs erkennt (nicht mehr als ein Glas Wasser), mäandert der zweite Akt ein wenig zu sehr. Die Figuren sind nicht so gut geschrieben oder gespielt, dass man sich besonders um ihre Schicksale sorgt. Das Versprechen des ersten Akts wird nicht eingelöst, und das Stück erreicht nie seinen natürlichen, angemessenen Höhepunkt.

Die herausragenden Leistungen kommen von Prasanna Puwanarajah (spritzig und quecksilbrig als Daras Ankläger Talib), Chook Sibtain (als bemerkenswert glaubwürdiger kaiserlicher Eunuch Itbar), Nathalie Armin (verwirrt und loyal als älteste Schwester von Dara und Aurangzeb, voller Herz), Ranjit Krishnamma (Mian Mir) und Ronak Patani (Daras Sohn Sipihr). Volle Punktzahl auch für Scott Karim, der als spärlich bekleideter Sufi-Meister Faqir Grenzen auslotet – dessen Prophezeiungen die Räder von Hass und Rache in Bewegung setzen.

Zubin Varla und Sargon Yelda haben die größten Rollen: Dara und Aurangzeb. Varla gelingt es am besten, vor allem in der Gerichtsszene. Doch beide tun sich schwer damit, das Herz, das menschliche Innenleben dieser bemerkenswerten Männer zu vermitteln. Es gibt zu viel Wut und Geschrei; zu wenig kontrollierten, präzisen Zorn.

Vielleicht liegt der Schlüssel in der filmischen Behandlung des Textes, die Fall erwähnt. Nahaufnahmen sind auf der Bühne nicht möglich, und das könnte erklären, warum die nötige, nachdrückliche Verbindung fehlte.

Dara ist zweifellos ein episches Ereignis, und die opulenten Produktionswerte tragen das. In seinen besten Momenten ist es provokant und fesselnd, voller historischem Interesse. In seinen schwächsten ist es enttäuschend – aber nie schlecht. Es ist genau die Art von anspruchsvoller Arbeit, die das National Theatre zeigen sollte.

Sehr sehenswert – und ein Abend, über den es sich nachzudenken lohnt.