CRÍTICA: Dara, Teatro Lyttleton ✭✭✭

Zubin Varla como Dara e Prasanna Puwanarajah como Talib. Foto: Ellie Kurtz Dara

Teatro Lyttleton

1 de março de 2015

3 estrelas

Ele é um eunuco muito alto e muito robusto. É servo real desde que foi raptado da casa da família quando tinha 11 anos, alimentado com ópio, castrado e deixado a sarar na areia. Sobreviveu — um de apenas dois (de um grupo de doze) que o fizeram. Como eunuco ao serviço do Imperador do Império Mogol, guardou o Harém e desempenhou um papel importante no berçário. Conhece intimamente a Família Real; ama-os como se fossem a sua própria família.

Há visitantes inesperados no Palácio. Querem ver o eunuco. Ele fica perplexo; não tem amigos fora do Palácio. O Imperador desconfia, preocupado que possa haver traição no ar. O Imperador é do tipo desconfiado — possivelmente porque ele próprio não é de confiança. Os visitantes entram. Uma mulher idosa e um homem idoso. Os pais do eunuco. Vieram implorar-lhe dinheiro.

O eunuco torna-se vulcânico de raiva, uma vida inteira de arrependimento, dor e tormento a irromper numa invectiva biliosa. Conta aos pais como foi a castração para ele, como não consegue urinar como um homem, nem como uma mulher. Recorda-lhes que as últimas palavras que ouviu deles foram: "Levem-no". Ordena que sejam levados e que cada um receba 20 chicotadas.

Como cena de brutalidade doméstica, esta está entre as mais extraordinárias vistas num palco do National Theatre em muitos anos. A ferida visceral é palpável, difícil de suportar. Assombroso.

Isto é Dara, a adaptação de Tanya Ronder da peça de Shahid Nadeem, originalmente apresentada pelo Ajoka Theatre, do Paquistão, agora em cena no Lyttleton Theatre, numa produção encenada por Nadia Fall, com movimento do talentoso Liam Steel e sequências de combate de Kate Waters. É uma peça histórica não linear que observa um determinado capítulo da história da Índia, centrando-se na família do homem que ordenou a construção do Taj Mahal.

No programa, Fall diz: "...é uma oportunidade de oferecer uma peça épica e robusta a atores sul-asiáticos. E, como os próprios mogóis eram de diferentes terras — desde o Uzbequistão, Afeganistão, Pérsia — o nosso elenco reflete a diversidade desse Império e também da Índia de hoje. O que a Tanya escreveu é cinematográfico — planos gerais e grandes planos. As cenas sucedem-se tão depressa que não faz sentido, por exemplo, montar uma cena com mobiliário. Assim, o que Katrina Lindsay fez no desenho é mantê-lo bastante depurado e com um certo sabor grego. O espaço pode ser um palácio, um acampamento de guerra, o que o momento pedir. Mas esforçámo-nos por ancorar tudo num tipo de autenticidade nos figurinos — temos um consultor na Índia a analisar silhuetas mogóis específicas. Além disso, o desenho de som e a música inspiram-se na música sufi, na poesia sufi e no pensamento sufi, sendo esse um grande tema na peça, e na filosofia do nosso protagonista, o Príncipe Dara."

A visão que Fall e Ronder e a sua equipa têm para Dara é tão grandiosa e imponente como o próprio Taj Mahal. O maravilhoso cenário de Lindsay aproveita todo o comprimento, a largura e a altura do vasto espaço do Lyttleton. Uma série de biombos lindamente estampados é utilizada, movendo-se em configurações em constante mudança pelo palco e acima dele, conferindo um verdadeiro sentido de exotismo ao que acontece. Quase parecem véus, encobrindo parcialmente a ação. As pessoas dançam ou movem-se em padrões rítmicos à volta e por trás dos biombos; o movimento de Steel garante que a sensação de exotismo é intensificada e contínua.

Os figurinos são coloridos e situam vividamente a ação num lugar muito distante. Fall e Steel asseguram que tudo decorre a bom ritmo; o caleidoscópio colorido de atividade, imagens e desenhos é visualmente intoxicante. É magnífico.

No primeiro ato, Ronder apresenta a Família Real (em vários momentos ao longo de um período de cem anos) e as lutas internas, ciúmes e doutrinas religiosas que fazem de cada um quem é. A narrativa central diz respeito à disputa pelo poder entre Aurangzeb e Dara, ambos filhos do governante Shah Jahan. Aurangzeb aprisiona o pai e a irmã mais velha e persegue Dara e o seu filho e o outro irmão, o mais novo, Murad.

Em essência, Aurangzeb acredita que Dara não está a aderir de forma adequada e correta à fé muçulmana. Como resultado, Dara é julgado por apostasia e Aurangzeb inicia um percurso, ostensivamente em nome do Corão, para usar quaisquer medidas ao seu alcance, incluindo as corruptas, para alcançar os objetivos de linha dura que considera coerentes com os ensinamentos que honra.

O julgamento de Dara é fascinante. Um procurador talentoso e ágil, Talib (será esse nome por acaso?) disseca metodicamente, mas de forma desonesta, as ideias de Dara, usa aspetos das provas para o induzir em erro e, como uma fera na noite, vai rasgando as margens de Dara até lhe expor o coração. Ao longo de tudo isto, o público aprende imenso sobre o mundo muçulmano e as crenças que o sustentam. É bastante esclarecedor.

O segundo ato salta de um lado para o outro, de forma algo dispersa e com um efeito longe de tão conseguido como o do primeiro. Tirando as sequências extraordinárias com o eunuco e uma sequência interessante com um sábio, Mian Mir, em que Dara aprende o valor do seu reino (não mais do que um copo de água), o segundo ato divaga um pouco demais. As personagens não estão tão bem escritas ou interpretadas que seja possível preocuparmo-nos muito com os seus destinos. A promessa do primeiro ato não é desenvolvida e a peça nunca atinge o seu crescendo natural, como seria devido.

As interpretações de maior destaque são de Prasanna Puwanarajah (vivo e esquivo como mercúrio no papel de Talib, o acusador de Dara), Chook Sibtain (um eunuco imperial notavelmente credível, Itbar), Nathalie Armin (perplexa e leal como a irmã mais velha de Dara e Aurangzeb, cheia de coração), Ranjit Krishnamma (Mian Mir) e Ronak Patani (Sipihr, o filho de Dara). Nota igualmente máxima para Scott Karim, que estica os limites como o mestre sufi, Faqir, em trajes mínimos, cujas profecias põem em marcha as engrenagens do ódio e da vingança.

Zubin Varla e Sargon Yelda têm os papéis mais substanciais, Dara e Aurangzeb. Varla é o mais bem-sucedido, especialmente na cena do julgamento. Mas ambos têm dificuldade em comunicar o coração, o interior humano, destes homens notáveis. Há demasiada raiva e gritaria; falta raiva controlada, precisa.

Talvez o tratamento cinematográfico do texto, referido por Fall, seja a chave. Não é possível ter grandes planos em palco, e isso pode explicar porque não se sentiu a necessária ligação enfática.

Dara é, sem dúvida, um acontecimento épico, e os valores de produção sumptuosos sustentam-no. No seu melhor, é provocador e intrigante, cheio de interesse histórico. No seu pior, é dececionante — mas nunca é mau. É precisamente o tipo de trabalho exigente que o National Theatre deve apresentar.

Vale bem a pena ver e refletir.