RECENSIONE: Dara, Lyttelton Theatre ✭✭✭

Zubin Varla nel ruolo di Dara e Prasanna Puwanarajah in quello di Talib. Foto: Ellie Kurtz Dara

Lyttleton Theatre

1 marzo 2015

3 stelle

È un eunuco molto alto e molto robusto. È al servizio della corte da quando, a 11 anni, fu strappato alla casa di famiglia, imbottito d’oppio, castrato e lasciato a guarire nella sabbia. È sopravvissuto: uno dei soli due (su una dozzina) a farcela. Come eunuco dell’Imperatore dell’Impero Moghul, ha vegliato sull’Harem e ha avuto un ruolo importante nell’allevamento dei figli. Conosce intimamente la Famiglia Reale; li ama come fossero la sua stessa famiglia.

Al Palazzo arrivano visitatori inattesi. Vogliono vedere l’eunuco. Lui è sconcertato: non ha amici fuori dal Palazzo. L’Imperatore è sospettoso, preoccupato che nell’aria ci sia tradimento. È il tipo che non si fida di nessuno, forse perché lui per primo non è affidabile. I visitatori entrano. Una donna anziana e un uomo anziano. I genitori dell’eunuco. Sono venuti a implorargli del denaro.

L’eunuco esplode in una rabbia vulcanica: una vita intera di rimpianti, dolore e tormento erompe in un’invettiva biliosa. Racconta ai genitori com’è stata la castrazione, come non possa urinare come un uomo né come una donna. Ricorda loro che le ultime parole che ha sentito da parte loro sono state: "Prendetelo". Ordina che vengano portati via e che a ciascuno siano inflitte 20 frustate.

Per quanto riguarda scene di brutalità domestica, questa è tra le più straordinarie viste su un palcoscenico del National Theatre da molti anni. La ferita viscerale è tangibile, difficile da sostenere. Sconvolgente.

Questo è Dara, l’adattamento di Tanya Ronder dell’opera di Shahid Nadeem, originariamente messa in scena dall’Ajoka Theatre del Pakistan, ora al Lyttleton Theatre in una produzione diretta da Nadia Fall, con i movimenti curati dal talentuoso Liam Steel e le sequenze di combattimento di Kate Waters. È un dramma storico non lineare che osserva un capitolo della storia dell’India, concentrandosi sulla famiglia dell’uomo che ordinò la costruzione del Taj Mahal.

Nel programma di sala, Fall dice: "...è un’opportunità per offrire agli attori sudasiatici un’opera epica e vigorosa. E poiché gli stessi Moghul provenivano da terre diverse — fino a Uzbekistan, Afghanistan, Persia — il nostro cast riflette la diversità di quell’Impero e anche dell’India di oggi. Ciò che Tanya ha scritto è cinematografico — campi lunghi e primi piani. Le scene si muovono così in fretta che non ha senso allestirle con i mobili, per esempio. Quindi, nel design, Katrina Lindsay ha scelto di mantenere tutto piuttosto essenziale, quasi di ascendenza greca. Lo spazio può essere un palazzo, un accampamento di guerra, qualunque cosa richieda il momento. Ma ci siamo sforzati di ancorarlo a una certa autenticità nei costumi: abbiamo una consulente in India che sta studiando specifiche silhouette moghul. Anche il sound design e la musica sono ispirati alla musica sufi, alla poesia sufi e al pensiero sufi, un tema importante dell’opera, e alla filosofia del nostro protagonista, il principe Dara."

La visione che Fall e Ronder, insieme alla loro squadra, hanno per Dara è grandiosa e maestosa quanto il Taj Mahal. La splendida scenografia di Lindsay sfrutta tutta la lunghezza, la larghezza e l’altezza dell’immenso spazio del Lyttleton. Una serie di paraventi magnificamente decorati viene utilizzata, muovendosi in configurazioni in continuo mutamento sopra e attraverso la scena, conferendo un’autentica sensazione di esotismo all’insieme. Sembrano quasi dei veli, che in parte celano l’azione. Le persone danzano o si muovono in schemi ritmici attorno e dietro i paraventi; i movimenti di Steel fanno sì che il senso di esotismo sia amplificato e costante.

I costumi sono colorati e collocano vividamente l’azione in un luogo lontano. Fall e Steel fanno in modo che tutto proceda a ritmo sostenuto; il caleidoscopio variopinto di attività, immagini e design è visivamente inebriante. È magnifico.

Nel primo atto, Ronder presenta la Famiglia Reale (in diversi momenti nell’arco di un periodo di cento anni) e le lotte intestine, le gelosie e le dottrine religiose che plasmano ciascuno di loro. La narrazione centrale riguarda la lotta per il potere tra Aurangzeb e Dara, entrambi figli del sovrano Shah Jahan. Aurangzeb imprigiona il padre e la sorella maggiore e dà la caccia a Dara, a suo figlio e all’altro fratello, il più giovane, Murad.

In sostanza, Aurangzeb ritiene che Dara non aderisca in modo corretto e rigoroso alla fede musulmana. Di conseguenza, Dara viene processato con l’accusa di apostasia e Aurangzeb intraprende una strada che, apparentemente in nome del Corano, lo porta a usare qualsiasi mezzo — anche corrotto — per raggiungere gli obiettivi intransigenti che considera conformi agli insegnamenti che onora.

Il processo a Dara è affascinante. Talib — pubblico ministero dotato e agile (quel nome può essere davvero casuale?) — con metodo, ma disonestamente, smonta le idee di Dara, usa elementi della prova per indurlo in trappola e, come una bestia nella notte, ne lacera i margini finché il cuore di Dara non resta esposto. In tutto questo, il pubblico finisce per apprendere moltissimo sul mondo musulmano e sulle convinzioni che lo sostengono. È davvero illuminante.

Il secondo atto svolazza qua e là, in modo un po’ dispersivo e con un’efficacia non lontanamente pari a quella del primo. A parte le sequenze straordinarie con l’eunuco e una scena interessante con il saggio Mian Mir, in cui Dara apprende il valore del suo regno (non più di un bicchiere d’acqua), il secondo atto divaga un po’ troppo. I personaggi non sono scritti o interpretati in modo tale da farci interessare davvero al loro destino. La promessa del primo atto non viene sviluppata e l’opera non raggiunge mai il suo naturale, giusto crescendo.

Le interpretazioni più notevoli arrivano da Prasanna Puwanarajah (vivace e sfuggente come Talib, l’accusatore di Dara), Chook Sibtain (un eunuco imperiale, Itbar, incredibilmente credibile), Nathalie Armin (sconcertata e leale nel ruolo della sorella maggiore di Dara e Aurangzeb, piena di cuore), Ranjit Krishnamma (Mian Mir) e Ronak Patani (Sipihr, il figlio di Dara). Da elogiare anche Scott Karim, che spinge i confini nel ruolo del maestro sufi Faqir, scollacciato e quasi nudo, le cui profezie mettono in moto gli ingranaggi dell’odio e della vendetta.

Zubin Varla e Sargon Yelda hanno i ruoli più sostanziosi, Dara e Aurangzeb. Varla è il più convincente, soprattutto nella scena del processo. Ma entrambi faticano a comunicare il cuore, l’interiorità umana di questi uomini straordinari. C’è troppa rabbia e troppe urla; non abbastanza furia controllata e precisa.

Forse la chiave sta proprio nel trattamento “cinematografico” del testo, sottolineato da Fall. A teatro non è possibile avere i primi piani, e questo potrebbe spiegare perché mancasse la necessaria connessione, così incisiva.

Dara è certamente un evento epico e i valori produttivi sontuosi lo sostengono. Nel suo momento migliore, è provocatorio e intrigante, ricco di interesse storico. Nel suo momento peggiore, è deludente, ma non è mai brutto. È esattamente il tipo di lavoro impegnativo che il National Theatre dovrebbe portare in scena.

Vale davvero la pena vederlo e rifletterci.