REZENSION: Dessa Rose, Trafalgar Studios ✭✭✭✭

Dessa Rose Trafalgar Studios 2 29. Juli 2014 4 Sterne Tickets buchen

Die jüngste Schliessung von I Cant Sing hing wie eine dichte, grauenhafte, dunkle Wolke über dem West End. Doch wie bei allen Wolken zeigte sich: Es gab tatsächlich einen Silberstreif am Horizont.

Denn wäre die Show weitergelaufen (was sie hätte tun sollen, weil sie wirklich ziemlich gut war), wäre Cynthia Erivo wohl kaum verfügbar gewesen, um in der Europa-Premiere von Dessa Rose zu spielen – einem Musical aus dem Jahr 2005 vom meisterhaften Team Stephen Flaherty (Musik) und Lynn Ahrens (Buch und Songtexte), das derzeit im Trafalgar Studio Two in den Previews zu sehen ist. Und das wäre eine herbe Enttäuschung gewesen.

Dessa Rose ist ein bemerkenswert packendes Stück Musiktheater, das das Leben zweier Frauen vom mittleren 19. Jahrhundert bis in die frühen 1920er-Jahre in den USA nachzeichnet, überwiegend im Süden. Dessa Rose wird als Sklavin geboren, doch mit sechzehn hat sie bereits ein Kind, ist zum Tode verurteilt worden und auf der Flucht. Ihre Geschichte ist verflochten mit der von Ruth, einer weissen Frau, die in die würdevolle Welt der Südstaaten-Gesellschaft hineingeboren wird und von der erwartet wird, „gut“ zu heiraten. Sie heiratet – aber nicht gut – und findet sich schliesslich allein und von ihrem spielsüchtigen Ehemann verlassen wieder, mit einer dysfunktionalen Plantage als Zuhause.

Der Grossteil des Musicals erzählt von der Freundschaft, die zwischen diesen beiden Frauen allmählich wächst und schliesslich stark wird – beide bemerkenswert, zäh und auf ihre Weise wunderbar. Es ist fast wie eine Fabel; bisweilen – wäre da nicht die Tatsache, dass es um zwei Frauen geht – könnte man verzeihlicherweise glauben, Mark Twain habe sie geschrieben: so präsent sind der komische Geist und die rohen, intensiven Beobachtungen über die Unwägbarkeiten des Lebens für Frauen und Afroamerikaner*innen im Deep South in jenen Jahrzehnten, in denen Sklaverei de rigueur war und Hoffnung und Harmonie hart erkämpft werden mussten.

Mal ist es witzig, mal zutiefst berührend – und bis die Geschichte zu Ende ist, gibt es viele Wendungen.

Andrew Keates führt mit sicherer, klarer Hand Regie. Die Produktion ist reduziert und aufgeräumt, aber nie langweilig oder verwirrend. Der kleine Raum wird maximal genutzt, und trotz der extremen Nähe von Publikum und Ensemble entsteht nie ein Gefühl von Unbehagen. Diese Intimität passt dem Text hervorragend und lässt ihn glänzen.

An Garance Marneurs cleverem, puzzleartigem Bühnenbild funktioniert alles. Die ständig präsenten, herabhängenden Ketten verstärken die unterschwellige Idee der Sklaverei – und werden für ganz unterschiedliche Zwecke genutzt: manches überrascht, manches dient den dunkleren Passagen. Auch die Kostüme (Phillipa Batt) beschwören die Epoche prachtvoll herauf.

Dean Austin liefert eine erstklassige musikalische Leitung, und die kleine, ungewöhnlich besetzte Band (Keyboard, Violine/Mandoline, Holzbläser und Cello), die an den äussersten Rändern des Zuschauerraums verteilt ist, begleitet ausgezeichnet. Für den Percussion-Part hilft das Ensemble je nach Bedarf der Partitur improvisiert mit. So bekommt die Musik insgesamt etwas von Lagerfeuer, gemeinsamen Ausflügen und Zusammenarbeit. Der Sinn für ein gemeinsames Ziel wird durch die Platzierung der Musiker*innen betont. Ein kluger Einfall, der sich auszahlt.

Im Zentrum von allem steht jedoch Cynthia Erivos aussergewöhnliche, geradezu perfekte Darstellung der Titelrolle. Sie singt verblüffend gut, voller Schmerz und Schönheit; ihre Diktion und ihr Ton – klar wie ein Signal, reich und unendlich präzise. Und auch darstellerisch glänzt sie. Sie ist witzig, bescheiden, rachsüchtig, wachsam, bissig, liebevoll, süss, beobachtend und voller Freude – ihre Augen sprühen vor Energie, und jedes Mal, wenn sie ins Licht tritt (und oft sogar, wenn sie zwar da ist, sich aber in den Schatten hält), elektrisiert sie das Geschehen und liefert das pulsierende Herz des Stücks.

Eine wirklich bemerkenswerte, hypnotisierende Leistung. In jeder nur denkbaren Hinsicht vollkommen lebendig.

Hervorragend unterstützt wird sie von Edward Baruwa als Nathan, einem riesenhaften Mitversklavten, dessen Leidenschaft für Freiheit fast so gross ist wie sein Herz und seine Lust am Leben. Seine Interpretation von „The Scheme“ im zweiten Akt gehört zu den rundum vergnüglichsten Momenten des Abends.

Als Ruth liefert Cassidy Janson eine starke Leistung, besonders im zweiten Akt, wenn sie mehr Zeit mit Erivo und Baruwa verbringt. Die Beziehung, die sie zu Baruwa entwickelt, ist besonders fein und wahrhaftig. Ihr Wortgefecht und die spätere Solidarität mit Erivo wirken erfrischend unbeholfen, offen und echt. Stimmlich wirkte sie gelegentlich etwas zurückhaltend, aber nicht in einem Masse, das problematisch wäre. Sie hat die nötigen vokalen Fähigkeiten – und das Publikum möchte sie auch geniessen. Ihre Harmonien mit Erivo bleiben angenehm im Gedächtnis.

Im ersten Akt teilt Cassidy mit dem stets verlässlichen John Addison einen grossartigen Moment: „Bertie’s Waltz“ ist ein Augenblick echter Hoffnung, erwartungsvoller Freude – und bereitet mit Leichtigkeit vor, was für Ruth noch folgt. Addison spielt eine ganze Reihe von Rollen gut, und man vermisst ihn im zweiten Akt, wenn er weniger zu tun hat.

Jon Robyns spielt erfreulicherweise gegen den Strich: Sein ehrgeiziger, egoistischer, bigotter Widerling Adam Nehemiah ist ein Schurke von vielschichtiger Monstrosität. Er baut die Figur genüsslich auf und enthüllt nach und nach den lüsternen Vergewaltiger und den wirren Rachsüchtigen. Er singt mit höhnischer Präzision.

Besonders hervorzuheben ist auch die Arbeit von Sharon Benson, Miquel Brown und Abiona Omonua, die alle mit Gospel-Sänger*innen-Wucht singen. Und Alexander Evans liefert eine Reihe geschickter Cameos, die durchweg beeindrucken – vom missbräuchlichen Plantagen-Sklavenhalter über den lüsternen reichen Schnösel bis zum strengen, aber freundlichen und vertrauensvollen Sheriff.

Wirklich: In diesem Ensemble gibt es keine schwachen Glieder. Jede*r liefert das, was gebraucht wird – mit einer Sicherheit und Könnerschaft, die im West End häufiger sein sollte, es aber leider oft nicht ist.

Neill Brinkworths ausgezeichnetes, atmosphärisches Lichtdesign und Sam Spencer Lanes Choreografie sind das Tüpfelchen auf dem i. Wenn es einen kleinen Einwand gibt, dann bei James Nicholsons Sounddesign – aber es sind frühe Tage, und die kleinen technischen Kobolde werden bis zur Premiere zweifellos ausgetrieben sein.

Das ist eine ungemein reife Präsentation eines schwierigen, aber ausgesprochen reizvollen und unterhaltsamen Stücks Musiktheater. Es ist Keates’ bisher beste Arbeit, und mit Erivo hat er einen Star von echter Strahlkraft, der in jeder Hinsicht abliefert.

Wenn Sie eine gute Geschichte schätzen – prägnant erzählt und grossartig gespielt –, dann sichern Sie sich schnell ein Ticket, bevor alles ausverkauft ist, wie es ganz sicher der Fall sein wird.

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