RESEÑA: Dessa Rose, Trafalgar Studios ✭✭✭✭

Dessa Rose Trafalgar Studios 2 29 de julio de 2014 4 estrellas Reservar entradas

El reciente cierre de I Can’t Sing ha planeado como una nube espesa, horrible y oscura sobre el West End. Pero, como ocurre con todas las nubes, resultó que sí, había un rayo de esperanza.

Porque si hubiera seguido en cartel (como debería, porque era realmente bastante buena), es poco probable que Cynthia Erivo hubiera estado disponible para protagonizar el estreno europeo de Dessa Rose, un musical de 2005 del magistral tándem Stephen Flaherty (música) y Lynn Ahrens (libreto y letras), ahora en funciones previas en Trafalgar Studio Two, y eso habría sido una decepción tremenda.

Dessa Rose es una pieza de teatro musical extraordinariamente absorbente que recorre la vida de dos mujeres desde mediados del siglo XIX hasta principios de la década de 1920 en Estados Unidos, sobre todo en el Sur. Dessa Rose nace esclavizada, pero cuando cumple dieciséis ya ha tenido un hijo, ha sido condenada a muerte y se ha dado a la fuga. Su historia se entrelaza con la de Ruth, una mujer blanca nacida en la apacible y señorial cortesía sureña y destinada a casarse bien. Se casa, pero no bien; y acaba sola y abandonada por su marido jugador, con una plantación disfuncional como hogar.

La mayor parte del musical traza la amistad que termina por hacerse fuerte entre estas dos mujeres, ambas notables, tenaces y maravillosas a su manera. Casi es una fábula; por momentos, salvo por el hecho de que es una historia sobre dos mujeres, podría perdonársele a uno pensar que la escribió Mark Twain, tal es el espíritu cómico y la mirada cruda e intensa sobre los vaivenes de la vida para las mujeres y los afroamericanos en el Sur profundo en esas décadas en las que la esclavitud era de rigueur y la esperanza y la armonía se conquistaban a pulso.

Es divertida y profundamente conmovedora por turnos, y hay muchos giros antes de que termine el relato.

Andrew Keates dirige con una mano firme y clara. La producción es austera y sin barroquismos, pero nunca aburrida ni confusa. El espacio reducido se aprovecha al máximo y, pese a la extrema proximidad entre el público y el elenco, no hay en ningún momento sensación de incomodidad. Hay una intimidad que le viene de maravilla al texto y ayuda a que brille.

Todo en el ingenioso decorado tipo rompecabezas de Garance Marneur funciona. La presencia constante de cadenas colgantes refuerza la idea subyacente de la esclavitud y se emplean con fines muy diversos: algunos sorprenden, otros sirven a los pasajes más oscuros. El vestuario (Phillipa Batt) también evoca espléndidamente la época.

Dean Austin ofrece una dirección musical de primer nivel y la pequeña banda, de formación poco habitual (teclado, violín/mandolina, maderas y violonchelo), repartida por los extremos del auditorio, proporciona un acompañamiento excelente. El elenco colabora con la percusión de manera improvisada cuando la partitura lo requiere. Así, el efecto general de la música remite a hogueras, salidas en grupo y colaboración. El sentido de propósito común se subraya con la ubicación de los músicos. Es un detalle inteligente que da muy buen resultado.

En el centro de todo, sin embargo, está la extraordinaria y prácticamente perfecta interpretación de Cynthia Erivo como el personaje que da título a la obra. Canta de forma asombrosa, llena de dolor y belleza; su dicción y su timbre, claros como una campana, ricos e infinitamente precisos. Y, en lo dramático, también sobresale. Es divertida, humilde, vengativa, vigilante, feroz, cariñosa, dulce, observadora y alegre: le brillan los ojos de energía y gozo, y cada vez que entra en la luz (e incluso a menudo cuando está ahí pero escondida entre las sombras) electriza la escena y aporta el corazón palpitante de la obra.

Es una actuación verdaderamente notable e hipnótica. Totalmente viva en todos los sentidos posibles.

Cuenta con un apoyo excelente por parte del Nathan de Edward Baruwa, un compañero esclavizado de gran envergadura cuya pasión por la libertad es casi tan grande como su corazón y su disposición a disfrutar la vida. Su interpretación de The Scheme en el segundo acto es uno de los momentos más gratamente entretenidos de la velada.

Como Ruth, Cassidy Janson ofrece un trabajo notable, especialmente en el segundo acto, cuando comparte más tiempo con Erivo y Baruwa. La relación que desarrolla con Baruwa resulta particularmente delicada y veraz. Su tira y afloja y la solidaridad final con Erivo son refrescantemente incómodos, francos y reales. Vocalmente, en ocasiones pareció algo contenida, aunque no lo suficiente como para suponer un problema. Tiene recursos vocales de sobra y el público quiere disfrutarlos. Sus armonías con Erivo son un placer memorable.

Cassidy comparte un momento glorioso en el primer acto con el siempre fiable John Addison; Bertie’s Waltz es un instante de auténtica esperanza y alegría expectante, y prepara con facilidad lo que viene después para Ruth. Addison resuelve bien una serie de papeles y se le echa de menos en el segundo acto, cuando tiene menos que hacer.

Por suerte, Jon Robyns está actuando a contrapelo de su tipo habitual; su ambicioso, egoísta y fanático demonio, Adam Nehemiah, es un villano de monstruosidad con capas. Construye el personaje con delectación, revelando poco a poco al violador lujurioso y al desequilibrado buscador de venganza. Canta con una precisión burlona.

Hay un trabajo especialmente excelente de Sharon Benson, Miquel Brown y Abiona Omonua, todas ellas cantando con el brío propio del góspel. Y Alexander Evans aporta una serie de cameos hábiles que impresionan: desde un abusivo dueño de esclavos en una plantación, pasando por un ricachón libidinoso, hasta un sheriff firme pero amable y confiado.

En realidad, no hay eslabones débiles en el conjunto. Todo el mundo hace lo que hace falta y con una seguridad y una destreza que deberían ser más habituales en el West End, pero a menudo no lo son.

La excelente e atmosférica iluminación de Neill Brinkworth y la coreografía de Sam Spencer Lane ponen la guinda. Si hay algún pero, es el diseño de sonido de James Nicholson, pero esto está aún en fase temprana y, sin duda, los duendes desaparecerán a medida que se acerque el estreno.

Es una presentación tremendamente madura de una pieza de teatro musical difícil, pero enormemente atractiva y entretenida. Es el mejor trabajo de Keates hasta la fecha y, en Erivo, tiene una estrella de auténtico poder que cumple con creces en todos los frentes.

Si aprecias una buena historia, contada con pulso y magníficamente interpretada, consigue una entrada antes de que se agoten, como sin duda ocurrirá.

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