CRITIQUE : Dessa Rose, Trafalgar Studios ✭✭✭✭

Dessa Rose Trafalgar Studios 2 29 juillet 2014 4 Étoiles Réservez vos billets

La récente fermeture de I Cant Sing s'est répandue comme un nuage épais, affreux et sombre sur le West End. Mais, comme tous les nuages, il s'avère qu'il y avait bel et bien une lueur d'espoir.

Car si elle avait continué à être jouée (comme elle aurait dû l'être car elle était vraiment plutôt bonne), Cynthia Erivo n'aurait probablement pas été disponible pour jouer dans la première européenne de Dessa Rose, une comédie musicale de 2005 de l'équipe magistrale de Stephen Flaherty (musique) et Lynn Ahrens (livret et paroles), actuellement en avant-première au Trafalgar Studio Two, et cela aurait été une déception désespérée.

Dessa Rose est une œuvre de théâtre musical remarquablement engageante qui retrace la vie de deux femmes du milieu des années 1800 au début des années 1920 en Amérique, principalement dans le Sud. Dessa Rose naît esclave mais à seize ans elle a déjà un enfant, a été condamnée à mort et est en fuite. Son histoire est mêlée à celle de Ruth, une femme blanche née dans la grâce du Sud aristocratique et qui devait bien se marier. Elle se marie, mais mal - et se retrouve seule, abandonnée par son mari joueur, avec une plantation dysfonctionnelle comme foyer.

L'essentiel de la comédie musicale retrace l'amitié qui finit par se solidifier entre ces deux femmes, toutes deux remarquables, tenaces et merveilleuses à leur manière. C'est presque une fable ; parfois, à l'exception du fait que c'est une histoire de deux femmes, on pourrait croire que Mark Twain l'a écrite, tant l'esprit comique et les observations intenses et brutes sur les vicissitudes de la vie pour les femmes et les Afro-Américains dans le profond Sud à cette époque où l'esclavage était la norme et où l'espoir et l'harmonie étaient durement acquis.

C'est drôle et profondément touchant tour à tour, et il y a de nombreux retournements avant que l'histoire ne se termine.

Andrew Keates dirige avec une main sûre et claire. La production est sobre et épurée, mais jamais ennuyeuse ou confuse. Le petit espace est utilisé au maximum et malgré l'extrême proximité du public avec les acteurs, il n'y a jamais de sentiment de gêne. Il y a une intimité ici qui convient admirablement au texte et lui donne éclat et brillance.

Tout dans le décor astucieux de type puzzle de Garance Marneur fonctionne. La présence constante de chaînes suspendues renforce la présence sous-jacente de la notion d'esclavage et elles sont utilisées pour une large variété de fins, certaines surprenantes, d'autres servant les passages plus sombres. Les costumes (Phillipa Batt) évoquent également magnifiquement la période.

Dean Austin offre une direction musicale de premier ordre et le petit orchestre, constitué de manière inhabituelle (clavier, violon/mandoline, bois et violoncelle), réparti aux extrêmes de l'auditorium, fournit un excellent accompagnement. La distribution aide à la section de percussion de manière ad hoc selon ce que la partition exige. Ainsi, l'effet général de la musique évoque les feux de camp, les excursions de groupe et la collaboration. Le sens de l'objectif commun est souligné par le placement des musiciens. C'est une touche intelligente qui apporte des dividendes.

Au centre de tout, cependant, se trouve la performance extraordinaire et tout à fait parfaite de Cynthia Erivo dans le rôle-titre. Elle chante incroyablement bien, pleine de douleur et de beauté ; sa diction et son ton sont clairs comme le cristal, riches et infiniment précis. Dramatiquement, elle excelle également. Elle est drôle, humble, vengeresse, vigilante, vicieuse, aimante, douce, observatrice et joyeuse - ses yeux pétillent d'énergie et de joie, et chaque fois qu'elle entre dans la lumière (et même souvent quand elle est là mais se cache dans l'ombre), elle dynamise les événements et fournit le cœur palpitant de l'œuvre.

C'est une performance véritablement remarquable et captivante. Totalement vivante de toutes les manières possibles.

Elle bénéficie d'un excellent soutien de la part de Nathan, interprété par Edward Baruwa, un esclave géant dont la passion pour la liberté est presque aussi grande que son cœur et sa volonté de profiter de la vie. Son interprétation de The Scheme dans l'Acte Deux est l'un des moments les plus divertissants de la soirée.

Dans le rôle de Ruth, Cassidy Janson offre une belle performance, surtout dans l'Acte Deux lorsqu'elle passe plus de temps avec Erivo et Baruwa. La relation qu'elle développe avec Baruwa est particulièrement délicate et véridique. Ses échanges puis sa solidarité avec Erivo sont rafraîchissants, maladroits, francs et réels. Vocalement, elle semblait parfois un peu réticente, mais pas suffisamment pour être problématique. Elle a les capacités vocales et le public veut les apprécier. Ses harmonies avec Erivo sont mémorablement agréables.

Cassidy partage un moment glorieux dans l'Acte Un avec John Addison, toujours fiable ; la Valse de Bertie est un moment de véritable espoir, de joie anticipative ; et cela prépare ce qui suit pour Ruth avec aisance. Addison joue une série de rôles avec brio et il manque à l'Acte Deux lorsqu'il a moins à faire.

Jon Robyns joue heureusement bien à contre-emploi ; son ambitieux, égoïste et bigot démon, Adam Nehemiah, est un méchant de monstruosité en couches. Il construit le personnage avec délice, révélant lentement le violeur lubrique et le chercheur de vengeance dément. Il chante avec une précision moqueuse.

Il y a un travail particulièrement excellent de Sharon Benson, Miquel Brown et Abiona Omonua, tous chantant avec le goût des chanteurs de gospel. Et Alexander Evans offre une série de caméos habiles qui impressionnent, du propriétaire de plantation abusif au richard lubrique en passant par le shérif ferme mais bon et digne de confiance.

Vraiment, il n'y a pas de maillons faibles dans l'ensemble. Tout le monde fait ce qui est nécessaire avec une assurance et une compétence qui devraient être plus courantes à West End mais qui ne le sont souvent pas.

L'éclairage excellent et atmosphérique de Neill Brinkworth et la chorégraphie de Sam Spencer Lane apportent la cerise sur le gâteau. S'il y a un détail à noter, c'est le design sonore de James Nicholson, mais les débuts sont proches et nul doute que les gremlins seront éradiqués à mesure que l'ouverture approche.

C'est une présentation remarquablement mûre d'une pièce de théâtre musical difficile, mais éminemment attirante et divertissante. C'est le meilleur travail de Keates à ce jour et avec Erivo, il a une star de véritable puissance qui livre la marchandise de toutes les manières.

Si vous appréciez une bonne histoire, racontée avec netteté et magnifiquement interprétée, alors prenez un billet avant qu'il soit épuisé comme il doit sûrement l'être.

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