KRITIK: Disneys Aladdin, New Amsterdam Theatre ✭✭✭

Disneys Aladdin. Foto: Cylla von Tiedemann Disneys Aladdin

New Amsterdam Theatre

15. April 2014

3 Sterne

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Als ich in der Pause von Aladdin im New Amsterdam Theatre sass – nun in seiner ersten Broadway-Spielzeit – konnte ich kaum anders, als von den Gesprächen der anderen Theaterbesucherinnen und -besucher fasziniert und überrascht zu sein. Es waren vor allem Eltern, die ihre Kinder ernsthaft ansahen und fragten, ob sie es „Ace“, „Tops“, „Hot“ oder „On It“ (ihre Worte) fänden – und meist bekamen sie nur ein Achselzucken, einen abgewandten Kopf oder ein reaktiviertes iPhone als Antwort. Doch jeder Elternteil hakte nach: „Und was ist mit der Stepptanznummer?“ Leere Blicke waren die einzige Reaktion.

Fragt man mich, was ich von Aladdin will, lautet die erste Antwort immer: Magie! Aladdin lebt von Magie. Die drei Wünsche des Dschinns, die Magie, die gewöhnliche Leben in etwas Aussergewöhnliches verwandeln kann, der gewöhnliche Teppich, der fliegt.

Casey Nicholaw, der diese Version des berühmten Disney-Films inszeniert und choreografiert hat, versteht Magie – und bietet sie hier im Überfluss. Der erste Auftritt des Dschinns ist verblüffend: Er scheint aus dem Boden der Höhle voller glitzerndem Gold und Edelsteinen nach oben zu schmelzen – jener Höhle, in die der böse Dschafar den willigen Aladdin geschickt hat. Das Zusammenspiel aus Rauch aus der Lampe und einer kreisförmigen, drehbaren Falltür webt bemerkenswerte Bühnenmagie. Ein Bravourmoment im Theater – und ein Triumph für Bob Crowleys grossartige Designs.

Auch die Teppichfahrt ist Magie. Kein Draht in Sicht, nur der üppige Teppich, Aladdin und Jasmin, Mond und Sterne. Und fliegen. Dieses Fliegen, von dem man als Kind träumt. Spektakulär anzusehen. Wieder: Crowley.

Magie gibt es auch anderswo: der Trailer des Dschinns, die Verwandlung Dschafars (zweimal) und – auf ganz andere Weise – das geniale Spektakel, das Nicholaws stupende Inszenierung von „Friend Like Me“ ist.

Im Theater kann Magie aus unerwarteten Ecken kommen. Aber das passiert hier nicht. Die Magie ist genau dort, wo man sie erwartet – und ist dadurch nicht ganz so magisch, wie sie sein könnte.

Fragt man mich, was ich sonst noch von Aladdin will, lautet die Antwort immer gleich: einen gewinnenden, charmanten Aladdin – einen sympathischen Gauner, einen liebenswerten Schurken, einen hoffnungslos törichten Träumer, der ein besseres Leben will. In einem Stück voller Zauber braucht der Hauptdarsteller etwas Besonderes, das durchscheint und alles zusammenhält.

Adam Jacobs scheint geboren, um Aladdin zu spielen. Er ist körperlich perfekt, wie ein idealisierter Zeichentrickheld: perfektes Haar, perfekter Oberkörper, perfektes Lächeln. Er kann auch singen und tanzen. Er versteht, wie man ein Publikum um den Finger wickelt – und tut das sehr effektiv. Bis der Dschinn auftaucht und Jacobs im Vergleich dazu erschreckend eindimensional wirkt.

Jacobs ist nicht mehr als ein passabler Schauspieler, und das ist hier zwar in Ordnung – bedeutet aber, dass es kaum Raum für besondere Tiefe gibt oder für das, was dieser Produktion vor allem fehlt: Herz. Tatsache ist: Niemandem ist Aladdins Schicksal wirklich wichtig. Das ist eher Pantomime als Musicaltheater, eher Sketch-Comedy als ein durchkomponiertes Book-Musical.

Es scheint mehr dem Book of Mormon verpflichtet als irgendeinem seiner Disney-Vorgänger am Broadway – wenig überraschend, da Nicholaw dort Co-Regie führte und choreografierte. Die Schöne und das Biest, Arielle, die Meerjungfrau, Der König der Löwen, Tarzan und Mary Poppins spielten nach den üblichen Regeln des Musicaltheaters: erzählende Geschichten, ernsthaft gespielt, mit Musik – und sie standen und fielen mit dem Spektakel, und das Publikum liebte und bejubelte die Heldinnen und Helden.

Aladdin sprengt diese Form. Es spielt mit und durch die vierte Wand. Es ist voll von Insider-Witzen, Verweisen auf andere Musicals (der Dreamgirls-Moment ist herrlich camp), schlitzohrig-witzigen modernen Doppeldeutigkeiten und kleinen Einfällen, bei denen die Figuren aus der Rolle fallen und in eine Beobachter- oder Kommentatorposition treten. Vieles davon ist unbestreitbar komisch – und oft sehr, sehr clever –, aber es schafft Distanz zwischen Publikum und den heroischen Figuren, schmälert ihre Ziele. Macht sie weniger liebenswert.

Ich habe nicht bemerkt, dass auch nur jemand auch nur annähernd nach Luft schnappte vor Freude – geschweige denn eine Träne vergoss –, als Jasmin und Aladdin sich endlich küssten. In einer Show wie dieser wirkt das unbegreiflich.

Fragt man mich, was ich sonst noch von Aladdin will, lautet die Antwort immer gleich: einen köstlichen, durch und durch widerlichen Bösewicht. Jonathan Freeman, der im Disney-Film den Zeichentrick-Dschafar so seidig und boshaft sprach, kehrt hier leibhaftig in die Rolle zurück. Das ist ein katastrophaler Fehler, denn alles, was Freeman der Rolle mitbringt, ist die üppige Stimme – und ein Bühnenbösewicht braucht weit mehr als das.

Dschafar ist einer der grossen, vollkommen bösen, vollkommen widerwärtigen, vollkommen selbstsüchtigen Schurken des Repertoires. Er lässt Schneewittchens böse Königin wie Shirley Temple wirken. Man muss ihn mit jovialem Gift spielen, mit Raffinesse und verführerischer Klugheit, mit ruhiger, Richard-III.-hafter Bösartigkeit, mit elektrisierendem Stil. Eine grosse Stimme allein reicht einfach nicht.

Das gilt umso mehr in dieser seltsamen, selbstreflexiven, selbstparodierenden Version der Geschichte. Chad Beguelins Buch ist überall und nirgends zugleich: Es stopft Witze und Parodie-Momente schneller und häufiger hinein, als sich die Handlung weiterentwickelt. Der Stil, der nötig ist, um das Interesse am Schurken zu tragen, ist daher besonders fein, zwingend präzise, schmerzhaft notwendig. Freeman ist der Aufgabe nicht gewachsen.

Interessanterweise ist aber sein Sidekick hier – eine Neuerfindung für diese Produktion – eine der grossen Freuden des Abends. Iago, hier gespielt von Don Darryl Rivera, ist wirklich überraschend und witzig. Er macht unterwürfige Übertreibung und die idiotische Tollpatschigkeit eines Bösewichts in Ausbildung hinreissend unterhaltsam. Er spielt gegen den Dschafar an, der eigentlich da sein müsste, und verbessert Freeman mit jeder Szene.

Fragt man mich, was ich sonst noch von Aladdin will, lautet die Antwort immer gleich: einen komischen, exzentrischen und grandiosen Dschinn. Ohne den Dschinn funktioniert die Show nicht.

James Monroe Iglehart ist ein Triumph. Er nimmt die Extreme des Dschinns mit ganzer Kraft an: Macht, Glanz, das Schrille, das Camp, den Herzschmerz und den Glauben an das Gute. Als das einzig wirklich magische Wesen kann er selbstverständlich mühelos zwischen den beiden Ebenen wechseln – der Erzählwelt und dem komödiantischen Kommentar zur Erzählung. Und beim Wechseln – wie beim Singen und Tanzen – glänzt er. Sein komisches Timing ist grandios, und die Energie, die er verausgabt, wird vom willigen Publikum beglückt aufgenommen. Er könnte den Liedtexten mehr Aufmerksamkeit schenken (mehr als die Hälfte dessen, was er singt, ist nicht zu verstehen), doch die überschäumende Lust und das aufregende Vergnügen, das er erzeugt, lassen das unwichtig erscheinen. Man hört seine Worte vielleicht nicht – aber man versteht alles, was er sagt und tut.

Die Kostüme für den Dschinn sind bemerkenswert, und Gregg Barnes glänzt dort besonders. Aber eigentlich sind alle Kostüme entzückend, spektakulär und beschwören den Geist und den exotischen Schauplatz der Handlung vollständig herauf. Niemand sieht je auch nur einen Hauch weniger als fabelhaft aus – selbst Dschafar, wenn er in sein Gefängnis verbannt wird, wirkt wie eine verzweifelte Liza-Minnelli-Kopie in roten Pailletten, eine Parodie seines früheren Selbst. Ein Moment zum Geniessen; einer von vielen, die diese Kostüme liefern.

Insgesamt ist das Ensemble grossartig. Die Jungs dürften für irgendeinen „Best Chests of Broadway“-Preis in der engeren Wahl sein, und die Mädchen sind Sex in Person in ihren flatternden Harem-Outfits, der perfekte Bauchnabel stets im Zentrum. Alle singen und tanzen aussergewöhnlich gut, und die stärksten Momente erreicht die Produktion, wenn die ganze Besetzung zu Nicholaws Beat tanzt – ob in der eröffnenden „Arabian Nights“, in „Prince Ali“ (die beste Ensemble-Nummer des Abends) oder in den Schlussroutinen beider Akte.

Die neue Musik ist gut – aber nicht in derselben Liga wie die neuen Songs, die den Broadway-Partituren von Arielle, die Meerjungfrau oder Die Schöne und das Biest hinzugefügt wurden. Aladdins „Proud Of Your Boy“ ist hübsch genug, aber es ist ein Reagenzglas-Klon von „Part Of My World“ aus Arielle und hat daher keinerlei echtes Originalitätsgefühl – wirkt dabei aber so bequem wie alte Hausschuhe. „Somebody's Got Your Back“ ist fröhlich genug, doch es dauert zu lange. Die neuen Orchestrierungen für „Whole New World“ nehmen dem Song die üppige Schönheit und Schlichtheit, die er einmal hatte.

Als Jasmin ist Courtney Reed vollkommen hübsch – aber das ist auch schon alles. Keine Schauspielerin und nur eine durchschnittliche Sängerin: Sie macht aus der Rolle nicht die kecke, feurige Göttin, die sie sein sollte. Trotzdem ist sie unendlich viel besser als Clifton Davis, der als Sultan peinlich wirkt (so erschreckend ist sein Spiel), oder Jaz Sealy, der als Prinz Abdullah noch schlimmer ist.

Und das Trio von Aladdins besten Kumpeln – Babkak, Omar und Kassim (Brian Gonzales, Jonathan Schwartz und Brandon O'Neill) – schwankt: mal witzig, mal manisch, mal seltsam. Das Trio ist eine nette Idee, aber die Idee braucht mehr Arbeit, um wirklich Früchte zu tragen. Nur Babkak – und sein Running Gag, Essen falsch zu verstehen, das in Gesprächen erwähnt wird – wirkt wirklich ausgearbeitet, komisch reif.

Wenn ich das jetzt noch einmal lese, wirkt es ziemlich chaotisch. Vielleicht passend, denn genau so fühlt sich die Show inzwischen an: nicht ganz das eine (eine wissende Selbstparodie) und nicht das andere (eine Pantomime) – aber definitiv nicht das, was man erwartet hat: eine altmodische, aber neue Musicalkomödie.

Es ist auf absehbare Zeit ausverkauft und wird zweifellos glänzende Kasse machen. Aber wenn das Drängen der Eltern in der Pause – ausgerechnet über die Stepptanznummer (die allerdings aussergewöhnlich war) – der bleibende Eindruck ist, den die Show bei jungen Leuten hinterlässt, dann wird sie neben ihren Disney-Broadway-Vorgängern verblassen.

So hätte es nicht kommen müssen.

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