RECENSIONE: Aladdin della Disney, New Amsterdam Theatre ✭✭✭

Disney’s Aladdin. Foto: Cylla von Tiedemann Disney’s Aladdin

New Amsterdam Theatre

15 aprile 2014

3 stelle

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Seduto al New Amsterdam Theatre durante l’intervallo di Aladdin, alla sua stagione di debutto a Broadway, era difficile non restare affascinati e sorpresi dalle conversazioni degli altri spettatori. A parlare erano soprattutto genitori, che guardavano con aria seria i figli chiedendo se secondo loro fosse “Ace”, “Tops”, “Hot” o “On It” (testuali parole) e nella maggior parte dei casi ricevevano in risposta una scrollata di spalle, uno sguardo altrove o un iPhone riattivato. Eppure ogni genitore insisteva: “Ma il numero di tip tap?” L’unica risposta erano sguardi vuoti.

Chiedetemi che cosa voglio da Aladdin e la prima risposta sarà sempre: magia! Aladdin accende la magia. I tre desideri del Genio, la magia capace di trasformare vite ordinarie in qualcosa di straordinario, il semplice tappeto che vola.

Casey Nicholaw, che ha diretto e coreografato questa versione del celebre film Disney, la magia la conosce e qui la dispensa in abbondanza. La prima entrata del Genio è sbalorditiva: sembra sciogliersi verso l’alto dal sottosuolo della caverna piena d’oro luccicante e gemme in cui il malvagio Jafar ha mandato il compiacente Aladdin. La combinazione del fumo che esce dalla lampada e di una botola circolare girevole tesse una magia straordinaria. È un momento di bravura teatrale e un trionfo per le splendide scene di Bob Crowley.

C’è magia anche nel volo sul tappeto. Non si vede un cavo: solo il tappeto, Aladdin e Jasmine, la luna e le stelle. E il volo. Quel tipo di volo che da bambini si sogna. Visivamente è spettacolare. Ancora Crowley.

La magia c’è anche altrove: nel camerino del Genio, nella trasformazione di Jafar (due volte) e, in tutt’altro modo, nel colpo di genio spettacolare che è la straordinaria messa in scena di Nicholaw di “Friend Like Me”.

A teatro, la magia può arrivare da dove meno te l’aspetti. Ma qui non succede. La magia è esattamente dove ti aspetti di trovarla e, di conseguenza, non è così magica come potrebbe essere.

Chiedetemi cos’altro voglio da Aladdin e la risposta sarà sempre la stessa: un Aladdin vincente e pieno di fascino, un mascalzone simpatico, un birbante irresistibile, un sognatore sciocco e senza speranza che desidera una vita migliore. In uno spettacolo pieno di magia, il protagonista deve avere qualcosa di speciale che risplenda, che tenga insieme il tutto.

Adam Jacobs sembra nato per fare Aladdin. Fisicamente è perfetto, come un eroe da cartone animato idealizzato: capelli perfetti, torso perfetto, sorriso perfetto. Sa anche cantare e ballare. Sa come sedurre il pubblico e lo fa con grande efficacia. Finché non arriva il Genio e, al confronto, lui appare nettamente monodimensionale.

Jacobs è poco più che un attore discreto e, per questo contesto, può anche andare bene; ma significa che c’è ben poco spazio per una profondità eccezionale o per l’ingrediente che manca soprattutto a questa produzione: il cuore. Il fatto è che a nessuno importa davvero del destino di Aladdin. Qui c’è più pantomime che musical, più sketch comedy che vero musical “di trama”.

Sembra dovere più a The Book of Mormon che a qualunque precedente Disney a Broadway: forse non sorprende, visto che Nicholaw ne è stato co-regista e coreografo. La Bella e la Bestia, La Sirenetta, Il Re Leone, Tarzan e Mary Poppins rispettavano le regole classiche del musical. Erano racconti narrativi, interpretati “per davvero”, con la musica, e si reggevano (o crollavano) sullo spettacolo; e il pubblico finiva per amare e tifare per gli eroi.

Aladdin rompe quello schema. Gioca con e attraverso la quarta parete. È pieno di strizzate d’occhio, riferimenti ad altri musical (quello a Dreamgirls è esilarantemente camp), doppi sensi moderni e arguti, e piccoli “business” in cui i personaggi escono dal ruolo per mettersi nei panni di osservatori-commentatori. Una parte di tutto questo è innegabilmente divertente e spesso molto, molto intelligente, ma finisce per creare distanza tra pubblico e personaggi eroici, ridimensionandone le imprese. E rendendoli meno amabili.

Non ho visto nessuno neppure avvicinarsi a un sussulto di gioia, figuriamoci una lacrima, quando Jasmine e Aladdin finalmente si baciano. In uno spettacolo del genere sembra inconcepibile.

Chiedetemi cos’altro voglio da Aladdin e la risposta sarà sempre la stessa: un cattivo deliziosamente, autenticamente spregevole. Jonathan Freeman, che nel film Disney prestava a Jafar una voce setosa e maligna, torna qui nel ruolo in carne e ossa. È un errore catastrofico, perché tutto ciò che Freeman porta al personaggio è una voce sontuosa, e un villain di palcoscenico ha bisogno di molto di più.

Jafar è uno dei grandi cattivi del repertorio: completamente malvagio, completamente ripugnante, completamente egoista. Fa sembrare la Regina cattiva di Biancaneve una Shirley Temple. Va interpretato con un veleno quasi bonario, con astuzia e un’intelligenza intrigante, con una ferocia composta alla Richard III, con stile elettrizzante. Una grande voce, da sola, non basta.

Tanto più in questa strana versione auto-riflessiva e auto-parodistica della storia. Il copione di Chad Beguelin è ovunque: infila battute e momenti di parodia più velocemente e più spesso di quanto la trama riesca a svilupparsi. Perciò lo stile necessario a sostenere l’interesse nel cattivo dovrebbe essere particolarmente raffinato: preciso, tagliente, indispensabile. Freeman non è all’altezza del compito.

Curiosamente, però, la sua spalla—una novità creata per questa produzione—è una delle grandi gioie della serata. Iago, qui interpretato da Don Darryl Rivera, sorprende davvero ed è molto divertente. Rende irresistibilmente esilaranti l’eccesso servile e l’idiozia da apprendista cattivo. Fa da contraltare al Jafar che dovrebbe esserci e migliora Freeman scena dopo scena.

Chiedetemi cos’altro voglio da Aladdin e la risposta sarà sempre la stessa: un Genio divertente, eccentrico e favoloso. Lo spettacolo non può funzionare senza il Genio.

James Monroe Iglehart è un trionfo. Abbraccia con entusiasmo gli estremi del Genio: la potenza, la gloria, il kitsch, il camp, lo strazio e la fede nella bontà. Essendo l’unica creatura davvero magica, può passare con facilità tra il mondo della narrazione e quello del commento comico sulla narrazione. E in questi passaggi—come nel canto e nella danza—brilla. I suoi tempi comici sono superbi e l’energia che sprigiona viene assorbita con gioia da un pubblico più che disposto. Potrebbe prestare più attenzione alle parole (più della metà di ciò che canta non si capisce), ma la verve e il piacere travolgente che sa generare fanno sì che questo sembri non contare. Magari non si colgono le sue parole, ma si capisce perfettamente tutto ciò che dice e fa.

I costumi del Genio sono notevoli e Gregg Barnes qui brilla davvero. Ma, del resto, tutti i costumi sono deliziosi e spettacolari, e evocano in pieno lo spirito e l’esotica ambientazione dell’azione. Nessuno appare mai meno che favoloso—perfino Jafar, quando viene spedito nella sua prigione, sembra una disperata clone di Liza Minnelli in rosso e paillettes, parodia di se stesso. È un momento da assaporare; uno dei tanti che questi costumi regalano.

Nel complesso, l’ensemble è formidabile. I ragazzi sembrano candidati a qualche premio per i “migliori pettorali di Broadway” e le ragazze incarnano la sensualità in quei costumi da harem svolazzanti, con l’ombelico perfetto in primo piano. Tutti cantano e ballano in modo eccezionale, e i momenti più alti della produzione arrivano quando l’intero cast danza sul ritmo di Nicholaw—che sia nell’apertura “Arabian Nights”, in “Prince Ali” (il miglior numero d’ensemble della serata) o nelle chiusure di entrambi gli atti.

Le nuove musiche sono buone, ma non al livello delle canzoni aggiunte alle partiture di Broadway per La Sirenetta o La Bella e la Bestia. “Proud Of Your Boy” è graziosa, ma è un clone da provetta di “Part Of My World” de La Sirenetta e quindi manca di vera originalità, pur risultando confortevole come un vecchio paio di pantofole. “Somebody’s Got Your Back” è abbastanza allegra, ma dura troppo. Le nuove orchestrazioni di “Whole New World” la privano della bellezza lussureggiante e della semplicità che un tempo aveva.

Nei panni di Jasmine, Courtney Reed è perfettamente carina, ma poco più. Non è un’attrice e, come cantante, è solo nella media: non rende il personaggio la dea vivace e grintosa che dovrebbe essere. Resta comunque infinitamente migliore di Clifton Davis, che imbarazza nel ruolo del Sultano (tanto è pessima la sua recitazione), o di Jaz Sealy, ancora peggiore come Principe Abdullah.

E il trio dei migliori amici di Aladdin—Babkak, Omar e Kassim (Brian Gonzales, Jonathan Schwartz e Brandon O’Neill)—è altalenante: a tratti divertente, a tratti maniacale, a tratti bizzarro. Il trio è una buona idea, ma l’idea va sviluppata di più per dare frutti veri. Solo Babkak e il suo tormentone sul fraintendere i cibi citati in conversazione sembra davvero compiuto, comicamente maturo.

Rileggendo, sembra un giudizio un po’ sparpagliato. Forse è appropriato, perché è proprio così che oggi appare lo spettacolo: non del tutto una cosa (una consapevole auto-parodia) né l’altra (una pantomime), ma certamente non ciò che ci si aspettava—una commedia musicale vecchio stile, ma nuova.

È esaurito per un bel po’ e, senza dubbio, farà ottimi incassi. Ma se l’insistenza dei genitori sul tip tap (che era eccezionale) è l’impressione che resta ai più giovani, allora impallidirà rispetto ai precedenti Disney a Broadway.

Non era necessario che andasse così.

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