RESEÑA: Aladdin de Disney, Teatro New Amsterdam ✭✭✭

Aladdin de Disney. Foto: Cylla von Tiedemann Aladdin de Disney

New Amsterdam Theatre

15 de abril de 2014

3 estrellas

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Sentado en el New Amsterdam Theatre durante el intermedio de Aladdin, ahora en su temporada de estreno en Broadway, era difícil no sentirse fascinado y sorprendido por la conversación de otros espectadores. Quienes hablaban eran sobre todo padres y madres, mirando con insistencia a sus hijos y preguntándoles si les había parecido “genial”, “lo más”, “guay” o “de diez” (sus palabras), y en la mayoría de los casos recibían como respuesta un encogimiento de hombros, una cabeza que se giraba o un iPhone que volvía a activarse para contestar. Cada adulto, eso sí, insistía: “¿Pero qué me dices del número de claqué?”. La única respuesta eran miradas en blanco.

Si me preguntas qué quiero de Aladdin, la primera respuesta siempre será: ¡magia! Aladdin va de magia. Los tres deseos del Genio; la magia capaz de transformar vidas corrientes en algo extraordinario; la alfombra de lo más normal que, de pronto, vuela.

Casey Nicholaw, que ha dirigido y coreografiado esta versión del célebre filme de Disney, entiende la magia y aquí la sirve a raudales. La primera entrada del Genio es asombrosa: parece “derretirse” hacia arriba desde el subsuelo de la caverna repleta de oro brillante y gemas, a la que el malvado Jafar ha enviado al dispuesto Aladdin. La combinación del humo de la lámpara y una trampilla circular giratoria teje una ilusión escénica formidable. Es un momento de auténtica bravura teatral y un triunfo para los fastuosos diseños de Bob Crowley.

También hay magia en el viaje en alfombra. Ni un cable a la vista: solo la alfombra exuberante, Aladdin y Jasmine, la luna y las estrellas. Y volar. Ese tipo de vuelo con el que sueñas de niño. Es espectacular a la vista. Crowley, de nuevo.

Y hay magia en otros lugares: el camerino del Genio, la transformación de Jafar (dos veces) y, de un modo muy distinto, el prodigio escénico que es la deslumbrante puesta en escena de Nicholaw para “Friend Like Me”.

En el teatro, la magia puede llegar desde rincones inesperados. Pero aquí no ocurre. La magia está donde esperas encontrarla y, como resultado, no termina de sentirse tan mágica como podría.

Si me preguntas qué más quiero de Aladdin, la respuesta siempre es la misma: un Aladdin ganador y con encanto; un granuja simpático, un bribón seductor, un soñador bobalicón y sin remedio que quiere una vida mejor. En un espectáculo lleno de magia, el protagonista necesita algo especial que brille, que ligue todo lo que sucede.

Adam Jacobs parece haber nacido para interpretar a Aladdin. Es físicamente perfecto, como un héroe de dibujo animado idealizado: pelo perfecto, torso perfecto, sonrisa perfecta. Además canta y baila. Sabe cómo conquistar al público y lo hace con eficacia… hasta que llega el Genio y, en comparación, lo deja peligrosamente plano.

Jacobs no pasa de ser un actor correcto y, aunque aquí eso puede valer, significa que hay pocas opciones de conseguir una profundidad excepcional o el ingrediente que más se echa en falta en esta producción: corazón. La realidad es que a nadie le importa de verdad el destino de Aladdin. Esto se parece más a una pantomima que a un musical, más a comedia de sketches que a un musical “de libro”.

Parece deberle más a The Book of Mormon que a cualquiera de sus predecesores disneyanos en Broadway: quizá no sorprenda, teniendo en cuenta que Nicholaw codirigió y coreografió aquel montaje. La Bella y la Bestia, La Sirenita, El Rey León, Tarzán y Mary Poppins jugaban según las reglas habituales del teatro musical. Eran relatos narrativos, interpretados “en serio”, con música, y funcionaban o no en función del espectáculo; y el público amaba y vitoreaba a los héroes.

Aladdin rompe ese molde. Juega con la cuarta pared y la atraviesa. Está lleno de chistes internos, referencias a otros musicales (la de Dreamgirls es desternillantemente camp), dobles sentidos modernos con picardía y gags que hacen que los personajes salgan del personaje para adoptar un papel de observador-comentarista. Parte de esto es, sin duda, divertido —y a menudo muy, muy ingenioso—, pero sirve para distanciar al público de los personajes heroicos, empequeñecer sus aventuras y hacerlos menos queribles.

No vi a nadie acercarse siquiera a un suspiro de alegría, y ya no digamos una lágrima, cuando Jasmine y Aladdin por fin se besaron. En un espectáculo como este, resulta incomprensible.

Si me preguntas qué más quiero de Aladdin, la respuesta siempre es la misma: un villano delicioso, absolutamente despreciable. Jonathan Freeman, que puso voz con tanta suavidad y malicia al Jafar animado en la película de Disney, vuelve aquí al papel en carne y hueso. Es un error catastrófico, porque lo único que Freeman aporta al personaje es esa voz lujosa; y un villano sobre el escenario necesita muchísimo más que eso.

Jafar es uno de los grandes villanos del repertorio: completamente malvado, completamente repugnante, completamente egoísta. Hace que la Reina malvada de Blancanieves parezca Shirley Temple. Hay que interpretarlo con veneno afable, con astucia y una mirada intrigante, con una crueldad serena a lo Ricardo III, con un estilo electrizante. Una gran voz, sencillamente, no basta.

Y más aún en esta extraña versión autoconsciente y autoparódica del relato. El libreto de Chad Beguelin está por todas partes, encajando chistes y momentos de parodia más rápido y con más frecuencia que los avances de la trama. Así que el estilo necesario para sostener el interés por el villano es especialmente refinado, exigentemente nítido, dolorosamente imprescindible. Freeman no está a la altura.

Curiosamente, sin embargo, su secuaz aquí —una invención nueva para esta producción— es una de las grandes alegrías de la noche. Iago, interpretado por Don Darryl Rivera, es realmente sorprendente y gracioso. Convierte la obsequiosidad excesiva y la estupidez del villano-en-prácticas en algo deliciosamente entretenido. Hace de contrapunto al Jafar que debería estar ahí y mejora a Freeman en cada escena.

Si me preguntas qué más quiero de Aladdin, la respuesta siempre es la misma: un Genio divertido, excéntrico y fabuloso. El espectáculo no funciona sin el Genio.

James Monroe Iglehart es un triunfo. Abraza con entusiasmo los extremos del Genio: el poder, la gloria, lo chillón, lo camp, el desgarro y la fe en la bondad. Como la única criatura verdaderamente mágica, por supuesto, puede moverse con soltura entre los dos mundos: el de la narración y el del comentario cómico sobre la narración. Y en ese ir y venir —igual que cantando y bailando— brilla. Su sentido del ritmo cómico es soberbio y la energía que derrocha la absorbe feliz el público, entregado. Podría atender más a la dicción (más de la mitad de lo que canta no se llega a entender), pero la exuberancia y el placer vibrante que genera hace que eso parezca no importar. Puede que no escuches sus palabras, pero entiendes todo lo que dice y hace.

Los diseños de vestuario del Genio son extraordinarios, y Gregg Barnes brilla especialmente ahí. Pero, en realidad, todo el vestuario es delicioso, espectacular y evoca por completo el espíritu y la localización exótica de la acción. Nadie luce menos que fabuloso en ningún momento —incluso Jafar, cuando lo envían a su prisión, parece una desesperada clon de Liza Minnelli con vestido rojo de lentejuelas, una parodia de sí mismo. Es un momento para saborearlo; uno de los muchos que aquí regala el vestuario.

En conjunto, el elenco es magnífico. Los chicos deben de estar en la terna para algún premio al “mejor pecho de Broadway”, y las chicas son la personificación del sex-appeal con sus trajes de harén ondeantes, ombligos perfectos en primer plano. Todos cantan y bailan excepcionalmente bien, y los momentos más potentes de la producción llegan cuando todo el reparto baila al compás de Nicholaw: ya sea en el arranque con “Arabian Nights”, en “Prince Ali” (el mejor número de conjunto de la noche) o en las rutinas finales de ambos actos.

La música nueva está bien, pero no juega en la misma liga que las canciones añadidas a las partituras de Broadway de La Sirenita o La Bella y la Bestia. “Proud Of Your Boy”, de Aladdin, es agradable, pero parece un clon de laboratorio de “Part Of My World” de La Sirenita y, por eso, carece de auténtica originalidad, aunque resulte cómoda como unas zapatillas viejas. “Somebody’s Got Your Back” es lo bastante animada, pero se alarga demasiado. Las nuevas orquestaciones de “Whole New World” le quitan la belleza frondosa y la sencillez que antes tenía.

Como Jasmine, Courtney Reed es perfectamente mona, pero poco más. No es actriz y solo es una cantante del montón; no convierte el papel en la diosa vivaz y fogosa que debería ser. Aun así, es infinitamente mejor que Clifton Davis, que da vergüenza ajena como el Sultán (tan espantosa es su interpretación), o Jaz Sealy, que está todavía peor como el príncipe Abdullah.

Y el trío de mejores amigos de Aladdin —Babkak, Omar y Kassim (Brian Gonzales, Jonathan Schwartz y Brandon O’Neill)— está irregular: a veces gracioso, a veces histérico, a veces raro. La idea del trío es buena, pero necesita más trabajo para dar frutos de verdad. Solo Babkak y su gag recurrente de entender mal los nombres de comida que se mencionan en la conversación parece plenamente cuajado, cómicamente maduro.

Al releer esto, parece un poco caótico. Quizá encaje, porque así es exactamente como se siente ahora el propio espectáculo. No es del todo una cosa (una autoparodia consciente) ni la otra (una pantomima), pero desde luego no es lo que se esperaba: una comedia musical nueva, aunque de corte clásico.

Tiene el cartel de “no hay entradas” durante una buena temporada y, sin duda, hará una caja tremenda. Pero si lo que les queda a los más jóvenes —por las insistencias de sus padres y madres— es el claqué (que fue excepcional), entonces palidecerá frente a sus predecesores disneyanos en Broadway.

No tenía por qué haber sido así.

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