REZENSION: Fanatical, Playground Theatre ✭✭✭

Julian Eaves bespricht Fanatical, ein neues Musical von Matt Board und Reina Hardy, das derzeit im Playground Theatre zu sehen ist.

Suanne Braun in Fanatical. Foto: Scott Rylander Fanatical

Playground Theatre

14. November 2018

3 Sterne

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Vor gut zwei Jahrzehnten landete eine grandiose Science-Fiction-Parodie einen riesigen Treffer – angesiedelt auf einer Fan-Convention: Galaxy Quest ist eine der perfektesten und erquicklichsten Varianten dieses Motivs, die wir kennen. Seine Stärke liegt nicht zuletzt in der klugen Verbindung von Fantasie und menschlicher Alltagswirklichkeit – und in der charmanten Auslotung der Spannungen zwischen diesen beiden Welten.  Nun, viele Jahre später, haben zwei noch recht neue Autor*innen (Musik und Liedtexte von Matt Board, Buch von Reina Hardy) ihre eigene Geschichte gekocht und in ein Musical verwandelt.  Sie arbeiten seit gut zehn Jahren daran, und – so sollte man meinen – inzwischen müssten sie ziemlich genau herausgefunden haben, wie das Ganze funktioniert.  Nun ja, könnte man denken.  Doch obwohl das Stück in den vergangenen fünf Jahren die Runden durch die Workshop-Szene gedreht hat – von Chicago über London bis nach New York – und obwohl Neil Marcus’ Truppe The Stable dahintersteht und es nun erstmals in einer vollständigen Inszenierung am unternehmungslustigen Playground Theatre zu sehen ist, in einer kompetenten Produktion der aufstrebenden Regisseurin Grace Taylor, ist die Show noch immer ein gutes Stück davon entfernt, einen Erfolg einzufahren, wie ihn ein Projekt dieser Art durchaus haben könnte.  Unweigerlich wird es zu einem interessanten Spiel, sich zu fragen, warum.

Zunächst zu den Stärken.  Die Partitur enthält einige der schönsten neuen Musical-Nummern, die ich seit Langem gehört habe.  Die herausragende Nummer ist ganz eindeutig das außergewöhnliche Bekenntnis im zweiten Akt, „Collected“, das Boards Songwriting von seiner versiertesten, herzlichsten und lyrisch geschmeidigsten Seite zeigt: ein kostbares Stück, das breite Aufmerksamkeit verdient – tatsächlich ist es so atemberaubend, dass man nach dem ersten Hören weiß, man wird es nie vergessen.  Zum Glück wird es auch von der erfahrensten und begabtesten Hand in diesem Ensemble eingeführt: Tim Rogers, dessen kraftvoller und zugleich ungemein flexibler dramatischer Tenor sich mit verheerender Wirkung um jede feine, betörende Kontur des Songs legt.  Ganz ehrlich: Allein dafür war ich froh, den Rest der Show ausgesessen zu haben.  Auch der übrige Score bietet etliche ansehnliche Melodien: Sophie Powles, mit einem robusten, klaren und tragfähigen Mezzo, bekommt einige davon – und ich hoffe, wir werden sie in Musicals noch sehr viel häufiger sehen; sie hat ganz offensichtlich das Potenzial, in diesem Bereich des Theaters noch deutlich mehr zu leisten.  Doch „Collected“ setzt den Maßstab.

Stephen Frost in Fanatical. Foto: Scott Rylander

Suanne Braun ist eine weitere, routinierte Profi-Darstellerin mit tadelloser Vita.  Ihre Rolle gibt ihr leider kaum Abwechslung, und die für sie geschriebene Musik wirkt weniger inspiriert oder interessant; sie macht, was sie kann, aus ihrer Figur – der Organisatorin bzw. Moderatorin des Convention-Events, dem wir hier lauschen –, wird aber durch die begrenzte Spannweite des Buchs ausgebremst.  Wenn sie einmal die Chance bekommt, etwas Einfallsreiches zu tun, erlaubt Hardys Buch ihr im Grunde nur, ihren Körper als Köder einzusetzen.  Diese Entwicklung hat mich überrascht und auch ein wenig niedergeschlagen: Sind wir im Jahr 2018 oder 1958?  Viel mehr Respekt bringt das Buch ihr nicht entgegen, und auch keine weiteren Dimensionen für die Figur.  Warum?  Liegt es daran, dass Hardy allzu oft von den mechanischen Schwierigkeiten überwältigt scheint, ihre Kräfte zu koordinieren, und dabei die menschlichen Geschichten aus den Augen verliert? Das Ergebnis ist, dass ihr dominierendes „Thema“ wie eine obsessive Hingabe an Sci-Fi-Grafikromane wirkt – verzeiht mir, aber das ist, ehrlich gesagt, eine Spur zu nischig für meine Aufmerksamkeitsspanne.

Eine fesselnde Figur, die sträflich untergenutzt wird, ist der Schöpfer der Convention-Geschichte „Angel 8“, der in einem hektischen Auftritt vom begabten Komiker Stephen Frost gespielt wird: Er hatte den besten Lacher des Abends – tatsächlich den einzigen, der mich wirklich laut auflachen ließ – mit seiner ungemein wahrhaftigen Darstellung eines verbitterten, destruktiven Versagers, des Autors Stephen Furnish.  Seine Persona ist mit Abstand die interessanteste in dieser ansonsten von dünnen Stereotypen beladenen Geschichte: Man fragt sich, warum die Autor*innen nicht längst das Potenzial erkannt und beschlossen haben, sehr viel mehr auf ihn zu setzen; immerhin gelingt ihnen stellenweise, eine unattraktive Figur in etwas Ungewöhnliches und unerwartet Packendes zu verwandeln. Doch wir müssen uns bis zu den Schlussminuten des ersten Akts gedulden, bevor wir ihn überhaupt zum ersten Mal sehen – eine lange, zunehmend zähe Wartezeit.  Wenn er schließlich auftaucht, denkt man: „Aber diese Person ist so viel interessanter als alle anderen, die wir kennengelernt haben – warum dürfen wir nicht mehr Zeit in seiner Gesellschaft verbringen?“  Möglicherweise ist das etwas, worüber die Autor*innen ernsthaft nachdenken sollten (während sie zugleich die chauvinistischen Anachronismen über Bord werfen).  So wie es ist, stellt Hardys Buch ihren Figuren kaum bohrende Fragen; wo „Handlung“ gebraucht wird, fließt viel Zeit und Mühe in eine umständliche Über-Erklärung von Punkten, die das Publikum – offenbar – deutlich schneller begreift als die Autor*innen: Ein Beispiel ist das mühsame Hin und Her um das „verlorene“ Skript für die finale Folge der Serie.

Sophie Powles in Fanatical. Foto: Scott Rylander

Die übrigen Figuren sind weitgehend austauschbar, und das Ensemble macht mit ihnen das Wenige, das das Buch zulässt.  Theodore Crosby, Amber Sylvia Edwards, Amy Lovatt und Eddy Payne vervollständigen das Personal dieser kammerstückgroßen Convention, auf Trab gehalten von Anthony Whitemans Choreografie, die sich etwas wacklig auf P. J. McEvoys leicht unbeholfenem Bühnenbild einnistet.  Das Design besteht aus einer zentralen, vierpfostigen Traverse auf einer erhöhten Drehbühne, die den Raum – und die Sichtachsen – eines Bühnenquadrats dominiert, das vom Publikum auf zwei Seiten umgeben ist; die Traverse bleibt jedoch nicht stehen, sondern dreht sich, sodass mindestens einer ihrer Pfeiler stets einem Teil des Publikums die Sicht versperrt.  Das ist eines dieser Bühnenbilder, die als Modell vielleicht großartig aussehen, in der Praxis aber ein kleiner Albtraum sind.  Mit wenig Platz in den Seiten und ohne Ausweichmöglichkeiten nach oben oder unten tun Taylor und Whiteman, was sie können, um die Show in Bewegung zu halten – doch bei vielen kurzen Szenen sowie Orts- und Zeitwechseln haben sie ordentlich zu kämpfen.

Rachel Sampley scheint nur zwei Arten zu haben, das Ganze zu beleuchten, und wechselt recht schlicht zwischen ihnen.  Andy Grahams Ton kommt besser weg, doch die Akustik im Raum ist anspruchsvoll, und vielleicht hätte weniger Verstärkung zu einem angenehmeren Hörerlebnis geführt.  Die Band, geleitet von John Reddell und betreut von Jim Henson, klingt erstaunlich keyboardlastig – was, angesichts der Rock-Genre-Palette der Musikstile, merkwürdig ist –, und häufig bekommen wir eine klavierartige Begleitung, die eher nach Probe als nach Produktions-Arrangement klingt.  Das ist schade.  Der Score ist oft sehr reizvoll und hätte wirklich eine durchdachtere Klanggestaltung verdient: Zum Beispiel hätten ein paar Gitarren neben Tristan Butlers Percussion und Drums – und weniger Gewicht auf Reddells erstem Keyboard – einen idiomatischeren und angenehmeren Gesamteindruck ergeben.

Marcus sagt, man sei derzeit auf der Suche nach Verlagen, und sein Vertrauen in das Projekt ist bewundernswert.  Ich persönlich denke, das Team könnte eine umfangreiche Überarbeitung in Betracht ziehen.  Das wirklich Gute hier ist von sehr, sehr hoher Qualität.  Vielleicht verdient es ein ernsthaftes Innehalten und gemeinsames Durcharbeiten, bevor man weitere Schritte geht.  Die Compagnie hat eine vierwöchige Spielzeit an der Latimer Road, um es vor ganz unterschiedlichen Publika zu erproben und an der Produktion zu feilen (wenn sie das möchten).  In diesem Prozess lässt sich viel lernen.  Vielleicht erkennen sie dabei noch mehr Entwicklungspotenzial: Das könnte wirklich etwas Großartiges werden.

Bis 9. Dezember 2018

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