评论：狂热，操场剧院 ✭✭✭

Julian Eaves 点评《Fanatical》：由 Matt Board 与 Reina Hardy 创作的新音乐剧，现于 Playground Theatre 上演。

Suanne Braun 饰演《Fanatical》。摄影：Scott Rylander Fanatical

Playground Theatre

2018年11月14日

3星

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大约二十年前，一部精彩的科幻恶搞喜剧以“粉丝大会”为背景大获成功：《Galaxy Quest》堪称我们见过最精妙、最让人耳目一新的同类作品之一。它的成就，很大程度上来自于将奇幻想像与人类日常现实巧妙揉合，并饶有趣味地探查两者之间的张力。 时隔多年，两位相对较新的创作者（Matt Board 负责音乐与歌词，Reina Hardy 负责剧本）也端出自己的故事，并将其改编成音乐剧。 他们前前后后打磨了十年左右——按理说，如今应该已经摸清了让作品有效运转的方法。 你或许会这么想。 然而，尽管过去五年里它在“工作坊圈”里从芝加哥转到伦敦再到纽约，又有 Neil Marcus 的团队 The Stable 作为后盾，如今也终于在敢于冒险的 Playground Theatre 迎来首次完整上演，由新锐导演 Grace Taylor 呈现出一版相当稳妥的制作，但这部作品距离获得这类题材本可达到的成功，仍然相去甚远。 于是，追问“为什么会这样”也就不可避免地变成了一场耐人寻味的思辨游戏。

先说优点。 配乐里有一些我近来听到过最动人的新作。 最出色的曲目无疑是第二幕那首不同寻常的忏情独白《Collected》：Board 在此充分展现了他最娴熟、最真挚且歌词极为圆润的写作功力——这是一首价值连城的作品，值得被更广泛地关注；事实上，它震撼到一旦听过，你就知道自己绝不会忘记。 幸运的是，这首歌也由本剧阵容中最资深、最具天赋的 Tim Rogers 引出并演唱——他强劲而又极其灵活的戏剧男高音，缠绕着每一道细腻迷人的旋律线条，杀伤力十足。 坦白说，光是听到这一段就足以让我庆幸自己把整部戏看完。 其余配乐也不乏漂亮旋律：Sophie Powles 以结实清亮、稳定扎实的女中音拿到了其中好几首，我也真心希望未来能在音乐剧舞台上更多见到她——她显然有潜力在这一领域走得更远。 但真正把标准拉到新高度的，还是《Collected》。

Stephen Frost 饰演《Fanatical》。摄影：Scott Rylander

Suanne Braun 同样是更资深的专业演员，履历相当亮眼。 可惜她的角色并没有给到太多变化空间，而为她写的音乐也不如前述曲目那样灵感充沛或耐人寻味；她尽力让自己饰演的“大会组织者/主持人”更有内容——我们正是在旁偷听这场活动的进行——但剧本的狭窄框架限制了她。 而当她终于有机会做点更有创意的事时，Hardy 的文本却只允许她把身体当作诱饵。 这一点让我既惊讶又有些沮丧：这是2018年还是1958年？ 剧本似乎并未给予她更多尊重，也没有让角色拥有更丰富的维度。 为什么？ 是否因为 Hardy 过于被“调度人物与结构”的机械难题淹没，以至于忽略了这些安排本应生成的人性故事——最终让她的主导“主题”呈现为对科幻图像小说的近乎执念式迷恋：恕我直言，这对我的注意力而言，未免有点过于小众。

有一个非常吸引人的角色却被严重浪费：大会故事《Angel 8》的创作者，由才华横溢的喜剧演员 Stephen Frost 以近乎失控的能量演出。 他拿下了全场最响的一次笑声——事实上，也是唯一一次让我真正大笑出声的时刻——来自他对那个苦涩、自毁的失败者、作家 Stephen Furnish 的真诚刻画。 在这部故事里充斥着单薄刻板印象的情况下，他的存在无疑是最迷人的：我不禁想问，编剧们为何没有早早看见这个角色的潜力并让他承担更多戏份？他们确实在某种程度上成功地把一个不讨喜的人物转化为罕见且出人意料的可看对象。可我们得耐心等到第一幕临近结束的几分钟，才第一次见到他——等待漫长且愈发乏味。 当他终于登场，你会想： “可这个人比我们之前遇到的任何人都更有意思，为什么不能多花点时间和他在一起？” 或许这是编创团队值得认真思考的问题（同时也该把那些带着沙文主义色彩的时代错位之处一并剔除）。 就目前而言，Hardy 的剧本很少对角色提出真正尖锐的追问；当需要“情节推进”时，它把大量时间花在冗长而繁复的解释上——而观众显然比作者更快就理解了要点。一个典型例子便是关于剧集最终集“遗失”剧本的那段吃力铺陈。

Sophie Powles 饰演《Fanatical》。摄影：Scott Rylander

其余角色大同小异，演员们也只能在剧本许可的范围内尽力发挥。 Theodore Crosby、Amber Sylvia Edwards、Amy Lovatt 与 Eddy Payne 在这个“室内剧”尺寸的大会场景里凑成其余拼图；他们忙碌于 Anthony Whiteman 的编舞，而编舞又险险地落在 P J McEvoy 略显别扭的布景之上。 设计核心是一座四柱高架台，立在抬高的旋转台上，主导了整个空间与视线；舞台呈正方形，观众从两侧观看。高架台并不静止，而是持续旋转，因此至少有一根柱子总会挡住部分观众的视线。 这类布景也许模型看起来很漂亮，但实际使用起来就成了噩梦。 侧台空间有限，上下也无处可去，Taylor 与 Whiteman 只能尽力保持演出流动；但面对大量短场景、频繁的时间地点转换，他们的调度压力可想而知。

Rachel Sampley 的灯光似乎只有两种打法，并以相当直白的方式来回切换。 Andy Graham 的音响处理更好一些，但场地声学条件颇具挑战；或许减少一点扩声，反而能带来更轻松的听觉体验。 由 John Reddell 领衔、Jim Henson 监修的乐队在音色上偏重键盘，这一点颇为奇怪——毕竟该剧的风格调色板更接近摇滚类型；许多段落我们听到的是带着钢琴音色的伴奏，听上去更像排练，而不像正式演出用的配器。 这很可惜。 这份配乐往往极具吸引力，确实值得更周全的声音设计：比如在 Tristan Butler 的打击乐与鼓组之外，加上几把吉他，同时减少对 Reddell 第一键盘的强调，或许能带来更地道、更舒服的整体冲击力。

Marcus 表示他们目前正在寻找出版方，他对这个项目的信心令人敬佩。 就我个人而言，我认为团队可以考虑进行一次幅度不小的重写。 这里真正高质量的部分，确实非常、非常出色。 也许在继续推进之前，值得大家认真坐下来把剧本与结构逐段梳理一遍。 剧团将在 Latimer Road 连演四周，有机会把作品拿给不同观众检验，并对制作进行微调（如果他们愿意）。 这个过程能学到很多。 也许最终他们会看到这部作品更大的发展潜力：它完全可能成为一部真正了不起的作品。

演出至2018年12月9日

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