KRITIK: Finding Neverland, Lunt-Fontanne Theater ✭✭✭✭✭

Finding Neverland

Lunt-Fontanne Theatre

5 Sterne

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Der gefeierte Dramatiker J.M. Barrie leidet unter einer Schreibblockade. Unter Druck, von seinem aufdringlichen amerikanischen Produzenten ein neues Stück abzuliefern, ringt er um eine frische Richtung. Er freundet sich mit vier Jungen an, deren Vater im Jahr zuvor unerwartet gestorben ist. Mit ihnen erlebt er alberne Abenteuer in den Kensington Gardens, spielt Piraten und „Cowboys und Indianer“ und dergleichen, entflieht seinem eigenen Leben – und hilft ihnen zugleich, einen Weg nach vorn zu finden, besonders Peter: derjenige der vier, der am verbissensten versucht, seine Kindheit hinter sich zu lassen und früh in die Erwachsenenwelt einzutreten, weil er glaubt, Erwachsene spürten weniger Schmerz.

Eines Tages hat Barrie mit den Jungen ausgelassen getobt und bringt sie nach Hause, wo sie ins Bett müssen. Sie sind völlig aufgedreht, und ihre ruhelose Energie kippt in Überdrehtheit. Im nächsten Moment, ohne Vorwarnung, sieht Barrie die Welt anders – und wir auch. Ein Sternenfeld überzieht die Bühne, und plötzlich, unmöglicherweise, fliegen die Jungen, während sie spielen. Unter den betörenden Momenten unerwarteter Theatermagie steht dieser Augenblick, in dem die Saat für die Abenteuer von Peter Pan und den Lost Boys gelegt wird, ganz weit oben auf der Verzückungsskala. Niemand atmet, während diese Jungen fliegen, niemand wagt ein Geräusch. Diese Verdichtung reinen, staunenerregenden Wunders ist zu perfekt, zu bedeutend, als dass auch nur ein Herzschlag davon verpasst werden dürfte.

Harvey Weinstein hat sich als Verfechter dafür eingesetzt, den erfolgreichen Film Finding Neverland für die Musicalbühne zu adaptieren. Vor ein paar Spielzeiten wurde am Leicester Curve eine ziemlich wunderschöne Version herausgebracht, doch Weinstein war damit nicht zufrieden und beschloss, das Projekt mit einem neuen Kreativteam komplett neu aufzusetzen. Das Ergebnis dieser Entscheidung ist nun in Previews am Lunt-Fontanne Theatre zu sehen.

Es ist eine merkwürdige, wahre Geschichte. Bevor er Peter Pan schrieb, lernte J.M. Barrie Sylvia Llewellyn Davies kennen, eine Witwe, und ging mit ihr und ihren vier Jungen eine enge – manche würden sagen ungesunde – Beziehung ein. Einer dieser Jungen, Peter, war eine der Inspirationen für die Figur des Jungen, der nie erwachsen wird. Sylvia starb, als die Jungen noch klein waren, und Barrie sorgte für sie, als wäre er ihr eigener Vater – ein Akt, der für Barrie nicht ohne Folgen blieb. Dieses Gerüst wird hier ausgeschmückt und erweitert, doch nichts von der Wucht der Konsequenzen, die aus den Entscheidungen der zentralen Figuren erwachsen, wird dadurch geschmälert. Überwältigend ist dies eine Geschichte über reine Liebe, reine Vorstellungskraft und reines Genie.

Walt Disney war stets darauf aus, Magie zu erschaffen – zu begeistern, zu verzaubern, Gefühle offenzulegen –, wenn er Filme für Kinder drehte, für Jung und Alt. Disney wäre stolz auf Weinsteins Beharrlichkeit und auf die Leistung der aussergewöhnlichen Diane Paulus (Regie), James Graham (Buch), Gary Barlow und Eliot Kennedy (Musik und Liedtexte), David Chase (Musikalische Leitung), Simon Hale (Orchestrierungen), Scott Pask (Bühnenbild), Suttirat Anne Larlarb (Kostüme), Kenneth Posner (Licht), Jonathan Deans (Ton), Paul Kieve (Illusionen) und Mary-Mitchell Campbell (Dirigat) – auf jede*n einzelne*n von ihnen.

Denn Finding Neverland ist ein wirklich magisches Musical-Erlebnis. Wirklich. Magisch.

Die Musik ist schwungvoll und wirklich, wirklich schön. Von Balladen über derbe Jungensongs bis zu grosszügigen, raumfüllenden Ensemblenummern, dazu ein oder zwei aussergewöhnliche Hymnen – Barlow und Kennedy liefern hier wirklich ab. Im zweiten Akt gibt es eine grossartige Nummer, Play, die die Vorstellung fast zum Stillstand bringt – ja, wenn die Orchestrierung am Schluss des Songs entschlossener und kraftvoller wäre, würde sie es ganz bestimmt. Die Nummern, die man immer wieder hören will, kommen Schlag auf Schlag: Believe, We Own The Night, All That Matters, Sylvia's Lullaby, Neverland, Circus Of Your Mind, Stronger, What You Mean To Me und das hervorragende When Your Feet Don't Touch The Ground. Die gesamte Partitur hat eine Form, eine Klanglichkeit, die perfekt zur Epoche passt, in der die Handlung spielt, sich aber zugleich frisch und begeistert lebendig anfühlt.

Grahams Buch ist herrlich theatral und direkt. Es gibt Theaterwitze, Meta-Referenzen und wissende umgangssprachliche Zwinkerer; vor allem aber erzählt er die traurige Geschichte der Llewellyn-Davies-Jungen klar und schnörkellos, ohne in rührselige Sentimentalität zu verfallen. Klug und mit enorm viel Herz zeichnet Graham nach, wie die Jungen Barrie heilen und seine Schreibblockade lösen, während er sie gleichzeitig heilt und ihnen hilft, ihre tragischen Verluste zu verarbeiten.

Vor diesem sehr persönlichen, sehr komplizierten emotionalen Hintergrund entwirft Graham die hochtheatrale Welt des Theaters und der Menschen, die sie bevölkern – den Produzenten, die Schauspieler*innen, die Inspizienz, die Technik, die Bühnencrew. Auf unterschiedliche Weise wird dem Leben Vorstellungskraft eingehaucht, und die parallele Zeichnung dessen, wie das geschieht, ist sorgfältig, humorvoll und mutig gemacht. Fein gezeichnete Charaktere, kluge und zügige Szenensetzungen, eine langsam abbrennende Zündschnur des Schmerzes, während sich die Tragödie entfaltet und Möglichkeiten der Erlösung öffnen – Graham schreibt mit Scharfsinn und Bewusstsein und liefert ein Buch, das immer wieder überrascht und rundum befriedigt. Es könnte gut sein bestes Bühnenwerk sein.

Paulus sorgt dafür, dass das Gefühl von Staunen und Magie dauerhaft im Fokus bleibt – ob bei den Flugkapriolen verschiedener Figuren, dem plötzlichen dramatischen (und völlig unerwarteten) Auftauchen von Captain Hook, der Art, wie Feen und Tinkerbell dargestellt werden, der bezaubernden Arbeit der Kinderdarsteller*innen, der Entstehung von Captain Hooks Schiff aus dem Nichts oder der absolut atemberaubenden Szene, in der Sylvia die sterbliche Welt in einem Schauer glitzernder, windiger Verzauberung verlässt. Alles an der Inszenierung ist funkelnd, aufregend und mitreissend. Schon ein steinhartes Herz müsste man haben, um über weite Strecken des zweiten Akts nicht in Tränen auszubrechen – so wahr, so roh und so vollkommen nachvollziehbar sind die aufrichtigen Ausdrücke von Freude und Schmerz auf der Bühne. Paulus ist ein Genie. Unbestreitbar.

Scott Pasks Grundbühnenbild ist bemerkenswert: Es verbindet das Flair der Kensington Gardens, das Konzept des Schreibens, die Idee von Theater und verschiedene Aspekte der Peter-Pan-Geschichte zu einem festen, farbenfrohen Kastenbühnenbild. Dazu kommen detailreiche Stellwände, üppig dekoriert, oder wunderschöne Prospekte, die unterschiedliche Räume schaffen. Das Schlafzimmer der Jungen erinnert ganz natürlich an das Zimmer der Darling-Kinder – und wird dann auch zu genau diesem. Die Szene, in der die Jungen versuchen, Peters Stück auf die Beine zu stellen, ist schlicht und clever, und die Backstage-Theaterszene, in der Barrie und Sylvia ihre Anziehung eingestehen und als Schatten tanzen, ist geradezu betörend – nicht zuletzt dank Posners prächtigem Licht. Die Show sieht so herrlich texturiert aus, wie die Musik klingt.

Die jungen Darsteller, die die Llewellyn-Davies-Jungen spielten, waren schlicht grossartig. Aidan Gemme fing das Verlorene in Peters Seele hervorragend ein, ebenso seine Wut und seinen Groll – all das schmolz unter der Fürsorge dahin, die Matthew Morrisons Barrie ihm schenkt. Er hat eine süsse, echte Stimme und eine packende Bühnenpräsenz. Alex Dreier gab einen herrlich rabaukigen Michael, und Sawyer Nunes einen sanften, aber standhaften George. Seine Verlegenheit über das wunderschöne Lächeln des Mädchens und der Moment, in dem er seine Grossmutter in die Schranken weist, waren wahrhaftig und messerscharf getroffen. Sprudelnd und schelmisch war Christopher Paul Richards ein perfekter Jack.

Zusammen wirkten die vier als Brüder absolut glaubwürdig; ihre Kameradschaft und Rivalität wurden hervorragend vermittelt. Nichts an ihnen hatte falsches Machogehabe – vier begabte, natürliche und aufrichtige Talente.

Carolee Carmello ist glorios furchteinflössend als Matriarchin des Llewellyn-Davies-Haushalts. Sie singt so wunderbar wie immer: ihr Ton reich und rauschhaft, die Noten klingend und rein. Zu Beginn ist sie ein ziemlich harter Brocken, doch das plutoniumharte Äussere löst sich im Lauf des Stücks auf, und am Ende ist sie ganz Mutter ihrer Tochter und Grossmutter ihrer Enkel – eine wunderschön durchdachte Leistung.

Als tragische Sylvia ist Laura Michelle Kelly wunderschön und von Anmut umhüllt. Mütterlich und liebevoll: ihre Sylvia ist einfach hinreissend. Sie singt mit einem glänzenden, klaren Ton; ihre reinen, ausdrucksstarken Höhen sind mitreissend. Ihre Verbindung mit Morrison ist aussergewöhnlich und wird sorgfältig bis zur umwerfenden Schatten-Tanzsequenz aufgebaut. Auch mit den Jungen ist sie hervorragend, und ihre Wärme setzt den Prozess in Gang, der Carmellos gütige innere Grossmutter freilegt. Kelly ist ein Genuss.

Ebenso Kelsey Grammer als der kämpferische, anspruchsvolle Charles Frohman – der Produzent, der verzweifelt ein neues Stück von Barrie braucht. Er ist urkomisch – „Kinder sind wie Soufflés: nutzlos, bis sie aufgegangen sind“ – und packt die Rolle mit beiden Händen, um jede Nuance und jedes Kichern herauszuschütteln. Etwa zwei Drittel von Akt eins fragt man sich kurz, warum er die Rolle angenommen hat – und dann kommt ein Twist, der alles vollkommen nachvollziehbar macht. Als Barries Ausformung von Captain Hook ist Grammer herausragend gut. Er singt so gut, wie er spielt: mit Vergnügen, Souveränität und echtem Stil.

Das Ensemble ist durchweg grossartig, mit herausragenden Leistungen von Chris Dwan, Josh Lamon, Paul Slade Smith – und Jack als Publikumsliebling, dem Hund Porthos.

Ohne Frage aber ist der Star hier Matthew Morrison, der als der gequälte Dramatiker J.M. Barrie eine schier grenzenlose Energie auf die Bühne bringt. Erstaunlicherweise spricht er mit einem guten schottischen Akzent, lässt ihn beim Singen aber fallen; Morrison verleiht jeder Szene Gewicht und Intensität. Es ist eine völlig hingebungsvolle Leistung, überflutet von Charme und jener schwer zu fassenden väterlichen Wärme, die gute Väter brauchen. Seine Szenen mit den Jungen sind wundervoll anzusehen (die Glee-Jahre zahlen sich in jeder Hinsicht aus), ebenso seine Chemie mit Grammer, Kelly und Carmello. Er ist witzig und klug, tanzt mit Schwung und Beweglichkeit und singt mit einem kräftigen, sicheren hohen Bariton, der volltönend und treffsicher ist. Diese Rolle markiert für Morrison den Übergang vom versierten Nebendarsteller zum echten Broadway-Lead. Als J.M. Barrie ist er besser als je zuvor.

In dieser Saison deckt Broadway mit neuen Musicals eine breite Palette an Stilen ab. Something Rotten ist das ansteckend urkomische; An American In Paris das opulent tanzgetriebene, romantische; Hamilton das genre-sprengende, aufregende; Fun Home das intellektuell befriedigende; It Shoulda Been You das charmante, süsse; Dr Zhivago die exotische Romanze; und The Visit ein Beispiel dafür, wie Form durch Inhalt herausgefordert wird.

Finding Neverland ist das magische; dasjenige, das dein inneres Kind nährt und befreit. Lass dein inneres Kind nicht eingesperrt – flieg los und hol dir ein Ticket. Verkauf notfalls deinen Schatten.

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