CRÍTICA: Finding Neverland, Teatro Lunt-Fontanne ✭✭✭✭✭

À Descoberta da Terra do Nunca

Lunt-Fontanne Theatre

5 Estrelas

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O aclamado dramaturgo J.M. Barrie está com bloqueio criativo. Sob pressão para apresentar uma nova peça ao seu insistente produtor americano, debate-se para encontrar um novo rumo. Entretanto, faz amizade com quatro rapazes cujo pai morreu inesperadamente no ano anterior. Vive com eles aventuras disparatadas nos Kensington Gardens, a brincar aos piratas e aos cowboys e índios e afins, escapando da própria vida enquanto os ajuda a encontrar forma de seguir em frente nas suas, em especial Peter, aquele dos quatro que mais se esforça por deixar a infância para trás e entrar cedo no mundo adulto, porque acredita que os adultos sentem menos dor.

Um dia, Barrie anda a brincar intensamente com os rapazes e leva-os a casa, onde têm de ir dormir. Estão muito excitáveis e a energia irrequieta leva-os à hiperatividade. Num instante, sem aviso, Barrie passa a ver o mundo de outra forma — e nós também. Um campo de estrelas cobre o palco e, de súbito, de forma impossível, os rapazes estão a voar enquanto brincam. Como momentos encantatórios de surpresa teatral inesperada, este — quando se semeiam as sementes das aventuras de Peter Pan e dos Rapazes Perdidos — está muito perto do topo da escala do êxtase. Ninguém respira enquanto aqueles rapazes voam, ninguém faz um som. A condensação de um assombro puro e arrebatador é demasiado perfeita, demasiado decisiva para que se perca sequer um bater de coração.

Harvey Weinstein tem sido um defensor incansável da adaptação do filme de sucesso, À Descoberta da Terra do Nunca, para o palco do teatro musical. Há algumas temporadas, foi apresentada no Leicester Curve uma versão bastante bonita, mas Weinstein não ficou satisfeito e decidiu recomeçar o projeto do zero com uma nova equipa criativa. O resultado dessa decisão está agora em pré-estreias no Lunt-Fontanne Theatre.

É uma história curiosa — e verdadeira. Antes de escrever Peter Pan, J.M. Barrie conheceu e criou uma relação próxima, que alguns consideram pouco saudável, com Sylvia Llewellyn Davies, uma viúva, e os seus quatro rapazes. Um desses rapazes, Peter, esteve entre as inspirações para a personagem do rapaz que nunca cresceu. Sylvia morreu quando os rapazes ainda eram novos, e Barrie sustentou-os como se fosse o próprio pai — um gesto que não foi isento de consequências para Barrie. Aqui, essa base é embelezada e ampliada, mas nada do peso das consequências das escolhas feitas pelas personagens centrais é diminuído. No essencial, esta é uma história sobre amor puro, imaginação pura e génio puro.

Walt Disney procurou sempre criar magia, entusiasmar, encantar e revelar emoções ao fazer filmes para crianças, jovens e menos jovens. Disney ficaria orgulhoso da persistência de Weinstein e do trabalho extraordinário de Diane Paulus (encenação), James Graham (libreto), Gary Barlow e Eliot Kennedy (música e letras), David Chase (supervisão musical), Simon Hale (orquestrações), Scott Pask (cenografia), Suttirat Anne Larlarb (figurinos), Kenneth Posner (desenho de luz), Jonathan Deans (som), Paul Kieve (ilusões) e Mary-Mitchell Campbell (direção musical) — de todos e cada um.

Porque À Descoberta da Terra do Nunca é uma experiência de teatro musical verdadeiramente mágica. Verdadeiramente. Mágica.

A partitura é viva e muito, muito bonita. De baladas a canções ruidosas de rapazes e grandes números de conjunto generosos, além de um ou dois hinos excecionais — Barlow e Kennedy entregam mesmo o que prometem. Há um número maravilhoso no segundo ato, Play, que quase faz parar o espetáculo — aliás, se a orquestração fosse mais definida e poderosa quando a canção termina, fá-lo-ia de certeza. Os números que apetece ouvir repetidamente surgem em catadupa: Believe, We Own The Night, All That Matters, Sylvia's Lullaby, Neverland, Circus Of Your Mind, Stronger, What You Mean To Me e o soberbo When Your Feet Don't Touch The Ground. Toda a partitura tem uma forma, uma sonoridade que funciona na perfeição com a época em que a narrativa decorre, mas que soa fresca e entusiasticamente viva.

O libreto de Graham é esplendidamente teatral e direto. Há piadas de teatro, referências meta e piscadelas coloquiais cúmplices; mas, mais do que isso, ele conta a triste história dos rapazes Llewellyn Davies de forma incisiva e limpa, sem cair em sentimentalismos lamechas. Com inteligência e enorme coração, Graham mostra como os rapazes curam Barrie e desbloqueiam a sua escrita enquanto, simultaneamente, ele os cura e os ajuda a atravessar as suas perdas trágicas.

Em contraste com essa história emocional tão pessoal e tão complexa, Graham imagina o mundo altamente teatral do próprio teatro e de quem o habita — o produtor, os atores, a direção de cena, a equipa técnica. De formas distintas, a vida é dada à imaginação, e a forma paralela como isso acontece é construída com cuidado, humor e coragem. Caracterizações delicadamente desenhadas, uma composição de cenas inteligente e ágil, um pavio de dor que arde lentamente à medida que a tragédia se revela e se abrem possibilidades de redenção — Graham escreve com perspicácia e consciência, criando um libreto infinitamente surpreendente e gratificante. Bem pode ser o seu melhor trabalho para palco.

Paulus garante que o sentido de maravilha e magia está permanentemente em foco — seja nas peripécias aéreas de várias personagens, na súbita aparição dramática (e totalmente inesperada) do Capitão Gancho, na forma como as fadas e a Tinkerbell são representadas, no trabalho cativante das crianças em cena, na criação do navio do Capitão Gancho a partir do nada, ou na cena absolutamente de cortar a respiração em que Sylvia abandona o mundo dos mortais numa chuva de encantamento cintilante e varrida pelo vento. Tudo na forma como o espetáculo é encenado é cintilante, empolgante e envolvente. Terá de ser um coração muito duro para não estar em lágrimas durante grande parte do segundo ato — tão verdadeiras, cruas e totalmente compreensíveis são as expressões sinceras de alegria e dor em palco. Paulus é um génio. Indiscutivelmente.

O cenário-base de Scott Pask é notável, combinando a sensação dos Kensington Gardens, o conceito de escrita, a ideia de teatro e vários aspetos da história de Peter Pan num único cenário-caixa fixo e colorido. Acrescenta painéis detalhados, ricamente decorados, ou belos panos de fundo para criar diferentes espaços. O quarto dos rapazes evoca naturalmente — e depois transforma-se — no quarto onde vivem as crianças Darling. A cena em que os rapazes tentam montar a peça de Peter é simples e engenhosa, e a cena nos bastidores em que Barrie e Sylvia admitem a sua atração e dançam nas sombras é simplesmente encantadora, muito ajudada pelo excelente desenho de luz de Posner. O espetáculo tem uma textura visual tão bonita quanto a partitura soa.

Os jovens que interpretam os rapazes Llewellyn Davies foram simplesmente fantásticos. Aidan Gemme captou admiravelmente a natureza perdida da alma de Peter, bem como a sua raiva e ressentimento — tudo isso se desfaz sob o cuidado dispensado pelo Barrie de Matthew Morrison. Tem uma voz doce e verdadeira e uma presença em palco cativante. Alex Dreier fez um Michael esplendidamente traquina e Sawyer Nunes um George gentil, mas firme. O seu embaraço perante o bonito sorriso da rapariga e a forma como pôs a avó no devido lugar foram momentos de verdade concretizados com acuidade. Efervescente e manhoso, Christopher Paul Richards foi um Jack perfeito.

Juntos, os quatro são bastante credíveis como irmãos, com camaradagem e rivalidade excelentes. Não há fanfarronice falsa em nenhum deles; quatro talentos dotados, naturais e sinceros.

Carolee Carmello é gloriosamente formidável como a matriarca da casa Llewellyn Davies. Canta tão maravilhosamente como sempre, com um timbre rico e arrebatador, notas ressonantes e puras. Começa como uma durona, mas a carapaça de plutónio vai-se dissipando ao longo da peça e ela acaba por ser a mãe da filha e a avó dos netos — é uma interpretação belissimamente pensada.

Como a trágica Sylvia, Laura Michelle Kelly é bela e envolta em graça. Maternal e amorosa, a sua Sylvia é absolutamente deslumbrante. Canta com um timbre luminoso e claro; as notas agudas puras e expressivas são eletrizantes. A cumplicidade com Morrison é excecional e cuidadosamente construída até à impressionante sequência da dança nas sombras. Também é excelente com os rapazes, e a sua ternura dá início ao processo que liberta a avó benigna dentro de Carmello. Kelly é um verdadeiro regalo.

O mesmo se diga de Kelsey Grammer, que interpreta o combativo e exigente Charles Frohman, o produtor desesperado por uma nova peça de Barrie. É hilariante — "As crianças são como suflês: não servem para nada até crescerem" — e pega no papel com as duas mãos, espremendo dele cada nuance e cada risinho. A cerca de dois terços do primeiro ato, por um momento pergunta-se porque aceitou o papel, mas depois há uma reviravolta que torna tudo perfeitamente compreensível. Como a conceptualização de Barrie do Capitão Gancho, Grammer é extraordinariamente bom. Canta tão bem quanto representa, com alegria, desembaraço e verdadeiro estilo.

O elenco de apoio é uniformemente excelente, com destaques para Chris Dwan, Josh Lamon, Paul Slade Smith e Jack, como o cão Porthos, que conquista o público.

Sem dúvida, porém, a estrela aqui é Matthew Morrison, que oferece uma interpretação de energia inesgotável como o atribulado dramaturgo J.M. Barrie. Curiosamente, usa um bom sotaque escocês no texto falado, mas abandona-o ao cantar; ainda assim, Morrison traz gravidade e intensidade a cada cena. É uma interpretação totalmente empenhada, inundada de charme e daquela doçura paternal inefável de que os bons pais precisam. O seu trabalho com os rapazes é um prazer de ver (os anos de Glee a renderem imenso), tal como a química com Grammer, Kelly e Carmello. É divertido e perspicaz, dança com vigor e destreza e canta com um barítono-agudo potente, seguro, cheio e certeiro. Este papel representa uma transição para Morrison, de ator secundário consumado a verdadeiro protagonista da Broadway. Como J.M. Barrie, está melhor do que nunca.

Esta temporada, a Broadway apresenta um amplo leque de estilos em novos musicais. Something Rotten é o irresistivelmente hilariante; An American In Paris é o romântico, sumptuoso e conduzido pela dança; Hamilton, o empolgante que desafia géneros; Fun Home, o intelectualmente gratificante; It Shoulda Been You, o encantador e doce; Dr Zhivago, o romance exótico; e The Visit, um exemplo de forma a ser desafiada pelo conteúdo.

À Descoberta da Terra do Nunca é o mágico; aquele que vai alimentar e libertar a criança que há em si. Não mantenha a sua criança interior presa — voe para comprar um bilhete. Venda a sua sombra, se for preciso.

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