RECENSIONE: Alla ricerca dell'Isola che non c'è, Teatro Lunt-Fontanne ✭✭✭✭✭

Finding Neverland

Lunt-Fontanne Theatre

5 stelle

PRENOTA I BIGLIETTI

Il celebre drammaturgo J.M. Barrie è in pieno blocco dello scrittore. Sotto pressione per consegnare un nuovo testo al suo invadente produttore americano, fatica a trovare una direzione. Intanto fa amicizia con quattro ragazzi il cui padre è morto improvvisamente l’anno precedente. Con loro vive avventure birichine nei Kensington Gardens, giocando a pirati, cowboy e indiani e via dicendo: una fuga dalla propria vita che, allo stesso tempo, li aiuta a capire come andare avanti con la loro, soprattutto Peter, quello dei quattro che sta cercando più di tutti di lasciarsi alle spalle l’infanzia, entrando presto nel mondo degli adulti perché convinto che gli adulti provino meno dolore.

Un giorno Barrie ha giocato senza risparmiarsi con i ragazzi e li ha riaccompagnati a casa, dove dovrebbero andare a letto. Sono agitatissimi e la loro energia irrequieta li spinge in una sorta di iperattività. In un attimo, senza preavviso, Barrie vede il mondo in modo diverso — e così anche noi. Un cielo di stelle ricopre il palcoscenico e, all’improvviso, incredibilmente, i ragazzi volano mentre giocano. Tra i momenti di sorpresa teatrale inaspettata, questo — quando vengono gettati i semi delle avventure di Peter Pan e dei Bimbi Sperduti — è in cima alla scala dell’incanto. Nessuno respira mentre quei ragazzi volano, nessuno emette un suono. L’essenza di una meraviglia pura e sbalorditiva è troppo perfetta, troppo importante perché se ne perda anche solo un battito di cuore.

Harvey Weinstein è stato un convinto sostenitore dell’adattamento del film di successo Finding Neverland per il palcoscenico del musical. Qualche stagione fa ne era stata allestita una versione davvero bellissima al Leicester Curve, ma Weinstein non ne era soddisfatto e ha deciso di ripartire da capo con un nuovo team creativo. Il risultato di quella scelta è ora in anteprima al Lunt-Fontanne Theatre.

È una storia curiosa, e vera. Prima di scrivere Peter Pan, J.M. Barrie incontrò Sylvia Llewellyn Davies, una vedova, e instaurò con lei e con i suoi quattro figli un rapporto stretto che alcuni considerano poco sano. Uno di quei ragazzi, Peter, fu parte dell’ispirazione per il personaggio del bambino che non voleva crescere. Sylvia morì quando i ragazzi erano ancora piccoli e Barrie si prese cura di loro come se fosse il loro padre, un gesto non privo di conseguenze per Barrie. Qui quella cornice viene abbellita e ampliata, ma la forza delle conseguenze delle scelte compiute dai personaggi centrali non viene minimamente attenuata. In modo travolgente, questa è una storia di amore puro, immaginazione pura e genio puro.

Walt Disney ha sempre cercato di creare magia, emozione, incanto, di far emergere le emozioni quando realizzava film per bambini — piccoli e grandi. Disney sarebbe orgoglioso della perseveranza di Weinstein e del risultato ottenuto dalla straordinaria Diane Paulus (regia), James Graham (libretto), Gary Barlow ed Eliot Kennedy (musiche e testi), David Chase (supervisione musicale), Simon Hale (orchestrazioni), Scott Pask (scene), Suttirat Anne Larlarb (costumi), Kenneth Posner (luci), Jonathan Deans (suono), Paul Kieve (illusioni) e Mary-Mitchell Campbell (direzione d’orchestra) — ciascuno e tutti loro.

Perché Finding Neverland è un’esperienza di teatro musicale davvero magica. Davvero. Magica.

La partitura è vivace e davvero, davvero splendida. Dalle ballate ai brani scatenati “da ragazzi”, fino ai grandi e generosi pezzi d’insieme, con uno o due inni memorabili: Barlow e Kennedy fanno centro in pieno. C’è un numero meraviglioso nel secondo atto, Play, che quasi ferma lo spettacolo — anzi, se l’orchestrazione fosse più netta e potente nel finale del brano, lo farebbe di sicuro. Le canzoni che vorreste riascoltare all’infinito arrivano una dopo l’altra: Believe, We Own The Night, All That Matters, Sylvia's Lullaby, Neverland, Circus Of Your Mind, Stronger, What You Mean To Me e la superba When Your Feet Don't Touch The Ground. L’intera partitura ha una forma, una sonorità che si sposa perfettamente con l’epoca in cui è ambientata la narrazione, eppure risulta fresca e vibrante di entusiasmo.

Il libretto di Graham è splendidamente teatrale e diretto. Ci sono battute sul teatro, riferimenti meta e ammiccamenti colloquiali consapevoli; ma, soprattutto, racconta la triste vicenda dei ragazzi Llewellyn Davies con nitidezza e pulizia, senza ricorrere a un sentimentalismo stucchevole. Con intelligenza e con un cuore enorme, Graham mostra come i ragazzi guariscano Barrie e sblocchino la sua scrittura mentre, allo stesso tempo, lui guarisce loro e li accompagna attraverso perdite tragiche.

Su quello sfondo emotivo così personale e così complesso, Graham immagina il mondo altamente teatrale del teatro e di chi lo abita — il produttore, gli attori, la direzione di scena, la troupe. In modi diversi, la vita viene donata all’immaginazione e la delineazione parallela di come ciò accada è costruita con cura, umorismo e coraggio. Caratterizzazioni delicatamente tratteggiate, un’ambientazione delle scene intelligente e svelta, una miccia lenta di dolore mentre la tragedia si dispiega e si aprono possibilità di redenzione: Graham scrive con lucidità e consapevolezza, dando vita a un testo sempre sorprendente e appagante. Potrebbe davvero essere il suo miglior lavoro per la scena.

Paulus fa sì che il senso di meraviglia e magia resti costantemente al centro: che si tratti delle acrobazie in volo dei vari personaggi, della comparsa improvvisa e drammatica (e del tutto inaspettata) di Capitan Uncino, del modo in cui vengono rappresentate le fate e Trilli, dell’incantevole lavoro degli attori bambini, della creazione dal nulla della nave di Capitan Uncino o della scena assolutamente mozzafiato in cui Sylvia lascia il mondo dei mortali in una pioggia di scintillio, vento e incanto. Tutto, nel modo in cui lo spettacolo è messo in scena, è scintillante, emozionante e coinvolgente. Ci vuole un cuore davvero duro per non ritrovarsi in lacrime per buona parte del secondo atto: così vere, così crude e così comprensibili sono le sincere espressioni di gioia e dolore sul palco. Paulus è un genio. Indiscutibilmente.

L’impianto scenico di base di Scott Pask è notevolissimo: unisce il senso dei Kensington Gardens, il concetto della scrittura, l’idea di teatro e vari aspetti della storia di Peter Pan in un unico, fisso e coloratissimo “box set”. A questo aggiunge quinte dettagliate, riccamente decorate, o splendidi fondali per creare spazi diversi. La camera dei ragazzi evoca naturalmente — e poi diventa — la camera dei bambini Darling. La scena in cui i ragazzi tentano di mettere in scena la pièce di Peter è semplice e intelligente, e la scena teatrale nel backstage in cui Barrie e Sylvia ammettono la loro attrazione e danzano nell’ombra è semplicemente incantevole, aiutata non poco dalle splendide luci di Posner. Lo spettacolo ha una bellezza materica pari a quella della partitura.

I giovani che interpretano i ragazzi Llewellyn Davies sono stati semplicemente formidabili. Aidan Gemme ha colto in modo ammirevole la natura smarrita dell’anima di Peter, così come la sua rabbia e il suo risentimento, che si sciolgono sotto le cure del Barrie di Matthew Morrison. Ha una voce dolce e autentica e una presenza scenica magnetica. Alex Dreier è un Michael splendidamente scatenato e Sawyer Nunes un George gentile, ma deciso. Il suo imbarazzo per il bellissimo sorriso della sua ragazza e il modo in cui rimette a posto la nonna sono momenti di verità realizzati con precisione. Effervescente e furbo, Christopher Paul Richards è un Jack perfetto.

Insieme, i quattro risultano credibilissimi come fratelli, con cameratismo e rivalità resi in modo eccellente. Non c’è traccia di spavalderia finta: quattro talenti dotati, naturali e sinceri.

Carolee Carmello è magnificamente imponente nel ruolo della matriarca della famiglia Llewellyn Davies. Canta splendidamente come sempre: timbro ricco e rapinoso, note limpide e pure. All’inizio è una donna durissima, ma quell’esterno “al plutonio” si dissolve nel corso dello spettacolo e alla fine diventa la madre di sua figlia e la nonna dei suoi nipoti — un’interpretazione bellissima e pensata in ogni dettaglio.

Nei panni della tragica Sylvia, Laura Michelle Kelly è bellissima e avvolta di grazia. Materna e amorevole, la sua Sylvia è semplicemente splendida. Canta con un timbro luminoso e chiaro, e i suoi acuti puri ed espressivi sono elettrizzanti. La sintonia con Morrison è eccezionale e costruita con cura fino alla straordinaria sequenza della danza delle ombre. È eccellente anche con i ragazzi e il suo calore innesca quel processo che libera la nonna benevola nascosta dentro Carmello. Kelly è una delizia assoluta.

Lo stesso vale per Kelsey Grammer, che interpreta l’ardente ed esigente Charles Frohman, il produttore disperato per avere un nuovo testo da Barrie. È esilarante — «I bambini sono come i soufflé: inutili finché non crescono» — e afferra il ruolo a due mani, scuotendone fuori ogni sfumatura e ogni risatina. Verso i due terzi del primo atto, per un attimo ci si chiede perché abbia accettato la parte, ma poi arriva una svolta che rende tutto perfettamente comprensibile. Come incarnazione, nella mente di Barrie, di Capitan Uncino, Grammer è straordinariamente bravo. Canta bene quanto recita, con gioia, sicurezza e vero stile.

L’ensemble è uniformemente eccellente, con prove di spicco di Chris Dwan, Josh Lamon, Paul Slade Smith e Jack nel ruolo del cane che fa impazzire il pubblico, Porthos.

Senza dubbio, però, la star qui è Matthew Morrison, che offre un’interpretazione di energia inesauribile nei panni del tormentato drammaturgo J.M. Barrie. Curiosamente, usa un buon accento scozzese nei dialoghi ma lo abbandona nel canto; Morrison porta gravitas e intensità in ogni scena. È una prova totalmente “a corpo libero”, inondata di fascino e di quell’ineffabile dolcezza paterna che i buoni padri devono avere. Il suo lavoro con i ragazzi è meraviglioso da vedere (gli anni di Glee ripagano alla grande), così come la chimica con Grammer, Kelly e Carmello. È divertente e acuto, danza con vigore e agilità e canta con un baritono alto potente e sicuro, pieno e impeccabile. Questo ruolo segna per Morrison un passaggio: da solido attore non protagonista a vero protagonista di Broadway. Come J.M. Barrie, è migliore che mai.

Questa stagione vede Broadway coprire una vasta gamma di stili nei nuovi musical. Something Rotten è quello irresistibilmente esilarante; An American In Paris è quello sontuoso, romantico e guidato dalla danza; Hamilton, quello entusiasmante che sfida i generi; Fun Home, quello che appaga anche sul piano intellettuale; It Shoulda Been You, quello delizioso e dolce; Dr Zhivago, la storia d’amore esotica; e The Visit, un esempio di forma messa alla prova dal contenuto.

Finding Neverland è quello magico; quello che nutrirà e libererà il bambino che avete dentro. Non tenete il vostro bambino interiore in prigione — volate a prendere un biglietto. Se necessario, vendete la vostra ombra.

PRENOTA I BIGLIETTI PER FINDING NEVERLAND A BROADWAY