RESEÑA: Descubriendo Nunca Jamás, Teatro Lunt-Fontanne ✭✭✭✭✭

Finding Neverland

Teatro Lunt-Fontanne

5 estrellas

COMPRAR ENTRADAS

El celebrado dramaturgo J.M. Barrie sufre bloqueo del escritor. Bajo la presión de su insistente productor estadounidense para que entregue una nueva obra, lucha por encontrar un rumbo. Ha entablado amistad con cuatro niños cuyo padre falleció inesperadamente el año anterior. Con ellos vive aventuras disparatadas en Kensington Gardens, jugando a piratas, a vaqueros e indios y similares, escapando de su propia vida mientras les ayuda a encontrar la manera de seguir adelante con la suya, especialmente a Peter, el que más se esfuerza por dejar atrás la infancia y entrar pronto en el mundo adulto porque cree que los adultos sienten menos dolor.

Un día, Barrie ha estado jugando a tope con los niños y los lleva a casa, donde tienen que irse a la cama. Están muy excitados y su energía inquieta los empuja a una hiperactividad desbordante. En un instante, sin previo aviso, Barrie ve el mundo de otra manera, y nosotros también. Un campo de estrellas cubre el escenario y, de repente, de forma imposible, los niños vuelan mientras juegan. Como momentos de sorpresa teatral inesperada, este —cuando se siembran las semillas de las aventuras de Peter Pan y los Niños Perdidos— está muy arriba en la escala del éxtasis. Nadie respira mientras esos niños vuelan, nadie hace el menor ruido. La encapsulación de un asombro puro e increíble es demasiado perfecta, demasiado trascendental como para perderse ni un latido.

Harvey Weinstein ha sido un firme defensor de adaptar la exitosa película Finding Neverland al escenario del teatro musical. Hace unas temporadas se montó una versión bastante hermosa en el Leicester Curve, pero Weinstein no quedó satisfecho y decidió empezar el proyecto de cero con un nuevo equipo creativo. El resultado de esa decisión está ahora en previas en el Teatro Lunt-Fontanne.

Es un relato curioso y real. Antes de escribir Peter Pan, J.M. Barrie conoció a Sylvia Llewellyn Davies, viuda, y entabló con ella una relación cercana —algunos la consideran poco sana—, así como con sus cuatro hijos. Uno de esos niños, Peter, fue parte de la inspiración para el personaje del niño que no quería crecer. Sylvia murió cuando los chicos eran pequeños, y Barrie veló por ellos como si fuera su propio padre, un gesto que no estuvo exento de consecuencias para Barrie. Aquí ese marco se adorna y amplía, pero no se diluye en absoluto la fuerza de las consecuencias de las decisiones tomadas por los personajes centrales. En esencia, es una historia de amor puro, imaginación pura y genialidad pura.

Walt Disney siempre buscó crear magia, emocionar, encantar y poner al descubierto las emociones al hacer películas para niños, jóvenes y no tan jóvenes. Disney estaría orgulloso de la perseverancia de Weinstein y del logro de la extraordinaria Diane Paulus (dirección), James Graham (libreto), Gary Barlow y Eliot Kennedy (música y letras), David Chase (supervisión musical), Simon Hale (orquestaciones), Scott Pask (escenografía), Suttirat Anne Larlarb (vestuario), Kenneth Posner (iluminación), Jonathan Deans (sonido), Paul Kieve (ilusiones) y Mary-Mitchell Campbell (dirección musical) —todos y cada uno de ellos—.

Porque Finding Neverland es una experiencia de teatro musical verdaderamente mágica. De verdad. Mágica.

La partitura es vibrante y realmente, realmente hermosa. De baladas a canciones gamberras de chicos y grandes números generosos de conjunto, además de uno o dos himnos excepcionales: Barlow y Kennedy cumplen con creces. Hay un número maravilloso en el segundo acto, Play, que casi detiene la función; de hecho, si la orquestación fuese más definida y poderosa al final de la canción, sin duda lo haría. Los temas que quieres volver a escuchar una y otra vez llegan sin pausa: Believe, We Own The Night, All That Matters, Sylvia's Lullaby, Neverland, Circus Of Your Mind, Stronger, What You Mean To Me y la soberbia When Your Feet Don't Touch The Ground. Toda la partitura tiene una forma y una sonoridad que encajan a la perfección con la época en la que se sitúa la narración, pero que se sienten frescas y llenas de vida.

El libreto de Graham es espléndidamente teatral y directo. Hay chistes teatrales, referencias meta y guiños coloquiales cómplices; pero, además, cuenta la triste historia de los chicos Llewellyn Davies con precisión y limpieza, sin caer en el sentimentalismo empalagoso. Con inteligencia y muchísimo corazón, Graham detalla cómo los niños curan a Barrie y desbloquean su escritura mientras, al mismo tiempo, él los sana a ellos y los acompaña a través de sus pérdidas trágicas.

Frente a esa historia emocional tan personal y compleja, Graham imagina el mundo altamente teatral del propio teatro y de quienes lo habitan: el productor, los intérpretes, la regiduría, el equipo técnico. De distintas maneras, la vida da forma a la imaginación, y el trazado paralelo de cómo sucede está ejecutado con cuidado, humor y valentía. Caracterizaciones delicadas, una ambientación escénica ingeniosa y ágil, una mecha de dolor que arde lentamente a medida que la tragedia se despliega y se abren posibilidades de redención: Graham escribe con perspicacia y conciencia, logrando un libreto inagotablemente sorprendente y satisfactorio. Bien podría ser su mejor trabajo para el escenario.

Paulus se asegura de que el sentido de la maravilla y la magia esté siempre en primer plano: ya sean las acrobacias voladoras de varios personajes, la aparición repentina y dramática (y totalmente inesperada) del Capitán Garfio, la forma en que se representan las hadas y Campanilla, el trabajo encantador de los niños intérpretes, la creación del barco del Capitán Garfio a partir de la nada, o la escena absolutamente sobrecogedora en la que Sylvia abandona el mundo mortal en una lluvia de brillo y encantamiento ventoso. Todo en la puesta en escena es deslumbrante, emocionante y envolvente. Hará falta un corazón muy duro para no llorar durante buena parte del segundo acto, tan verdaderas, crudas y completamente comprensibles son las expresiones sinceras de alegría y dolor sobre el escenario. Paulus es una genia. Indiscutiblemente.

La escenografía base de Scott Pask es realmente notable: combina el aire de Kensington Gardens, la idea de la escritura, la noción del teatro y varios aspectos de la historia de Peter Pan en una caja fija y colorida. Añade telones laterales detallados, ricamente decorados, o bellísimos telones de fondo para crear distintos espacios. El dormitorio de los niños evoca de forma natural —y luego se convierte en— el dormitorio donde viven los Darling. La escena en la que los chicos intentan montar la obra de Peter es sencilla e ingeniosa, y la escena teatral entre bastidores donde Barrie y Sylvia admiten su atracción y bailan en sombras es sencillamente hipnótica, ayudada en no poca medida por la espléndida iluminación de Posner. El espectáculo tiene una textura visual tan hermosa como suena la partitura.

Los jóvenes que interpretan a los chicos Llewellyn Davies estuvieron sencillamente magníficos. Aidan Gemme captó admirablemente el desamparo del alma de Peter, así como su rabia y resentimiento, todo lo cual se fue derritiendo bajo el cuidado que le brinda el Barrie de Matthew Morrison. Tiene una voz dulce y auténtica y una presencia escénica cautivadora. Alex Dreier compuso un Michael espléndidamente revoltoso y Sawyer Nunes, un George tierno pero firme. Su vergüenza ante la bonita sonrisa de su chica y la manera en que puso a su abuela en su sitio fueron momentos de verdad plasmados con enorme precisión. Efervescente y pícaro, Christopher Paul Richards fue un Jack perfecto.

Juntos, los cuatro resultaron muy creíbles como hermanos, con su camaradería y rivalidad magníficamente transmitidas. No hubo chulería impostada en ninguno; cuatro talentos dotados, naturales y sinceros.

Carolee Carmello está gloriosamente imponente como la matriarca de la casa Llewellyn Davies. Canta tan maravillosamente como siempre, con un timbre rico y arrebatador, notas limpias y resonantes. Comienza siendo muy dura, pero ese exterior de plutonio se va disipando a lo largo de la obra y termina siendo madre de su hija y abuela de sus nietos: una interpretación bellamente pensada de principio a fin.

Y como la trágica Sylvia, Laura Michelle Kelly está preciosa y envuelta en gracia. Maternal y cariñosa, su Sylvia es absolutamente encantadora. Canta con un timbre luminoso y claro; sus notas agudas, puras y expresivas, son emocionantes. Su compenetración con Morrison es excepcional y se construye cuidadosamente hasta la impresionante secuencia del baile de sombras. También está excelente con los niños, y su calidez pone en marcha el proceso que libera a la Carmello más tierna, casi una abuela bondadosa. Kelly es un auténtico regalo.

También lo es Kelsey Grammer, que interpreta al combativo y exigente Charles Frohman, el productor desesperado por una nueva obra de Barrie. Está divertidísimo —«Los niños son como los suflés: no sirven de nada hasta que suben»— y se agarra el papel con ambas manos, exprimiendo cada matiz y cada risita del personaje. Aproximadamente hacia los dos tercios del primer acto, uno se pregunta por un momento por qué aceptó el papel, pero luego llega un giro que lo hace todo perfectamente comprensible. Como conceptualización del Capitán Garfio por parte de Barrie, Grammer está extraordinariamente bien. Canta tan bien como actúa, con alegría, aplomo y auténtico estilo.

El conjunto está impecable de principio a fin, con actuaciones destacadas de Chris Dwan, Josh Lamon, Paul Slade Smith y Jack en el papel del perro Porthos, que se gana al público.

Sin duda, eso sí, la estrella aquí es Matthew Morrison, que ofrece un trabajo desbordante de energía como el atribulado dramaturgo J.M. Barrie. De forma curiosa, utiliza un buen acento escocés para el diálogo, pero lo deja de lado al cantar; Morrison aporta gravedad e intensidad a cada escena. Es una interpretación totalmente entregada, rebosante de encanto y de esa dulzura paterna inefable que requieren los buenos padres. Es un placer ver su trabajo con los niños (esos años en Glee rindiendo frutos a lo grande), al igual que su química con Grammer, Kelly y Carmello. Es divertido y perspicaz, baila con vigor y destreza, y canta con un barítono alto potente, seguro, pleno y certero. Este papel marca una transición para Morrison, de sólido actor de reparto a auténtico protagonista de Broadway. Como J.M. Barrie, está mejor que nunca.

Esta temporada, Broadway abarca una amplia gama de estilos en nuevos musicales. Something Rotten es el desternillantemente divertido; An American In Paris, el romántico y suntuoso impulsado por la danza; Hamilton, el emocionante que desafía los géneros; Fun Home, el intelectualmente satisfactorio; It Shoulda Been You, el encantador y dulce; Dr Zhivago, el romance exótico; y The Visit, un ejemplo de cómo la forma se ve tensionada por el contenido.

Finding Neverland es el mágico; el que alimentará y liberará a tu niño interior. No mantengas a tu niño interior encerrado: echa a volar y consigue una entrada. Vende tu sombra si hace falta.

COMPRAR ENTRADAS PARA FINDING NEVERLAND EN BROADWAY