REZENSION: Hamilton, The Public Theatre ✭✭✭✭✭

Hamilton Off-Broadway. Foto: Joan Marcus Hamilton

The Public Theatre

29. März 2015

5 Sterne

HAMILTON IST NUN AN DEN BROADWAY WECHSELT

Es hat ein Duell gegeben. Einer der Kontrahenten, gerade einmal 19, hat einen vermögenden Mann herausgefordert, der seinen Vater beleidigt hat. Der Vater rät dem Jungen, in die Luft zu schiessen, in der Annahme, sein Gegner werde sich als Ehrenmann erweisen und den Sohn nicht verwunden. Der Junge tut wie geraten – und wird dennoch tödlich getroffen. Seine Eltern, die wegen der Fehler des Vaters getrennt leben, verbringen die letzte Stunde des Jungen an seiner Seite. Als ihr Sohn stirbt, stösst die Mutter einen Schmerzensschrei aus, der selbst Geiern das Blut in den Adern gefrieren liesse. Der Vater versucht, ihre Hand zu nehmen, doch sie stösst ihn entschlossen weg. Der Tod trennt endgültig.

Das ist Hamilton, ein neues Musical von Lin-Manuel Miranda (Buch, Musik und Liedtexte), das seine Premierenserie am The Public Theatre spielt, bevor es im Juli im Richard Rodgers Theatre sein Broadway-Debüt gibt. Unter der Regie von Thomas Kail und mit einer verblüffenden Choreografie von Andy Blankenbuehler ist das ein bemerkenswertes Stück Theater-Alchemie: inspirierend, voller historischem Reiz, aufschlussreich über die Probleme, die die amerikanischen Gründerväter plagten – und zugleich zutiefst menschlich. The Public liegt an der Lafayette Street, benannt nach dem berühmten französischen Revolutionär, der auf zwei Kontinenten gegen unterdrückerische Monarchien kämpfte: Es ist ernüchternd, die Eskapaden der Figur Lafayette auf der Bühne zu beobachten, wenn man weiss, dass sein Vermächtnis ausserhalb der Bühne tiefgreifend ist und das Theater, in dem man sitzt, ganz konkret mitprägt. Ebenso lässt sich das Bankensystem, das die Regierungsarbeit in den USA untermauert, auf die Vision der Titelfigur zurückführen – der Dunst der Geschichte liegt also schwer in der Luft.

Zeitlich spielt das Ganze teilweise in einer ähnlichen Epoche wie Les Misérables, doch in vieler Hinsicht erinnert es stärker an die Strahlkraft von Jesus Christ Superstar – nur dass hier Rap statt Rock das Rückgrat des musikalischen Tons bildet. Gleichzeitig besitzt es mehr Komik als beide und deutlich mehr 21.-Jahrhundert-Stilgefühl. Es zeigt historische Figuren und Taten, aber seine Haltung ist vollkommen modern. Les Misérables erzählt persönliche Geschichten vor historischem Hintergrund; Jesus Christ Superstar dreht eine bekannte historische/religiöse Erzählung neu auf; Hamilton erzählt eine grosse historische Geschichte, in die sorgfältig persönliche Vignetten eingewoben sind – und erhellt so die Wendungen eines vermeintlich vertrauten Stoffes. Und das gelingt in einer integrierten, komplexen Erzählleistung, die unablässig fesselt und erhellt.

Die Choreografie ist dafür zentral. Abgesehen von gelegentlichen Momenten, in denen eine Solistin oder ein Solist innehält, um nachzusinnen oder eine Geschichte zu erzählen, ist das unermüdliche, sensationelle Ensemble ständig in Bewegung und schafft lebendige, körperliche Tableaus, die die Erzählung erweitern und verstärken. Die Bewegungen sind hervorragend einstudiert, sinnlich, bildhaft und messerscharf ausgeführt; alle möglichen Nebenfiguren erwachen gemeinschaftlich zum Leben, verdichten die Handlungslinie und lassen die Epoche elektrisiert aufscheinen. Blankenbuehler entwickelt ein eigenes Tanzvokabular, das jeden Aspekt der Geschichte stilvoll schärft.

Kail führt klar und mit enormer Vision Regie. Stilistisch springt das Stück von politischer Geschichte zu Sozialgeschichte, von Soap zu Familiendrama, von persönlicher Tragödie zu Satire, von leichter Entspannung zurück zur Tragödie – und das nicht linear oder vorhersehbar: Kail packt das Publikum und manövriert es mit teuflischer Gewandtheit durch den Text. Nichts ist unklar oder verwirrend; der Weg, den Kail wählt, ist direkt und unbeirrbar.

Unterstützt wird er von David Korins’ wunderbarem Bühnenbild mit einer doppelten Drehbühne, reichlich Holz, Treppen und oberen Spielplattformen. Man könnte darin eine Metapher für das gute Schiff USA sehen; man könnte auch an eine historische Kampfarena denken. Wie auch immer: Es funktioniert grossartig, und Howell Binkleys wirklich fabelhaftes Licht lässt alles funkeln. Eine doppelte Drehbühne wurde selten so fliessend und clever eingesetzt. Paul Tazewells Kostüme sind in jeder Hinsicht fantastisch – besonders die Weste-und-Kniebundhosen-Uniform für das attraktive Ensemble. Eine kraftvolle Sinnlichkeit ist für die Hauptfiguren wichtig, und die Kostüme spiegeln das.

Jedes einzelne Mitglied der Company ist aussergewöhnlich. Keine schwachen Momente, keine schiefen Töne, keine langweiligen Auftritte. Eine Talent-Tsunamiwelle, die bei jeder Gelegenheit einschlägt.

Miranda ist als Hamilton elektrisierend. Eine echte Tour de Force – voller Leidenschaft und kompromissloser Hingabe. Mal komisch, mal inspirierend: Sein Hamilton ist ein fehlerhafter Mann, getrieben davon, seinen Moment im Rampenlicht zu finden. Miranda macht Hamilton vollkommen nachvollziehbar, auch wenn er nicht durchweg sympathisch oder rational wirkt. Er singt mit echter Kraft und Schönheit, und seine Artikulation ist makellos. Die Beziehungen, die er zu den anderen Figuren aufbaut, sind wahrhaftig und überzeugend. Angesichts dessen, dass er das gesamte Werk geschrieben hat, ist es fast ein Wunder, wie gut er spielt und singt. Ein Riese an Talent.

Als Hamiltons Nemesis Aaron Burr ist Leslie Odom Jr. ebenso aussergewöhnlich wie Miranda. Bedacht und cool, wo Hamilton flatterhaft und heissblütig ist, ist Burr zugleich Gegenbild und Seelenbruder Hamiltons. Odom Jr. versteht das vollständig und hält mit Miranda auf ganzer Linie mit. Sein Gesang ist herausragend, und gerade in den leiseren Momenten ist er am stärksten. Eine grossartige Leistung.

Überraschend, höchst lobenswert und schlicht superb an Mirandas Schreiben ist, dass in dieser sehr männlich geprägten Geschichte Platz für unverzichtbare Frauenfiguren ist, die sich als ebenso wichtig erweisen wie die Männer. Die Schuyler-Schwestern sind eine echte Kraft im Stück – nicht zuletzt, weil zwei von ihnen Hamilton lieben. Diejenige, die er heiratet, Eliza, wird von Phillipa Soo mit vollendeter Könnerschaft gespielt. Ihre ätherische Schönheit ist exquisite und passt zu ihrer Stimme, die zugleich wunderschön und kraftvoll ist. Soo bringt eine echte, bodenständige Menschlichkeit ins Spiel, und die Geschichte ihrer Ehe ist hier ebenso wichtig und interessant wie die Zusammenstösse der Gründerväter.

Reneé Elise Goldsberry strahlt als Angelica wie eine Supernova – die Schuyler-Schwester, die Hamilton liebt, ihn aber nicht heiratet. Ihre Stimme ist so kraftvoll und schön wie ihre Präsenz, und der Schmerz, den sie nach der Hochzeit ihrer Schwester vermittelt, ist tief und roh. Die Schönheit ihres Timbres bleibt klar – ob sie beltet, rappt oder im Legato singt. Jasmine Cephas Jones ist die dritte Schuyler-Schwester und zugleich Maria Reynolds, eine Frau, mit der Hamilton zu seinem eigenen Verderben anbändelt. Jones ist in beiden Rollen erstklassig, doch an ihrer Darstellung der Reynolds ist etwas Erschütterndes, das nachhallt.

Jonathan Groff ist als widerlicher King George atemberaubend gut – die Verkörperung englischer Pomposität, Arroganz und Anspruchsdenken, die all jenen, die Unabhängigkeit suchen, eine überdeutliche Rechtfertigung liefert. Er tritt dreimal als König auf, und jedes Mal ist er wirklich komisch, demonstrativ (aber völlig passend) camp und charmant selbstironisch. Bei seinem ersten Auftritt steckt Groff in voller zeremonieller Montur: überall Hermelin, eine lange formelle Perücke mit endlosen Locken, perfekt geschneiderte rote Seide mit Gold, weisse Strümpfe und grosse Schuhe mit Schnallen. Nach dem verlorenen Krieg wird für den zweiten Auftritt etwas von der Pracht abgestreift – und für den letzten Moment noch mehr. Köstlich. Groff ist stimmlich in Bestform und zeigt müheloses komödiantisches Gespür; sein Draht zum Publikum ist hervorragend.

Es gibt punktgenaue Arbeit von Daveed Diggs, der sowohl als Marquis de Lafayette als auch als Thomas Jefferson charmant verführt und manipuliert und dem Geschehen jede Menge Humor und Swagger verpasst. Anthony Ramos ist grossartig als Hamiltons Sohn Philip, leistet aber auch im ersten Akt als Laurens hervorragende Arbeit. Beide haben ausgezeichnete Stimmen und tanzen mit Verve. Christopher Jackson gibt einen überzeugend polternden George Washington – ganz Pragmatismus und souveräne Autorität. Wieder eine stimmlich exzellente Leistung.

Alex Lacamoire steht den musikalischen Aspekten der Produktion vor und vollbringt dabei Wunder. Die Artikulation ist durchweg makellos. Viele Wörter werden in atemberaubendem Tempo geliefert – und dennoch sind sie klar verständlich und bleiben musikalisch präzise. Die lyrischeren Passagen, wenn sie kommen, sind wunderschön und sensibel gesungen. Gefühl und Tempi gehen Hand in Hand; das ist wirklich ein akustischer Genuss. Mirandas Songs sind vielleicht nicht unbedingt zum Vor-sich-hin-Summen, aber sie sind durchweg interessant und legen dir beim Zuhören den Beat in die Seele. Einige sind unaussprechlich schön, andere leuchten vor Schönheit. Alle sind einfallsreich und hochmusikalisch – und Lacamoire und sein Orchester stellen sie ins beste Licht.

Das ist eine herausragende Produktion eines bedeutenden neuen Werks. Sie pulsiert geradezu vor Vergnügen und Kraft. Es wäre keineswegs überraschend, wenn sie einen Pulitzer Prize gewinnt. Sie macht Lust, mehr über die Geschichte dieser Zeit zu erfahren und die Partitur noch einmal zu hören. Sehr wenige Musicals – wenn überhaupt – erzielen diesen Effekt. Miranda hat ein Wunderwerk geschaffen – und möglicherweise einen neuen Wendepunkt für die Form des Musicaltheaters.

Unbedingt sehenswert.

Hamilton wechselt am 13. Juli 2015 ins Richard Rodgers Theatre. Tickets jetzt im Verkauf