REZENSION: Herzschmerz Haus, Union Theatre ✭✭✭✭

Heartbreak House

Union Theatre,

10. Januar 2018

4 Sterne

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Von allen Stücken, die George Bernard Shaw geschrieben hat, hat ausgerechnet dieses einen festen Platz in Herzen und Köpfen der Sowjets gefunden.  Es ist nicht schwer zu erkennen, warum.  Ganz in der Art von Bulgakow – und zuvor Tschechow – zeigt Shaw in dieser schlichten Geschichte eines Landhaus-Wochenendes mit exemplarischen Figuren zur Zeit des Ausbruchs des Ersten Weltkriegs (auch wenn das Stück erst kurz nach dessen Ende entstand) die ausgelaugten, verwöhnten, orientierungslosen Herrschenden so, wie er sie sieht, und setzt sie anschließend einer donnernden Abrechnung aus, wenn seine sorgfältig komponierte Vorstellung historischer Unausweichlichkeit sie einholt.  Wir erleben, wie ihre Fantasiewelt in Trümmer fällt, und genießen das Spektakel ihres Untergangs – wie bei einem altmodischen Katastrophen-Epos im Drury Lane.  Und in dieser Produktion der Phil Willmott Company – die sich im neuen Union-Spielort in Southwark mittlerweile bestens auskennt – bekommen wir ein elegantes Gesamtpaket, das seine prächtigen Qualitäten optimal zur Geltung bringt.

Dabei bereitet uns die schaumig-leichte, beschwingte erste Hälfte kaum auf das Kommende vor.  Justin Williams und Jonny Rust haben beim Bühnenbild aus dem Vollen geschöpft und servieren eine grandiose, stufenreiche Zikkurat – ganz im Sinne des schiffsartigen Raums, den der Text verlangt – und schmuggeln dabei so viele maritime, ländliche, kultivierte und patriotische Anspielungen wie möglich hinein.  Es gibt sogar eine Kanone (auch wenn wir sie leider nicht feuern sehen).  Ben Jacobs setzt das Ganze so ins Licht, dass möglichst viel Tiefe und Perspektive herausgearbeitet wird, und Philip Matejtschuk liefert Zeit- und Ortssounds, die unser Gefühl für die Wirklichkeit dieses Hauses festigen; Penn O’Garas schöne Kostüme funktionieren genauso.

Von den schauspielerischen Leistungen in der ersten Hälfte kann man das nicht ganz behaupten.  Lianne Harvey steht als Erste auf der Bühne – in einem köstlichen Lichtstrahl von Jacobs, der viel zu schnell wieder verschwindet – und gibt Ellie Dunn geschniegelt und unschuldig, während Alison Mead als Nurse Guinness einen liebenswerten Auftritt hinlegt.  Das ist alles in Ordnung, so weit es reicht, aber sobald James Hornes Captain Shotover auftaucht und die Verwicklungen von Shaws bewusst verschrobenem Plot hereinströmen, wächst ein Gefühl der Unruhe.  Wohin soll das alles führen?  Noch bedenklicher wird es mit dem Eintreffen weiterer Wochenendgäste: Francesca Burgoynes wütend, beängstigend energiegeladene Lady Ariadne Utterword, prachtvoll in Federn und gerafftem Satin; Toby Spearpoints blass zahmer Randall Utterword; der passend benannte martialische Schrecken Mat Betteridges Hector Hushabye, ein großspuriger Lothario, und seine erschreckend gleichgültige Ehefrau – die Tochter des Hauses – Helen Ankers Hesione Hushabye.  Dazu kommt noch ein weiteres Besucher-Paar, irgendwie mit Ellie verknüpft: Ben Porters steifer, aber menschlicher Mazzini Dunn und J P Turners hoffnungslos fehl am Platz wirkender „Handels“-Eindringling Boss Mangan.  Und es gibt sogar einen Einbrecher, als Küsten-Cockney angelegt, gespielt von Richard Harfst.

Diese Sammlung sprechender Namen signalisiert vermutlich die Haupttendenz des Textes im ersten Teil: eine plaudernde Parade von Archetypen zu liefern.  Und da der Handlung kaum mehr zur Verfügung steht, ist genau das, was man bekommt.  Das entspricht den Absichten des Stücks, legt aber auch Shaws eingebaute Schwächen offen: Es ist, als würde man sehr viel Zuckerguss essen, ohne dass darunter noch Früchte wären.  Nach einer Weile wird es unverdaulich süß und oberflächlich.  Das Publikum sehnt sich nach etwas Schlichterem, Erdigerem.  Glücklicherweise holt am allerletzten Ende der ersten Hälfte jemand eine Waffe hervor, und ein Strahl der Möglichkeit bricht auf der Bühne hervor.  Doch nach einer langen und ziemlich ziellosen ersten Hälfte schlendert man in der Pause zur Bar, ohne wirklich überzeugt zu sein, dass noch etwas von Bedeutung daraus entstehen wird.

Und wie falsch man damit liegt.  Die Handlung setzt fort, als hätte es gar keine Unterbrechung gegeben, und wir werden in deutlich dunkleres – und weit spannenderes – Terrain katapultiert.  Plötzlich (auch wenn die Waffe ebenfalls nicht abgefeuert wird – zum Glück, bei all den auf der Bühne verstreuten Dynamitbündeln) wird die ermüdende Oberflächlichkeit dieser Figuren regelrecht weggesprengt.  Jetzt müssen sie sich selbst erkennen, wie sie sind, und Shaw lässt diesen Prozess seinen natürlichen Lauf nehmen, lässt Dinge geschehen, sich entwirren, sich entwickeln – organisch.  Endlich ist die Bühne voller echtem Drama: Auf einen Akt des Geständnisses – oder eher der Entlarvung – folgt der nächste.  Beschwert mit den unangenehmen Zumutungen der Wahrheit verlieren die Figuren schlicht ihre Fassung und erleben ein Erwachen; sie treiben voneinander weg oder werden unerwartet mit Menschen zusammengeworfen, von denen sie glaubten, sie nicht zu wollen – in diesem großen Haus, dessen Herz, in jeder Bedeutung des Wortes, tatsächlich gebrochen ist.  Auf einmal befinden wir uns in derselben modernen Welt wie etwa „La règle du jeu“ – und all den Jahrzehnten danach bis heute: Kann man das Schicksal der Nation wirklich Menschen anvertrauen, die so offensichtlich ungeeignet sind, sie wirksam zu führen?  Oder wenn doch – können sie, oder wir, dann überhaupt eine Zukunft haben?

Wie durch ein Wunder vollbringt Shaw im zweiten Teil die Verjüngung des Stücks aus den müßigen Trümmern des ersten.  Man sieht das überhaupt nicht kommen – umso größer der Spaß, wenn es einen trifft.  Und dann, just in dem Moment, in dem die Figuren den Stand verlieren, den sie in der ersten Hälfte für sich beansprucht haben, gewinnen sie auf bemerkenswerte und unerwartete Weise deutlich mehr Charme und Sympathie, als man ihnen je zugetraut hätte.  Shaw macht uns nicht gerade Hoffnung, aber er zeichnet ein Bild, das wir als heute zu uns sprechend erkennen.  Es dauert ein wenig, bis man dort ankommt – aber es lohnt sich mehr als genug, dranzubleiben.

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