CRÍTICA: Heartbreak House, Union Theatre ✭✭✭✭

Heartbreak House

Union Theatre,

10 de janeiro de 2018

4 Estrelas

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De todas as peças que George Bernard Shaw escreveu, há uma que encontrou, sem dúvida, lugar nos corações e nas mentes dos soviéticos: esta.  Não é difícil perceber porquê.  À maneira de Bulgarkov — e de Chekhov antes dele —, nesta história simples de um encontro numa casa de campo, com figuras-tipo representativas, por altura do deflagrar da Primeira Guerra Mundial (embora escrita logo após o seu fim), Shaw expõe as classes dominantes, apáticas, mimadas e sem rumo, tal como ele as vê, e depois sujeita-as a um acerto de contas estrondoso, à medida que a sua leitura cuidadosamente arquitetada da inevitabilidade histórica as alcança.  Vemos o seu mundo de fantasia desabar em ruínas e desfrutamos plenamente do espectáculo da sua destruição — como ir ver um velho épico de catástrofe em Drury Lane.  E, nesta produção da Phil Willmott Company — que já começa a ser veterana no novo espaço do Union em Southwark —, recebemos um pacote requintado que exibe o seu esplêndido inventário da melhor forma.

Não que haja muito, na primeira metade espumosa e bem-humorada, que nos prepare para o que vem a seguir.  Justin Williams e Jonny Rust esmeraram-se no desenho de cena e servem-nos um magnífico zigurate de níveis, muito semelhante ao espaço em forma de navio exigido pelo texto, e carregado de referências marítimas, rurais, cultivadas e patrióticas, quanto possível.  Há até um canhão (embora, para nossa desilusão, não cheguemos a vê-lo disparar).  Ben Jacobs ilumina tudo para destacar o máximo de profundidade e perspectiva, Philip Matejtschuk preenche o ambiente com sons de época e de localização para consolidar a sensação de realidade da casa, e os excelentes figurinos de Penn O'Gara fazem o mesmo truque.

O mesmo já não se pode dizer, com a mesma segurança, das interpretações na primeira metade.  Lianne Harvey é a primeira a entrar em cena — num delicioso feixe de luz de Jacobs, infelizmente visto por pouco tempo — e está viva e virginal como Ellie Dunn, enquanto Alison Mead faz um número encantador como Nurse Guinness.  Até aqui, tudo bem, mas quando surge o Captain Shotover de James Horne e as complicações do enredo deliberadamente arcano de Shaw começam a invadir o palco, cresce uma sensação de inquietação.  Para onde é que isto vai?  As coisas tornam-se ainda mais preocupantes com a chegada de outros visitantes de fim de semana: a Lady Ariadne Utterword de Francesca Burgoyne, furiosamente — e assustadoramente — enérgica, resplandecente em penas e cetim franzido; o Randall Utterword de Toby Spearpoint, pálido e domesticado; o terror marcial, à altura do nome, que é o Hector Hushabye de Mat Betteridge, um mulherengo fanfarrão, e a sua esposa chocantemente indiferente, a filha da casa, a Hesione Hushabye de Helen Anker.  Há ainda outro casal de visitantes, de algum modo ligado a Ellie: o Mazzini Dunn de Ben Porter, rígido mas humano, e o intruso do “comércio”, completamente fora do lugar, Boss Mangan, de J P Turner.  E há até um ladrão, interpretado como um cockney costeiro, por Richard Harfst.

Esta coleção de nomes “falantes” provavelmente sinaliza a principal tendência do texto nesta primeira parte do entretenimento: oferecer um desfile conversado de arquétipos.  E, sem mais enredo com que trabalhar, é isso mesmo que nos dão.  É fiel às intenções do texto, mas deixa a nu todas as fragilidades embutidas de Shaw: vivê-lo é como comer muita cobertura, sem fruta por baixo.  Ao fim de algum tempo, torna-se de uma doçura indigesta e superficial.  O público anseia por algo mais simples e mais terreno.  Felizmente, mesmo no final da primeira metade, alguém faz aparecer uma arma e um raio de possibilidade irrompe no palco.  No entanto, depois de uma primeira parte longa e algo inútil, segue-se para o bar no intervalo sem estar realmente convencido de que vai surgir algo de relevante.

E como está enganado.  A ação recomeça, como se não tivesse havido qualquer pausa, e somos empurrados para um território muito mais sombrio — e bem mais interessante.  De repente, embora a arma também não seja disparada (ainda bem, com tantos molhos de dinamite espalhados pelo palco), a superficialidade cansativa destas personagens é varrida do mapa.  Agora, têm de se ver pelo que são, e Shaw deixa que esse processo siga o seu curso natural, permitindo que as coisas aconteçam, se desatem, se desenvolvam, de forma orgânica.  Finalmente, o palco enche-se de verdadeiro drama: um acto de confissão — ou, mais provavelmente, de exposição — segue-se a outro.  Carregadas com os inconvenientes desagradáveis da Verdade, as personagens perdem simplesmente o controlo de si e sofrem um despertar, ficando à deriva umas das outras, ou inesperadamente atiradas para junto de pessoas com quem não julgavam querer estar, nesta grande casa, cujo coração — em todos os sentidos da palavra — foi verdadeiramente partido.  De repente, encontramos-nos no mesmo mundo moderno de, por exemplo, “La règle du jeu”, e de todas as décadas desde então, até ao presente: seguramente, o destino da nação não pode ser confiado a pessoas tão completamente incapazes de a gerir eficazmente; ou, se tiver de o ser, poderão elas — ou nós — ter algum futuro?

Milagrosamente, na segunda parte da peça, Shaw consegue o milagre da sua revitalização a partir dos destroços ociosos da primeira.  Não se vê nada disto a chegar, o que torna tudo ainda mais divertido quando nos atinge.  E depois, tal como as personagens perdem a posição que reivindicaram na primeira metade, atingem, de forma notável e inesperada, muito mais encanto e simpatia do que alguma vez suspeitaríamos que fossem capazes de alcançar.  Shaw não nos dá propriamente esperança, mas pinta um retrato que reconhecemos como falando connosco hoje.  Demora um pouco a lá chegar, mas vale mais do que a pena perseverar.

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